リヨン美術館は、まるでタイムカプセルのように、遥か昔の芸術の輝きを今に伝えています。特に、初期ルネサンスからマニエリスムにかけての絵画コレクションは、イタリアとフランドルの巨匠たちが織りなす壮大な美の物語を体験できる、まさに圧巻の空間です。

足を踏み入れた瞬間から、あなたを包み込むのは、ペルジーノの描く優美な聖人たちの穏やかな表情、ヘラルト・ダーフィットがフランドルの伝統を受け継ぎつつ細密に表現した聖アンナの系譜。そして、イタリア・ルネサンスの始まりを告げるかのようなロレンツォ・コスタの「降誕」の繊細な光。

さらに時代が進むと、パオロ・ヴェロネーゼの絢爛豪華な色彩とドラマティックな構図が目に飛び込んできます。「入浴するバテシバ」や「東方三博士の礼拝」は、その圧倒的なスケールと細部へのこだわりで、当時のヴェネツィアの繁栄を物語るかのようです。そして、シスト・バダロッキオやジョヴァンニ・ランフランコといったバロック初期の画家たちが、光と影の劇的な対比で生み出す感情豊かな世界へと誘います。

この記事では、リヨン美術館が誇るルネサンスからマニエリスム期の貴重なコレクションの中から、選りすぐりの名作たちを、実際の写真と共にご紹介します。それぞれの作品が持つ背景や、画家たちの技巧、そして込められたメッセージに触れることで、きっと新たな発見と感動が待っているでしょう。さあ、あなたもルネサンスの壮麗な世界へと旅立ちませんか？

初期ルネサンス（Early Renaissance）

Claude Guinet　（　-1512）

クロード・ギネは、15世紀末から16世紀初頭にかけてフランスで活動した画家であり、特にステンドグラス作家としても知られています。

彼は主にリヨンで活動し、1493年にはすでに同地で働いていた記録が残っています。1496年には、リヨンの画家、ステンドグラス作家、彫刻家の組合の規則に署名しており、当時のリヨンの芸術コミュニティにおいて重要な存在であったことがうかがえます。

Sainte-Catherine　（1507）

「聖カタリナ」（Sainte Catherine d’Alexandrie, 1507）は、彼が主に画家・ステンドグラス作家として活動していた当時の貴重な絵画作品です。

キリスト教の聖人であるアレクサンドリアの聖カタリナを主題としています。彼女は殉教者であり、その知性と信仰心で知られています。ギネの作品では、聖カタリナが優雅な姿で描かれ、その傍らには彼女の殉教を象徴する車輪が描かれていることが一般的です。

Le Pérugin (Pietro di Cristoforo Vannucci) (1448-1523)

ペルジーノは、本名をピエトロ・ディ・クリストーフォロ・ヴァンヌッチ（Pietro di Cristoforo Vannucci）といい、イタリア・ルネサンス盛期の画家です。「ペルジーノ」という通称は、彼が主にイタリア中部ウンブリア地方の主要都市ペルージャで活動し、1485年にペルージャの名誉市民に選定されたためです。

彼は、15世紀後半から16世紀初頭にかけて、フィレンツェとウンブリア派の中心的存在として活躍しました。特に優美で繊細な表現、澄んだ色彩、そして穏やかで調和の取れた構図が特徴です。彼の作品には、しばしば広がる風景と、古典的な均衡美が感じられます。

彼の功績は非常に大きく、バチカンやシスティーナ礼拝堂の壁画を担当したことでも有名です。また、若きラファエロの師であり、彼に多大な影響を与えました。

Saint Herculan et saint Jacques (1505)

「聖ヘルクランと聖ヤコブ」（Saint Herculan et saint Jacques）は、ペルージャの守護聖人である聖ヘルクランと、主要な使徒の一人である聖ヤコブ（大ヤコブまたは使徒ヤコブ）が並んで描かれています。

• 聖ヤコブ（Saint Jacques）: 使徒ヤコブは、巡礼者の守護聖人であり、貝殻や杖といった巡礼者のアトリビュートを持つ姿で描かれることが一般的です。
• 聖ヘルクラン（Saint Herculan）: 彼はペルージャの司教であり、ゴート族の攻撃から街を守ろうとした殉教者として知られています。絵画では、彼が司教の服装をまとい、街の象徴であるペルージャの風景を背景にしていることが多いです。

Gerard David　（1460-1523）

ヘラルト・ダーフィットは、15世紀末から16世紀初頭にかけてフランドル（現在のベルギーとオランダの一部）で活躍した重要な画家です。彼は初期フランドル派の最後の巨匠の一人とされ、特にブルッヘ派の伝統を受け継ぎながら、後のルネサンス様式への橋渡しをしました。

アウデナールデで生まれ、1484年にはブルッヘの画家組合に登録され、ヤン・ファン・エイクやロヒール・ファン・デル・ウェイデン、ハンス・メムリンクといった先人たちの確立した画法を学びました。ダーフィットは、ブルッヘ派が全盛期を過ぎた後にその中心を担い、都市が経済的に衰退していく中で、それでも質の高い宗教画や肖像画を描き続けました。

La Lignée de sainte Anne (1490-1500)

「聖アンナの系譜」（La Lignée de sainte Anne）は、彼の初期フランドル派の伝統を受け継ぐ重要な宗教画です。

キリストの母マリアの母である聖アンナ（聖アン）を中心に、彼女の家族、すなわちイエス・キリストの祖先（系譜）を描いたものです。中世からルネサンス期にかけて、聖アンナは特に崇敬され、彼女の家族、特にマリアとその子孫がどのようにして聖なる血統を形成していったかが描かれました。

人物たちはそれぞれ丁寧に描かれ、内省的な表情を浮かべ、聖なる主題にふさわしい敬虔な雰囲気を醸し出しています。衣服のひだや顔の表情、光の表現など、フランドル派特有の緻密な描写力が遺憾なく発揮されています。

Lorenzo Costa　（1460-1535）

ロレンツォ・コスタは、イタリア・ルネサンスの画家です。彼は主にフェラーラ派の画家として知られ、後にマントヴァでも活動しました。

コスタの初期の訓練については明確ではありませんが、フェラーラで活発に活動し、この地の美術様式に大きな影響を受けました。フェラーラ派は、精緻な線描、鮮やかな色彩、そして時には幻想的な要素を特徴としますが、コスタの作品はより穏やかで、人物描写に優れていました。

La Nativité (1490)

「降誕」（La Nativité）は、イエス・キリストの誕生の場面を描いた彼の重要な作品の一つです。

キリスト教美術における最も普遍的なテーマの一つである、聖母マリアが幼子イエスを礼拝する場面を中心に描かれています。伝統的な降誕の構図を踏襲しつつも、コスタの繊細な筆致と独特の雰囲気が作品に深みを与えています。

盛期ルネサンス～マニエリスム（High Renaissance / Mannerism）

Paolo Veronese　(1528-1588)

パオロ・ヴェロネーゼは、本名をパオロ・カリアーリといい、1528年にヴェローナで生まれ、1588年にヴェネツィアで亡くなった、イタリア盛期ルネサンスを代表する画家です。出身地であるヴェローナにちなんで「ヴェロネーゼ」と呼ばれています。ティツィアーノ、ティントレットと並び、16世紀ヴェネツィア派の三大巨匠の一人とされています。

彼はヴェローナでアントニオ・バディーレのもとで絵画を学び、初期にはマニエリスム様式の影響も見られました。しかし、その後ヴェネツィアに移り、ティツィアーノらの影響を受けながら、独自の豪華で色彩豊かな画風を確立しました。

ルーブル美術館に展示されている、「カナの婚礼」は彼の作品の中でもとても評価の高いものです。

Bathsabee au bain (1575)

「入浴するバテシバ」（Bathsabee au bain）は、旧約聖書のダビデ王とバテシバの物語を描いた作品です。

ダビデ王が宮殿の屋上から、向かいの家の屋上で入浴する美しい女性バテシバを見初めるという物語の重要な瞬間を描いています。ヴェロネーゼは、この劇的な場面を、彼特有の豪華で色彩豊かな様式で表現しています。

L’adoration des mages 

「東方三博士の礼拝」（L’adoration des mages）は、彼の画家としての円熟期に制作されたと考えられており、その豪華絢爛な画風が際立つ作品です。

この絵画は、イエス・キリストの誕生後、東方からやってきた賢者たちが幼子イエスを礼拝し、贈り物を捧げる聖書の物語を描いています。ヴェロネーゼは、この宗教的な主題を、当時のヴェネツィアの華やかな祝祭のような雰囲気で表現しています。

Moïse sauvé des eaux (1570-80)

「水から救われるモーセ」（Moïse sauvé des eaux）は、旧約聖書「出エジプト記」に記されたモーセの幼少期の物語を描いた作品です。エジプトのファラオがヘブライ人の男子を殺害するよう命じた際、モーセの母が彼をナイル川の葦の籠に隠し、その後ファラオの娘（王女）によって発見される場面を描いています。

Sisto Badalocchio　（1581-1620？）

シスト・バダロッキオは、パルマで生まれ、1620年頃に亡くなったと考えられているイタリアの画家、版画家です。彼はバロック初期の画家で、特にエミリア地方の画派に属し、アンニーバレ・カラッチとその弟アゴスティーノ・カラッチの重要な弟子の一人として知られています。

Vierge et l’Enfant entre saint Benoît et saint Quentin (1618)

「聖ベネディクトと聖クエンティンに挟まれた聖母子」は、彼の宗教画における重要な作品の一つです。この絵画は、キリスト教美術における伝統的な「聖会話（Sacra Conversazione）」の形式をとっており、聖母マリアが幼子イエスを抱き、その両側に聖人が配されています。

Giovanni Lanfranco　（1582-1647）

ジョヴァンニ・ランフランコは、パルマで生まれ、ローマで亡くなった、イタリアのバロック期を代表する画家です。彼はボローニャ派の伝統を受け継ぎつつも、カラヴァッジョやアンニーバレ・カラッチの影響を受け、ダイナミックで感情豊かな様式を確立しました。

ランフランコは、初期にボローニャのアンニーバレ・カラッチの工房で学びました。そこで彼は、古典的な構成とフレスコ画の技術を習得し、特に遠近法を用いた壮大な天井画の制作に秀でるようになりました。

彼の作品の最大の特徴は、劇的な構図、力強い色彩、そして光と影のコントラストを駆使したダイナミズムです。特に、天上からの光が劇的に差し込むような表現や、人物が天空に舞い上がるような壮大な場面を得意としました。これにより、見る者はあたかもその場にいるかのような錯覚を覚える、没入感のある空間が創り出されます。

Saint Conrad Confalonieri (1618)

「聖コンラド・コンファロニエリ」（Saint Conrad Confalonieri）は、14世紀に生きたフランチェスコ会の第三会士である聖コンラド・コンファロニエリを主題としています。彼は、若い頃の過ち（狩りの火事が原因で無関係の人物が処刑されたことへの悔い改め）から信仰の道に入り、苦行と隠遁生活を送ったことで知られる聖人です。

ランフランコの「聖コンラド・コンファロニエリ」は、彼のバロック期の力強い明暗法（キアロスクーロ）と感情表現が特徴です。

まとめ

リヨン美術館で体験した、初期ルネサンスからマニエリスムへの芸術の旅はいかがでしたでしょうか？

クロード・ギネの希少な絵画から始まり、ペルジーノの静謐な祈りの世界、ヘラルト・ダーフィットが築き上げたフランドル絵画の伝統、そしてロレンツォ・コスタの繊細な表現。彼らが描いた作品は、新たな時代の幕開けを告げるかのような、希望と探求心に満ちていました。

そして、パオロ・ヴェロネーゼが私たちに見せてくれた、光と色彩が織りなす豪華絢爛なマニエリスムの世界。その圧倒的な存在感と物語性は、まさにヴェネツィア派の真骨頂です。さらに、シスト・バダロッキオやジョヴァンニ・ランフランコが描いたドラマティックな宗教画は、バロックへと向かう時代の精神性を強く感じさせました。

リヨン美術館のこれらのコレクションは、単に美しい絵画が並んでいるだけではありません。それぞれの作品が、当時の社会や信仰、そして画家たちの独自の視点と技術を雄弁に物語っています。イタリアとフランドルという異なる地域で花開いたルネサンスが、いかに多様で奥深いものであったかを、この場所で実感できるでしょう。

ぜひ、この記事で紹介した作品たちを、実際にリヨン美術館でご覧になってみてください。写真では伝えきれない、本物の芸術作品が持つ迫力と美しさに、きっと心が震えるはずです。

リヨン美術館に展示されている他の作品については以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• リヨン美術館 コレクション 彫刻と古代の旅：時代を超えた美の競演
• リヨン美術館 コレクション ルネサンスの光と影：巨匠たちが紡ぐ美の世界
• リヨン美術館 コレクション バロックの情熱：光と色彩が織りなす壮麗な時代
• 新古典主義とロマン主義の狭間で―リヨン美術館が誇る19世紀フランス・ベルギー絵画
• フランス風景画の父から魂の詩人まで｜リヨン美術館で巡る19世紀フランス絵画
• 光と色彩の魔術師たち｜リヨン美術館コレクションで巡る、印象派の世界
• 時代を超える美の探求｜リヨン美術館で出会う、ポスト印象派から抽象芸術までの道

リヨンの中心に位置するリヨン美術館は、ヨーロッパ美術の宝庫であり、特にバロックからロココ前夜にかけてのコレクションは、まるで絵画が呼吸しているかのような臨場感を与えてくれます。この時代は、感情の爆発、劇的な表現、そして光と影の巧みな演出が特徴であり、まさに芸術が最高潮に達した時期と言えるでしょう。

館内に足を踏み入れると、まず目に飛び込んでくるのは、ヤン・ブリューゲル（父）の四大元素シリーズの驚くべき細密さです。《空気》の鳥たちの羽の一枚一枚、《大地》の草木の息吹、《火》の燃え盛る炎、《水》のきらめき…彼とルーベンスらとの共同制作によって生み出されたこれらの作品は、緻密な描写の中に寓意的なメッセージが込められ、見る者を魅了します。

さらに奥へと進むと、ルーベンスの圧倒的なスケールとダイナミズムが光る《聖ドミニコと聖フランチェスコがキリストの怒りから世界を守る》や《東方三博士の礼拝》が、その強烈な色彩と躍動感で見る者を包み込みます。グイド・レーニの優雅で感傷的な表現、グエルチーノの劇的な光と影、ニコラ・プッサンの知的で厳格な古典主義、そしてピエール・ダ・コルトーナの壮大なバロック様式…。画家それぞれの個性と情熱が、画面いっぱいにほとばしっています。

この記事では、リヨン美術館が誇るバロックからロココ前夜の傑作の数々を、実際の写真と共にご紹介します。それぞれの作品に込められた物語、画家たちの卓越した技術、そして時代が持つエネルギーをぜひ感じ取ってください。さあ、あなたもバロックの情熱的な世界へと飛び込んでみませんか？

バロック（Baroque）

Jan Brueghel l’Ancien　（1568-1625）

ヤン・ブリューゲル（父）は、ブリュッセルで生まれ、アントウェルペンで亡くなった、フランドルのバロック期の画家です。有名な画家ピーテル・ブリューゲル（父）の次男であり、「花のブリューゲル」「天鵞絨のブリューゲル」とも称されました。父ピーテル・ブリューゲルの素朴で写実的な画風とは異なり、緻密な描写、鮮やかな色彩、そして豊かな細部表現を特徴とする独自のスタイルを確立しました。

ルーベンスと共同で制作した作品も多数あります。

L’air (1611) La Terre (1610)

Le Feu (1606)  L’Eau 

ヤン・ブリューゲル（父）は、17世紀初頭に四大元素（空気、大地、水、火）を主題とした連作を制作しました。これらの作品は、彼がルーベンスなどの画家と共同制作した、細密な描写と寓意的な意味合いを持つ傑作群です。

ヨーロッパでは、古代から18～19世紀まで、世界はこの4つの元素から成り立っているという考えが広く支持されていました。

「空気」（L’air, 1611）

「空気」は、四大元素のうち空気の要素を象徴する作品です。一般的には、鳥類や飛行する昆虫、空気中を移動する雲などが描かれることで、この要素が表現されます。

ブリューゲルの「空気」では、広大な風景の中に、多様な鳥や昆虫が非常に精緻に描き込まれているのが特徴です。また、狩猟の場面や、空中を移動する神話的な存在（例えば、飛翔するプットやキューピッドなど）が配置されることもあります。ルーベンスなど他の画家が人物を担当し、ブリューゲルが細密な背景や動物を描き込んだ共同制作であることが多く、作品全体に生命感と活気に満ちた雰囲気が漂います。

「大地」（La Terre, 1610）

「大地」は、四大元素のうち大地の要素を象徴する作品で、生命の豊かさや自然の恵みが表現されます。

ブリューゲルの「大地」では、豊かな植生と多様な動物たちが画面を埋め尽くすように描かれています。茂る木々、咲き乱れる花々、そして様々な種類の陸生動物や爬虫類が、生き生きと描写されています。しばしば、人間の活動（農耕や牧畜など）が背景に示唆されることもありますが、中心となるのは自然界そのものの豊かさです。その細部にまで及ぶ描写は、博物学的な正確さと、自然に対する深い愛情を示しており、「花のブリューゲル」の異名にふさわしいものです。

「火」（Le Feu, 1606）

「火」は、四大元素のうち火の要素を象徴する作品です。この作品では、火の破壊的な力と創造的な側面の両方が描かれることがあります。

ブリューゲルの「火」では、火事の場面、鍛冶屋や錬金術師の工房、あるいは火を噴くドラゴンや神話上の生物などが描かれることがあります。画面はしばしば、炎や煙によって劇的に照らされ、その細部には火によって動かされる様々な道具や生き物が緻密に描き込まれます。この作品もまた、ルーベンスなどの人物画を得意とする画家との共同制作であることが多く、火の力を背景に人間の営みが表現されます。

「水」（L’Eau）

「水」は、四大元素のうち水の要素を象徴する作品で、水の恵みと多様な生物が表現されます。制作年は複数のバージョンが存在するため特定されませんが、他の四大元素と同時期に制作されています。

ブリューゲルの「水」では、湖や川、海といった水辺の風景の中に、魚や水鳥、海洋生物など、水に生息する多種多様な生き物が非常に写実的に描かれています。時には、水の精や神話上の人物（例えば、ネレイドやトリトンなど）が配されることもあります。透明感のある水面や、水中の生き物の動きが精緻に表現されており、ブリューゲルの卓越した観察眼と描写力が際立っています。

Sébastien Vrancx　（1573-1647）

セバスチャン・フランクスは、1573年にアントウェルペンで生まれ、1647年に同地で亡くなった、フランドルのバロック期の画家です。彼は特に風景画、戦闘場面、略奪シーン、市場の風景、そして寓意的な主題など、多岐にわたるジャンルで活躍しました。

フランクスは、ヤン・ブリューゲル（父）と同様に、他の画家との共同制作も多く行いました。彼は風景や人物群を担当し、しばしばピーテル・パウル・ルーベンスやフランス・スナイデルスといった画家が、より重要な人物や動物を描き加えることがありました。

Énée retrouvant son père aux Champs-Élysées (1597-1607)

「アイネイアースがエリュシオンの野で父と再会する」（Énée retrouvant son père aux Champs-Élysées）は、古代ローマの詩人ウェルギリウスの叙事詩『アエネイス』の一場面を描いた作品です。

物語は、トロイア戦争の英雄アイネイアースが、冥界へと旅をして、エリュシオンの野（死後の楽園）で亡き父アンキセスと再会する場面を描いています。アンキセスは、アイネイアースにローマ建国の未来と、彼の子孫が築く偉大な帝国の運命を予言します。

Guido Reni　（1575-1642）

グイド・レーニは、1575年にボローニャで生まれ、1642年に同地で亡くなった、イタリアのバロック期を代表する画家です。彼はボローニャ派の主要人物の一人であり、その優美で感傷的な表現、理想化された人物像、そして洗練された色彩で知られています。

彼は、ボローニャ派の創設者であるカラッチ一族のアカデミア・デリ・インカミナーティで学び、アンニーバレ・カラッチから大きな影響を受けました。初期にはカラヴァッジョの劇的な明暗法（キアロスクーロ）にも関心を示しましたが、やがて彼自身の特徴である、より穏やかで古典的な様式へと移行していきました。

L’Assomption de la Vierge (1637)

「聖母被昇天」（L’Assomption de la Vierge）は、聖母マリアがその生涯を終えた後、肉体と魂を伴って天に昇るというカトリック教会の教義「聖母被昇天」の場面を描いています。この主題は、多くの画家によって描かれてきましたが、レーニは彼独自の優美で感情豊かなスタイルでこの奇跡を表現しました。

この作品は、当初は半円形で神が描かれていました。

Pieter Paul Rubens　(1577-1640）

ピーテル・パウル・ルーベンスは、フランドル（現在のベルギー）のバロック期の最も偉大な画家の一人であり、その豊かな色彩、躍動感あふれる構図、そして官能的な表現で知られています。彼は、絵画の主題において歴史画、神話画、宗教画、肖像画、風景画など、あらゆるジャンルを手がけました。

Saint Dominique et Saint François préservant le monde de la colère du Christ (1618-20)

《聖ドミニコと聖フランチェスコがキリストの怒りから世界を守る》（Saint Dominique et Saint François préservant le monde de la colère du Christ）は、バロック絵画の傑作の一つです。

この巨大な油彩画（高さ約5.65m、幅約3.65m）は、もともとアントウェルペンのドミニコ会サン・ポール教会の主祭壇を飾るために描かれました。作品は劇的な構図で、怒りに満ちたキリストが天から世界に罰を下そうとしている様子を描いています。そのキリストの下には、聖母マリアがキリストの怒りを鎮めようと懇願し、さらにその下にはドミニコとフランチェスコという二人の聖人が、地上に広がる世界をキリストの怒りから守ろうと両手を広げています。

L’adoration des Mages (1617-1618)

「東方三博士の礼拝」（L’adoration des Mages）は、彼の初期の傑作の一つであり、その後の彼の作品群に共通するバロック様式のダイナミズムと色彩感覚がすでに確立されています。この作品は、ルーベンスがイタリアからフランドルに戻った直後、あるいはその影響を強く受けていた時期に制作されたと考えられています。

絵画は、イエス・キリストの誕生後、東方からやってきた賢者たちが幼子イエスを礼拝し、貴重な贈り物を捧げる聖書の物語を劇的かつ壮麗に表現しています。

Le Guerchin　（1591-1666）

グエルチーノは、本名をジョヴァンニ・フランチェスコ・バルビエーリ（Giovanni Francesco Barbieri）といい、チェントで生まれ、ボローニャで亡くなった、イタリアのバロック期を代表する画家です。その異名「グエルチーノ（Guercino）」は、イタリア語で「斜視の、やぶにらみの」を意味し、彼の特徴的な目の状態に由来します。

彼は、ボローニャ派の画家として、カラッチ一族の美術学校で学んだ古典主義的な素養と、カラヴァッジョから影響を受けた劇的な光と影のコントラスト（キアロスクーロ）を融合させた、独自の力強い様式を確立しました。

前期と後期で作風に違いがあり、後期はGuido Reniの影響を多く受けています。また、絵を描くペースが非常に早く、かなりの作品を残しています。

La Circoncision (1646)

「割礼」（La Circoncision）は、彼の晩年に近い時期の宗教画です。

この作品は、新約聖書のルカによる福音書に記されている、イエス・キリストが生後8日目に割礼を受け、その際に「イエス」と名付けられた場面を描いています。この儀式は、ユダヤ教の伝統において神との契約のしるしとされており、キリスト教においてはイエスが律法の下に生まれたことを示す重要な出来事と解釈されます。

グエルチーノの「割礼」は、彼のキャリア後期の様式をよく示しています。初期の劇的なキアロスクーロ（明暗法）から、より明るく、穏やかな色彩へと移行し、古典的な均衡と調和を重視する傾向が見られます。

Nicolas Poussin　（1594-1665）

ニコラ・プッサンは、ノルマンディー地方のレ・ザンドリーで生まれ、ローマで亡くなった、17世紀フランス絵画を代表する巨匠です。彼は、生涯のほとんどをローマで過ごし、古典主義絵画の確立者として絶大な影響力を持ちました。

プッサンは、ルーヴル美術館に学んでイタリア美術を研究した後、20代半ばでローマに移住しました。そこで彼は、古代ローマの彫刻、ラファエロやティツィアーノなどのルネサンスの巨匠たちの作品を深く学び、自身の芸術の基盤としました。

彼の作品の最大の特徴は、厳格な構図、明確な線描、抑制された色彩、そして理性と秩序に基づいた知的な表現にあります。感情を直接的に表すよりも、物語や寓意を通じて、普遍的な真理や道徳的なメッセージを伝えようとしました。彼は、古代の歴史、神話、聖書を主題とすることが多く、それらの物語を「読み解く」ように描きました。

La Mort de Chioné (1622)

「キオネの死」（La Mort de Chioné）は、彼の初期の作品であり、神話的な主題を扱った絵画です。

この絵画は、オウィディウスの『変身物語』に登場する悲劇的な物語を描いています。キオネは、非常に美しい女性で、ヘルメス（メルクリウス）とアポロンという二柱の神に愛されました。しかし、彼女はアポロンに反感を抱き、自分の方がアルテミス（ディアナ）よりも美しいと自慢したため、その傲慢さゆえにアルテミスの怒りを買い、弓矢で射殺されてしまいます。

La Fuite en Égypte (1657)

「エジプトへの逃避」は、彼の晩年の傑作の一つであり、新約聖書の物語を描いた作品です。

この絵画は、イエス・キリストの家族（聖家族）が、ヘロデ王による幼児虐殺の脅威から逃れるため、エジプトへと旅立つ場面を描いています。この主題は、キリスト教美術において古くから描かれてきましたが、プッサンは彼独自の古典主義的な様式でこの物語を表現しました。

Pierre de Cortone　（1596-1669）

ピエール・ダ・コルトーナは、本名をピエトロ・ベレッティーニ（Pietro Berrettini）といい、トスカーナ地方のコルトーナで生まれ、ローマで亡くなったイタリアの盛期バロックを代表する画家であり建築家です。

彼は、アンドレア・コンモディに師事した後、1612年頃にローマへ移り住みました。そこで、古代ローマの彫刻やラファエロらのルネサンス美術を深く研究し、自身の芸術の基礎を築きました。特に、強力な明暗法や色彩、劇的な構図を用いたダイナミックな表現で知られています。

ピエール・ダ・コルトーナの作品の最大の特徴は、壮大なスケール感、豊かな色彩、そして劇的な動きです。彼は、特に大規模なフレスコ画や天井画でその才能を遺憾なく発揮し、鑑賞者を包み込むような視覚的な体験を提供しました。彼のフレスコ画は、しばしば現実と幻想の境界を曖昧にし、天井が天空へと開けていくような錯覚を生み出します。

César remet Cléopâtre sur le trône d’Egypte (1637)

「カエサルがクレオパトラをエジプトの玉座に戻す」は、古代ローマとエジプトの歴史的出来事を描いた彼の重要な作品の一つです。この絵画は、共和政ローマの将軍ユリウス・カエサルが、エジプトの内乱に介入し、プトレマイオス13世との争いに勝利したクレオパトラ7世を再びエジプトの女王の座に戻すという、歴史的にドラマティックな瞬間を描いています。

Guido Cagnacci　（1601-1663）

グイド・カニャッチは、リミニ近郊のサントアルカンジェロ・ディ・ロマーニャで生まれ、ウィーンで亡くなったイタリアのバロック期の画家です。彼はボローニャ派の画家ですが、その画風は同時代の他のボローニャ派の画家たちとは一線を画し、特に官能的で劇的な表現、そして明暗の強いコントラストで知られています。

カニャッチは、グエルチーノやグイド・レーニといった巨匠たちのもとで学びましたが、彼らの古典的な理想化された美しさよりも、より写実的で感情的な、そして時には挑発的な主題を好みました。彼の作品には、肌の質感を強調した柔らかな肉体描写や、独特の陰影表現が多く見られます。

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Lucrèce (1657)

「ルクレティア」（Lucrèce）は、古代ローマの伝説的な女性ルクレティアを主題とした作品です。

ルクレティアの物語は、古代ローマの歴史家ティトゥス・リウィウスの『ローマ建国史』などに記されており、ローマ王タルクィニウス・スペルブスの息子セクストゥス・タルクィニウスに貞操を奪われたルクレティアが、その名誉を守るために自害するという悲劇的な内容です。彼女の死は、共和政ローマ成立のきっかけとなったとされています。

カニャッチの「ルクレティア」は、この物語のクライマックス、すなわちルクレティアが自らの命を絶とうとする、あるいは絶った直後の瞬間を描いています。

Antonio de Pereda　（1611-1678）

アントニオ・デ・ペレダ・イ・サルガドは、バリャドリッドで生まれ、マドリードで亡くなった、スペイン・バロック期の重要な画家です。彼は特に静物画（ヴァニタス）、宗教画、そして肖像画で知られています。

彼の作品の最大の特徴は、細部にわたる精密な描写、深い精神性、そしてしばしば象徴的な意味合いを持つ静物画にあります。

L’Immaculée Conception (1634)

「無原罪の御宿り」（L’Immaculée Conception）は、カトリック教会の重要な教義を表現した彼の宗教画です。

この作品は、聖母マリアが原罪に染まることなく、その存在の最初から完全に聖なる状態にあったという「無原罪の御宿り」の教義を視覚化したものです。この教義は、特にスペインにおいて深く信仰され、多くの画家によって描かれました。

Nicolas Chaperon　（1612-1656）

ニコラ・シャペロンは、シャトードンで生まれ、リヨンで亡くなったフランスの画家、版画家です。彼は、17世紀フランス絵画の巨匠ニコラ・プッサンに師事し、その古典主義的な様式を受け継いだ重要な画家の一人として知られています。

シャペロンは、パリで学んだ後、1630年代にローマへと渡り、師プッサンの影響を強く受けました。彼はプッサンの作品を模写し、その構図や人物表現、特に古代の主題へのアプローチを熱心に学びました。ローマでは、同時代の画家たちとも交流を深め、自身の技量を磨きました。

La Charité de Saint Anne 

「聖アンナの慈善」（La Charité de Sainte Anne）は、聖母マリアの母である聖アンナを主題とした宗教画です。

この絵画は、聖アンナが慈善行為を行っている場面、すなわち困窮している人々に施しを与えている様子を描いていると考えられます。聖アンナは、キリスト教において貞淑さや母性の象徴として崇敬されており、貧しい人々への施しは彼女の信仰心の深さと慈悲の心を表す行為です。

Thomas Blanchet　（1614-1689）

トーマ・ブランシェは、パリで生まれ、リヨンで亡くなったフランスの画家、彫刻家、建築家です。彼は多才な芸術家で、特にリヨンにおいて、17世紀後半の美術と建築に大きな影響を与えました。

ブランシェは、パリでジャック・サラザン（彫刻家）やシモン・ヴーエ（画家）といった当時の主要な芸術家のもとで学びました。その後、イタリアへ渡り、ローマで約10年間過ごしました。このイタリアでの経験は、彼にバロック美術の壮大さ、特にピエール・ダ・コルトーナのフレスコ画やベルニーニの彫刻から強い影響を与えました。

1655年にリヨンに戻ったブランシェは、この街の主要な芸術家としての地位を確立しました。

Le Sacrifice de la fille de Jephté (1670-1680)

「エフタの娘の犠牲」（Le Sacrifice de la fille de Jephté）は、旧約聖書に記された悲劇的な物語を描いた彼の重要な歴史画です。

物語は、イスラエルの士師エフタ（イェフタ）が、アンモン人との戦いで勝利を収めるため、もし勝利すれば最初に家の戸口から出てきた者を主に捧げると誓いを立てたことに始まります。彼が帰還すると、最初に出てきたのは彼の唯一の娘でした。娘は父の誓いを知り、自らの運命を受け入れ、エフタは苦悩の末に誓いを果たします。

Giovan Battista Langetti　（1625-1676）

ジョヴァン・バッティスタ・ランゲッティは、ジェノヴァで生まれ、ヴェネツィアで亡くなった、イタリアのバロック期の画家です。彼は特にテネブリスム（強烈な明暗法）を用いた劇的な表現で知られ、17世紀ヴェネツィア絵画に大きな影響を与えました。

ランゲッティは、当初ジェノヴァで学び、その後ローマへ移り住み、ピエトロ・ダ・コルトーナやマッティア・プレーティといった画家たちのもとで修行しました。特にプレーティからは、カラヴァッジョ派の劇的な明暗法や、力強い人物描写、そして哲学的な主題へのアプローチを深く学びました。

le bon samaritan (1660)

「良きサマリア人」（Le Bon Samaritain）は、新約聖書のルカによる福音書に記されたイエス・キリストのたとえ話を主題とした絵画です。

このたとえ話は、イエスが「隣人とは誰か」と問われた際に語ったもので、強盗に襲われ瀕死の状態にある旅人を、ユダヤ人である祭司やレビ人が見て見ぬふりをする中、異邦人であるサマリア人が憐れみを示し、手厚く介抱するという物語です。この物語は、真の隣人愛と慈悲の心を象徴しています。

ランゲッティの「良きサマリア人」は、彼の画風の最大の特徴である強烈なテネブリスム（明暗法）と、劇的な感情表現が遺憾なく発揮されています。

後期バロック～ロココ前夜（Late Baroque / Classicism）

Louis Cretey (1635-1702)

ルイ・クレテは、17世紀のフランスで活動した画家です。彼の生涯については多くの謎に包まれていますが、リヨンを拠点に活動し、バロック様式と、その後のロココ様式を橋渡しする重要な存在として知られています。

彼の作品は、光と影の劇的なコントラスト、そして人物の感情豊かな表現によって特徴づけられます。クレテは、特に宗教画を得意とし、その作品には、深い精神性と神秘的な雰囲気が漂っています。

Réfectoire Baroque バロック食堂

リヨン美術館のエントランスの右側に、バロック食堂があります。

残念ながらこの時は、修復作業が完了していなかったので、中には入れなかったのですが、本来はとても見ごたえのある場所です。

La Cène　(1680-1690)

「最後の晩餐」（La Cène）は、彼のバロック様式とキアロスクーロ（明暗法）の技法がよく表れています。

クレテは、強い光と深い影を対比させることで、画面に劇的な緊張感を生み出しています。テーブルの周りに集う使徒たちの表情は、キリストの言葉に動揺し、感情に満ちています。特に、裏切り者ユダの姿は、影の中に隠れるように描かれ、その心理的な葛藤を暗示しています。

画面の中心にいるキリストから放たれる光は、この場面の神聖さを強調するとともに、真理や信仰の光を象徴しています。彼は、この光によって、使徒たちの感情や内面を浮かび上がらせ、物語に深みを与えています。

見ごたえのある「最後の晩餐」ですので、ぜひ立ち寄ってみてください。

Jean Jouvenet　（1644-1717）

ジャン・ジュヴネは、ルーアンで生まれ、パリで亡くなった、フランスのバロック期後期の重要な画家です。彼は主に宗教画と歴史画で知られ、ルイ14世時代のフランス美術において高く評価されました。

ジュヴネは、画家の家系に生まれ、パリでシャルル・ル・ブランの工房で学びました。ル・ブランは、当時の王立絵画彫刻アカデミーの長であり、その古典主義的で壮大な様式はジュヴネに大きな影響を与えました。彼は1675年にアカデミーの会員となり、後に教授、そして学長代理にまで上り詰めました。

Le Repas chez Simon (1706)

「シモンの家での饗宴」（Le Repas chez Simon）は、新約聖書のルカによる福音書に記された、イエス・キリストと罪深い女（しばしばマグダラのマリアとされる）の有名なエピソードを描いた作品です。

物語は、ファリサイ派のシモンがイエスを食事に招いた際、その街の罪深い女がイエスのもとに現れ、イエスの足に香油を塗り、自分の髪で拭い、涙で濡らすという場面です。シモンは内心で女を軽蔑しますが、イエスは女の信仰と愛を称賛し、彼女の罪を赦します。

ジュヴネの「シモンの家での饗宴」は、この劇的かつ感情豊かな瞬間を見事に捉えています。

Les marchands chassés du Temple (1706)

「神殿から商人を追い出すキリスト」（Les marchands chassés du Temple）は、新約聖書の福音書に記された、イエス・キリストの重要な行動を描いた作品です。

この物語は、イエスがエルサレムの神殿に入り、そこで商人や両替商が神聖な場所を商業活動の場として利用しているのを見て激怒し、彼らを神殿から追い出したという出来事を描いています。これは、イエスの怒りと、神殿の純粋さを守ろうとする彼の決意を示す場面です。

Jean II Restout　（1692-1768）

ジャン・レストゥー2世は、ルーアンで生まれ、パリで亡くなった、フランスのロココ期から新古典主義の移行期に活躍した画家です。彼は特に宗教画と歴史画で知られ、18世紀前半のフランス絵画において重要な位置を占めました。

彼は画家の家系に生まれ、叔父であるジャン・ジュヴネに師事しました。ジュヴネの工房で学び、その影響を強く受けながら、独自の画風を確立していきます。1717年にはローマ賞を受賞し、イタリアで学ぶ機会を得ましたが、健康上の理由から辞退しました。

1720年に王立絵画彫刻アカデミーの会員となり、後に教授、学長を務めました。

L’exaltation de la croix (1748)

「十字架の賛美」（L’Exaltation de la Croix）は、キリスト教の「十字架挙栄祭（十字架の発見と称賛を祝う祭日）」の主題、すなわちイエス・キリストの受難の象徴である十字架を崇め、その栄光を称える場面を描いています。しばしば、聖ヘレナ（コンスタンティヌス帝の母）が真の十字架を発見する伝説と関連づけて描かれることもあります。

Giovanni Niccolò Servandoni　（1695-1766）

ジョヴァンニ・ニッコロ・セルヴァンドーニは、フィレンツェで生まれ、パリで亡くなった、イタリア系のフランス人建築家、舞台デザイナー、画家です。彼は特に、18世紀のフランスにおける演劇的で壮大な祝祭装飾や建築デザインで知られています。

1724年にパリのオペラ座（Académie Royale de Musique）の舞台装置主任に任命され、彼は革新的な舞台デザインを数多く生み出し、オペラやバレエのスペクタクル性を飛躍的に高めました。彼の舞台装置は、壮大な建築的要素と、光と影の劇的な効果を巧みに組み合わせたものでした。

Ruines romaines 

「ローマの廃墟」（Ruines romaines）は、彼が建築家や舞台デザイナーとして培った知識と、古典古代への深い関心を反映した作品です。

セルヴァンドーニは、特にカプリッチョ（幻想的な風景画）のジャンルで知られ、古代ローマの遺跡を想像上の風景の中に再構築する絵画を得意としました。彼の「ローマの廃墟」は、単なる写実的な遺跡の描写にとどまらず、壮大な建築的要素と、光と影の劇的な効果を組み合わせることで、見る者に強い印象を与えることを意図しています。

まとめ

バロックからロココ前夜にかけての芸術の旅はいかがでしたでしょうか？

ヤン・ブリューゲル（父）の細密な自然描写と寓意性、セバスチャン・フランクスの壮大な歴史画。そして、イタリア・バロックを代表するグイド・レーニ、グエルチーノ、ジョヴァンニ・ランフランコ、ピエール・ダ・コルトーナらの感情豊かでドラマティックな表現。加えて、フランス古典主義の巨匠ニコラ・プッサンの理性的で構築的な美、スペイン・バロックのアントニオ・デ・ペレダの精神性、そしてトーマ・ブランシェ、ジャン・ジュヴネ、ジャン・レストゥー2世といったフランスの画家たちが築いた様式。さらに、ジョヴァンニ・ニッコロ・セルヴァンドーニの幻想的なローマ風景画まで、多岐にわたるバロック芸術の魅力に触れることができました。

これらの作品は、単なる絵画や彫刻という枠を超え、当時の宗教的、政治的、社会的な背景を色濃く反映しています。感情の起伏、光と影の演出、そして壮大なスケール感は、当時の人々が感じたであろう驚きや畏敬の念を、現代の私たちにも伝えてくれます。

リヨン美術館は、これらの素晴らしいコレクションを通して、バロックという時代の多様性と深さを余すことなく教えてくれます。それぞれの作品が持つ独自の輝きを、ぜひ現地で、五感を通して体験してみてください。写真だけでは伝えきれない、本物の芸術作品が放つ迫力と美しさに、きっと心が揺さぶられるはずです。

この記事が、あなたの次のリヨン訪問、そしてバロック美術への理解を深める一助となれば幸いです。

リヨン美術館に展示されている他の作品については以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• リヨン美術館 コレクション 彫刻と古代の旅：時代を超えた美の競演
• リヨン美術館 コレクション ルネサンスの光と影：巨匠たちが紡ぐ美の世界
• リヨン美術館 コレクション バロックの情熱：光と色彩が織りなす壮麗な時代
• 新古典主義とロマン主義の狭間で―リヨン美術館が誇る19世紀フランス・ベルギー絵画
• フランス風景画の父から魂の詩人まで｜リヨン美術館で巡る19世紀フランス絵画
• 光と色彩の魔術師たち｜リヨン美術館コレクションで巡る、印象派の世界
• 時代を超える美の探求｜リヨン美術館で出会う、ポスト印象派から抽象芸術までの道

美術館に足を踏み入れたとき、目の前の絵画が描かれた時代や背景を知ると、作品はもっと面白くなります。19世紀のヨーロッパでは、理性を重んじる「新古典主義」と、感情を大切にする「ロマン主義」という、まったく異なる考え方がぶつかり合い、芸術の世界に大きな変化をもたらしました。

リヨン美術館には、その激動の時代を生きた画家たちの、息をのむような傑作が数多く収蔵されています。この記事では、花々の美しさを極限まで追求した静物画から、歴史のドラマを壮大なスケールで描いた大作まで、個性豊かな画家たちの作品を巡る旅にご案内します。絵に込められた彼らの情熱や、時代のエネルギーをぜひ感じてみてください。

Jan Frans van Dael　（1764-1840）

ヤン・フランス・ファン・ダールは、アントウェルペンで生まれ、パリで亡くなった、ベルギー出身の静物画家です。彼は特に花卉画（静物画の一種で、花を描いたもの）の分野で卓越した技量を発揮し、18世紀末から19世紀初頭にかけてのパリで高い評価を得ました。

Fleurs dans une corbeille (1806)

「籠の中の花」（Fleurs dans une corbeille）は、彼の得意とする花卉画（かきが）の代表的な作品の一つです。

この作品は、様々な種類の花が丁寧に編まれた籠の中に活けられている様子を描いています。ファン・ダールは、その驚くべき写実性と細密な描写で、それぞれの花の美しさを際立たせています。

Vase de fleurs avec une tubéreuse cassée (1807)

「折れたテュベローズのある花瓶」（Vase de fleurs avec une tubéreuse cassée）は、彼の繊細な花卉画の中でも特に象徴的な意味合いを持つ作品です。タイトルが示す通り、一本のテュベローズ（月下香）が折れて花瓶の外に垂れ下がっているのが特徴です。

Élise Bruyère　（1776-1847）

エリーズ・ブリュイエールは、フランスの女性画家です。彼女は特に肖像画と花の静物画を中心に描いていました。

Fleur dans un vase et blanche de prunier sur une table de marbe (1817)

「花瓶の花と大理石のテーブルの上の白いスモモ」は、彼女が手掛けた静物画の中でも特に優れた作品の一つです。華やかな花々が生けられたガラスの花瓶と、その傍らの大理石のテーブルに置かれた白いスモモの枝という、比較的シンプルな構成ながらも、画家エリーズ・ブリュイエールの卓越した描写力が際立っています。

Fleury François Richard　（1777-1852）

フルーリー・フランソワ・リシャールは、フランス・リヨンの画家です。彼は、19世紀初頭のフランス絵画において、トルバドゥール様式と呼ばれる歴史画の一派を代表する画家の一人として知られています。

リシャールは、アントワーヌ＝ジャン・グロの工房で学んだ後、ジャック＝ルイ・ダヴィッドの弟子となりました。しかし、ダヴィッドの壮大で英雄的な新古典主義の歴史画とは異なり、リシャールはより個人的で、詩的、そして感情に訴えかけるような歴史の場面を描くことに傾倒しました。

Jeune fille à la fontaine (1825)

「泉の少女」（Jeune fille à la fontaine）は、彼が得意としたトルバドゥール様式の影響が見られる、詩的で感傷的な作品です。

この作品は、歴史上の具体的な出来事というよりは、中世やロココ時代の牧歌的な情景を思わせるような、静かで叙情的な場面を描いています。泉の傍らに佇む若い女性の姿を通じて、純粋さや郷愁、あるいは仄かなロマンティックな雰囲気を表現しています。

François Joseph Heim　（1787-1865）

フランソワ＝ジョゼフ・エイムは、ベルフォールで生まれ、パリで亡くなったフランスの画家です。彼は19世紀前半のフランス美術を代表する歴史画家であり、新古典主義の伝統を受け継ぎながらも、ロマン主義の興隆期を生きました。

エイムは、当時のフランス美術界の巨匠フランソソワ＝アンドレ・ヴァンサンとフランソワ＝グザヴィエ・ファーブルに師事しました。彼は優れたデッサン力と構成力を持ち、1807年にはローマ賞を受賞し、イタリアで学ぶ機会を得ました。ローマ滞在中に、彼はミケランジェロ、ラファエロなどの古典美術を深く研究し、その後の画業に大きな影響を受けました。

La défaite des Cimbres et des Teutons par Marius (1853)

「マリウスによるキンブリ族とテウトネス族の敗北」（La défaite des Cimbres et des Teutons par Marius）は、古代ローマ史の重要な出来事を描いた、彼の壮大な歴史画です。

この作品が描いているのは、紀元前2世紀末にローマを脅かしたゲルマン民族のキンブリ族とテウトネス族（チュートン族）が、ローマの将軍ガイウス・マリウスによって壊滅的な敗北を喫した歴史的な戦いです。特に紀元前102年のアクアエ・セクスティアエの戦い（テウトネス族に対して）と、紀元前101年のウェルケラエの戦い（キンブリ族に対して）は、ローマの危機を救った重要な勝利として知られています。

Nicolas Toussaint Charlet　（1792-1845）

ニコラ・トゥサン・シャルレは、フランスの画家、版画家です。彼は特に軍事画、特にナポレオン時代の兵士たちの日常生活や戦闘場面を描いた作品で知られています。

シャルレは、初期にはジャック＝ルイ・ダヴィッドの工房で学びましたが、彼の画風はダヴィッドの新古典主義の厳格さとは異なり、より写実的で感情的な、そして時にはユーモラスなタッチが特徴です。彼はフランス軍、特にナポレオンの兵士たちへの強い愛着と敬意を抱いており、彼らの姿を英雄的であると同時に人間味豊かに描きました。

Épisode de la campagne de Russie (1836)

「ロシア戦役の一場面」（Épisode de la campagne de Russie）は、ナポレオンが指揮した1812年のロシア遠征における悲惨な状況を描いた作品です。

この作品は、ナポレオン戦争の中でも特に苛酷で、フランス軍に壊滅的な打撃を与えたロシアからの撤退の様子を描いています。飢え、寒さ、そしてロシア軍の追撃に苦しみながら、何十万人もの兵士が命を落としたこの撤退は、ナポレオンの神話に大きな傷跡を残しました。

Victor Orsel　（1795-1850）

ヴィクトール・オルセルは、フランスの画家です。彼は19世紀前半のフランス美術において、厳格な宗教画と、ナザレ派の影響を受けた初期ルネサンス絵画への回帰を追求したことで知られています。

オルセルは、リヨンでピエール・レヴォワルに師事した後、パリのピエール＝ナルシス・ゲランの工房で学びました。ゲランは新古典主義の画家ですが、オルセルはより精神的で、簡素な表現へと傾倒していきます。1822年にはローマ賞を受賞し、イタリアで8年間を過ごしました。このローマ滞在中に、彼は特に初期ルネサンスの画家たち（フラ・アンジェリコ、ペルジーノなど）や、ラファエロの初期の作品に深く感銘を受け、彼らの純粋で敬虔な精神性を自身の芸術に取り入れようとしました。

 Moïse enfant présenté à Pharaon (1830)

「幼いモーセのファラオへの提示」（Moïse enfant présenté à Pharaon）は、旧約聖書に記されたモーセの幼少期の物語を描いた作品です。

この作品が描いているのは、ヘブライ人の幼児をすべて殺害せよとのファラオの命令から逃れるため、ナイル川に流されたモーセが、ファラオの娘によって発見され、その養子としてファラオの宮廷に迎え入れられるという重要な場面です。

Le Bien et le Mal (1832)

「善と悪」（Le Bien et le Mal）は、彼の画業を象徴する重要な作品であり、道徳的・宗教的な寓意を深く掘り下げた絵画です。

この絵画は、明確な物語というよりも、普遍的な概念である「善」と「悪」の対立、そしてそれらが人間にもたらす影響を視覚的に表現しています。オルセルが、イタリア滞在中に感銘を受けた初期ルネサンスの画家たち、特にフラ・アンジェリコのような画家の精神性を、19世紀の感覚で再解釈しようとした試みが見られます。

Jean-Claude Bonnefond　（1796-1860）

ジャン＝クロード・ボンヌフォンは、フランスの画家です。

ボンヌフォンは、リヨンでピエール・レヴォワルに学び、その後パリで著名な新古典主義の画家ピエール＝ナルシス・ゲランの工房で研鑽を積みました。1818年にはローマ賞を受賞し、イタリアで約10年間を過ごしました。このローマ滞在は彼の芸術に決定的な影響を与え、彼はラファエロやその弟子たちの作品を深く研究し、古典主義的な厳格さと精神性を自身の画風に取り入れました。

Cérémonie de l’eau sainte dans l’église Saint Athanase des Grecs catholiques à Rome (1830)

「ローマのカトリック・ギリシャ教会聖アタナシオスにおける聖水の儀式」は、イタリア滞在中の経験を反映した貴重な風俗画、あるいは宗教風俗画です。

この作品は、ローマに存在するギリシャ・カトリック教会、つまり東方典礼を受け入れつつローマ教皇庁と一致している教会で執り行われる聖水の儀式の様子を描いています。これは、カトリック世界の多様性を示すと同時に、異文化へのボンヌフォンの関心を示しています。

Paul Chenavard　（1807-1895）

ポール・シュナヴァールは、フランスの画家です。彼は19世紀中頃のフランス美術において、歴史画の伝統を追求しながらも、哲学的な寓意や普遍的な思想を表現しようとしたことで知られています。

シュナヴァールは、パリで古典主義の巨匠ジャン＝オーギュスト＝ドミニク・アングルとポール・ドラローシュに学びました。彼は若い頃から才能を発揮し、特に歴史や哲学、宗教に深い関心を持っていました。彼の作品は、単なる物語の描写にとどまらず、人類の歴史や運命、善悪の概念といった壮大なテーマを象徴的に表現しようとしました。

1848年、パリ・パンテオンの内装装飾を行いました。

La Palingénésie sociale ou La Philosophie de l’histoire　（1850）

「社会の新生、あるいは歴史の哲学」（La Palingénésie sociale ou La Philosophie de l’histoire）は、彼の画業の中でも最も野心的で、かつ未完に終わった記念碑的な作品群の総称です。

この作品群は、もともとパリのパンテオンの壁画として依頼されたもので、人類の歴史全体を哲学的・象徴的に描くことを意図していました。「パリンジェネジー（Palingénésie）」とは「再生」や「新生」を意味し、これは人類社会の絶え間ない進化と精神的向上を象徴しています。

César (1850)

「カエサル」（César）は、古代ローマの偉大な指導者ガイウス・ユリウス・カエサルを主題とした絵画です。

この絵画も、パリのパンテオンのために構想された「社会の新生、あるいは歴史の哲学」というテーマに関連して制作されたものと考えられます。カエサルは、単なる歴史上の人物としてだけでなく、人類の歴史における転換期を象徴する、偉大な指導者、あるいは運命の担い手としての意味合いを持って描かれています。

まとめ

これらの作品は、単なる美しい絵画ではありません。それらは、理性の追求から感情の解放へと向かう時代の大きな潮流の中で、画家たちがそれぞれの表現方法を模索した軌跡そのものです。

新古典主義の正確な描写力、ロマン主義の物語性と感情表現、そして初期ルネサンスへの回帰。

リヨン美術館は、19世紀ヨーロッパ美術の豊かな多様性を一堂に味わえる、まさに美術史の宝庫と言えるでしょう。これらの作品を鑑賞することで、私たちは画家たちの技巧だけでなく、彼らが作品に込めた哲学や時代精神を感じ取ることができると思います。

今回も最後までお読みいただきありがとうございました。

リヨン美術館に展示されている他の作品については以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• リヨン美術館 コレクション 彫刻と古代の旅：時代を超えた美の競演
• リヨン美術館 コレクション ルネサンスの光と影：巨匠たちが紡ぐ美の世界
• リヨン美術館 コレクション バロックの情熱：光と色彩が織りなす壮麗な時代
• 新古典主義とロマン主義の狭間で―リヨン美術館が誇る19世紀フランス・ベルギー絵画
• フランス風景画の父から魂の詩人まで｜リヨン美術館で巡る19世紀フランス絵画
• 光と色彩の魔術師たち｜リヨン美術館コレクションで巡る、印象派の世界
• 時代を超える美の探求｜リヨン美術館で出会う、ポスト印象派から抽象芸術までの道

19世紀のフランス絵画は、自然の美しさをありのままに描く「写実主義」や「バルビゾン派」の誕生、そしてその後の「印象派」へと続く、大きな転換期を迎えました。

リヨン美術館には、この時代のフランス美術を語る上で欠かせない巨匠たちの傑作が数多く収蔵されています。この記事では、風景画に革命をもたらしたコローから、独自の芸術世界を追求した画家たちまで、個性豊かな作品を写真と共に巡る旅にご案内します。絵画に込められた彼らの情熱や、移り変わる時代のエネルギーを、ぜひ一緒に感じてみませんか。

Jean-Baptiste Camille Corot　（1796-1875）

ジャン＝バティスト・カミーユ・コローは、19世紀のフランス絵画において、バルビゾン派を代表する風景画家として、また印象派の先駆者の一人として、美術史に大きな足跡を残しました。

L’Atelier (1870)

「アトリエ」（L’Atelier）は、彼が晩年に手がけた人物画の傑作の一つであり、風景画家としてのコローのイメージとは異なる一面を見せる作品です。

La rue des Saules à Montmartre (1850-60)

「モンマルトルのソーズ通り」（La rue des Saules à Montmartre）は、彼が都市の風景、特にパリの郊外の日常的な一角を描いた珍しい作品です。

この作品が描かれた1850年代から60年代にかけて、パリはオスマン男爵による大改造の最中にあり、多くの古い街並みが失われつつありました。コローが描いたモンマルトルもまた、当時はまだ村の面影を残す田園地帯と、開発の進む都市の境界に位置していました。

Champ de blé dans le Morvan (1842)

「モルヴァン地方の麦畑」（Champ de blé dans le Morvan）は、彼が得意とした自然風景画の重要な作品です。

モルヴァン地方は、フランス中央部のブルゴーニュ＝フランシュ＝コンテ地域圏に位置する、なだらかな丘陵と森林が広がる田園地帯です。コローは、この地を訪れ、その自然の美しさに触発されてこの作品を描きました。

Simon Saint-Jean　（1808-1860）

シモン・サン＝ジャンは、1808年にリヨンで生まれ、1860年に同地で亡くなったフランスの画家です。彼は19世紀中頃のフランス美術において、特に花卉画（花の絵）の分野で卓越した才能を発揮し、「リヨンの花卉画派」の中心人物として知られています。

数々の賞を受賞していますが、ボードレールなどからは批判されていました。

La Jardiniere (1837)

「植木鉢」（La Jardinière）は、彼が得意とした花卉画の傑作の一つです。

Adolphe Appian　（1818-1898）

アドルフ・アピアンは、主に風景画、特に湿地帯や河川の風景、そして木々の多い自然の情景を得意としました。

アピアンは、リヨンの美術学校でジャン＝ミッシェル・ジロダンに師事し、初期には新古典主義の厳格なデッサンを学びました。しかし、彼はすぐに戸外制作の魅力に取りつかれ、自然の中で直接風景を描くことに情熱を傾けました。彼は、バルビゾン派の画家たち、特にジャン＝バティスト・カミーユ・コローやシャルル＝フランソワ・ドービニーの影響を強く受け、彼らと交流を持つようになりました。

Temps gris, marais de la Burbanche (1868)

「曇り空、ブルバンシュの湿地」（Temps gris, marais de la Burbanche）は、彼が得意とした湿地の風景を描いた、彼の代表的な作品の一つです。ブルバンシュ（Burbanche）は、フランス東部、アン県に位置する湿地帯で、アピアンはしばしばこの地域の自然を主題としました。

Jacques-Joseph Baile　（1819-1856）

ジャック＝ジョゼフ・バイユは、故郷リヨンで絵画の基礎を学び、その後パリへ出て、当時の著名な画家たちの工房で研鑽を積みました。彼は新古典主義の厳格なデッサンと、アカデミックな絵画の伝統を受け継ぎました。1846年にはローマ賞を受賞し、イタリアへ留学する機会を得ます。このローマでの滞在は、彼の芸術に大きな影響を与え、古典美術やイタリアの巨匠たちの作品を直接学ぶことで、自身の画風を深めました。

Fleurs au pied d’un rocher (1851)

「岩の麓の花々」は、ジャック＝ジョゼフ・バイユの多岐にわたる才能と、自然の細部に対する深い観察眼を示す貴重な作品です。

Joseph Alfred Bellet du Poisat　（1823-1883）

ジョゼフ・アルフレッド・ベルレ・デュ・ポワザは、リヨンで絵画を学び、初期にはより伝統的なアカデミックな様式で制作していました。しかし、彼はすぐに戸外制作（プレイン・エア）に魅了され、自然の中での直接的な観察を重視するようになります。彼の画風は、ジャン＝バティスト・カミーユ・コローやバルビゾン派の画家たちから強い影響を受けており、彼らと同様に、光と大気の変化を捉えることに情熱を注ぎました。

Les Hébreux conduits en captivité (1864)

「捕囚に連行されるヘブライ人」（Les Hébreux conduits en captivité）は、彼の作品としては珍しい、旧約聖書に題材をとった歴史画・宗教画です。

この作品は、旧約聖書の「バビロン捕囚」を主題としています。これは、紀元前6世紀初頭に新バビロニア王国によってユダ王国が滅ぼされ、多くのユダヤ人（ヘブライ人）がバビロンに強制移住させられた歴史的出来事です。この出来事は、ユダヤ人の歴史において大きな悲劇であり、ディアスポラの始まりを象徴しています。

Louis Janmot （1814-1892）

ルイ・ジャンモは、リヨンで生まれ、パリで亡くなったフランスの画家、詩人です。彼は19世紀のフランス美術において、アカデミズムとロマン主義、そして象徴主義を結びつける重要な役割を果たしました。特に、生涯をかけて取り組んだ大作「魂の詩」（Le Poème de l’âme）で知られています。

ジャンモは、リヨンの美術学校で学び、その後パリへ出て、新古典主義の画家ドミニク・アングルに師事しました。しかし、彼はアングルの厳格なスタイルに満足せず、ドイツ・ロマン主義や、キリスト教神秘主義から強い影響を受け、独自の芸術世界を築き始めます。

彼の画業における最大の功績は、絵画と詩を組み合わせた、壮大な連作「魂の詩」を制作したことです。この連作は、人間の魂が地上に誕生してから、善と悪の間で葛藤し、最終的に神のもとへと昇華していく物語を、34点の油彩画と、それに付随する18点のデッサン、そして詩によって描いたものです。この作品は、彼が晩年まで加筆を続けた、まさに彼の人生そのものでした。

今回ご紹介する「Le Poème de l’âme」（魂の詩）は、1855年の万国博覧会に出品された作品です。残念ながら当時の評判はあまり良くなかったようです。今回は油彩画のみのご紹介になります。制作は1835-55年です。

1 Génération divine　(神の創造）

「神の創造」は、その物語の始まり、すなわち魂が神によって創造される場面を描いています。

2 Le Passage des âmes （魂の道）

「魂の道」は、人間の魂が地上に生まれ、善と悪の間で葛藤し、最終的に神のもとへと昇華する物語を描いたものです。この「魂の道」は、前作の「神の創造」に続き、神によって創造された魂たちが、地上へと旅立つ場面を描いています。

3 L’Ange et la mère（天使と母）

「天使と母」は、前作の「魂の道」に続き、魂が地上に降り立ち、母のもとで人間として生を始める場面を描いています。守護天使が天に向かって祈っています。

4 Le Printemps（春）

「春」は、物語の主人公である少年と少女が、無垢な愛と自然の美しさの中で成長する時期を描いています。男の子はピンクの服を着て、女の子は白い服を着ています。子供時代の無邪気さが描かれています。

5 Souvenir du ciel（天の記憶）

「天の記憶」は、物語の主人公である少年が、純粋な魂の記憶をたどる姿を描いています。2人の子供を通じて、神と人間のつながりを表現しています。リヨンのMulatièreが背景に描かれています。

6 Le Toit paternel（父の家）

「父の家」は、物語の主人公である少年と少女が、初めて孤独と、社会という外部の世界に直面する場面を描いています。2人の子供は、窓際で稲妻を見ています。祖母は詩を読み、2人の女性は裁縫をしています。奥には、老婆と30歳位のジャンモが座っています。

7 Le Mauvais Sentier（悪い道）

「悪い道」は、物語の主人公である少年が、誘惑に負け、初めて「悪」に直面する場面を描いています。

大学の通路に、教師が並んでいるが、偽りの科学により、欺かれた理想と信仰をもって出口のない階段を上って行かなくてはならい様子が描かれています。カトリック教徒であるジャンモから見た当時の社会に対する考えが表現されているのかも知れません。歴史的背景もあり、解釈が難しい1枚です。

8 Cauchemar（悪夢）

老婆（死）が、少女を捕まえ、少年をも捕まえようとしています。逃げる少年の足元が崩れています。罪のない若い魂を、人間が腐敗させようとしている様子が描かれています。

9 Le Grain de blé（小麦の粒）

司祭が2人の若者に信仰を説いている場面です。

司祭は、手に一粒の小麦を持ち、彼らに命と信仰の尊さを説いています。この一粒の小麦は、キリスト教の教え、特に「一粒の麦は、地に落ちて死ななければ、一粒のままである」という聖書の言葉を象徴しています。これは、自己を犠牲にして他者に尽くすこと、そして信仰によって新しい命が生まれることを示唆しています。

10 Première Communion（初聖体拝領）

「初聖体拝領」（Première Communion）は、少年の魂が、信仰という新しい道へと進む重要な儀式を描いています。聖体拝領は、聖餐とも言われ、イエスの最後の晩餐に由来する儀式です。サンジャン大教会で行われています。

11 Virginitas（純潔）

「純潔」（Virginitas）は、魂が再び純粋さを取り戻し、神との関係を深める様子を描いています。幸せは純粋な心であり、目に見えないものが彼らに明かされます。

12 L’Échelle d’or（黄金の階段）

「黄金の階段」（L’Échelle d’or）は、魂が地上の苦悩を乗り越え、天上の世界へと近づく様子を描いています。夫婦が森で寝ていると、9人の天使が神に通じる階段に現れます。それぞれが、芸術に関連するシンボルを持っているので、美と芸術に敬意を表しています。

13 Rayons de soleil（太陽の光）

「太陽の光」（Rayons de soleil）は、魂が神の恩寵と生命の喜びを感じる様子を、象徴的に表現しています。その一方で、地上の幸福の脆さを表現しています。黒髪の女性は誘惑の象徴として描かれています。

14 Sur la Montagne（山頂）

「山頂」（Sur la Montagne）は、魂が地上の欲望や誘惑を乗り越え、精神的な高みに達した様子を描いています。純潔に生きる愛のすべての段階を経た二人は、精神的な旅の段階を表しています。

15 Un Soir（ある夜）

山頂にたどり着いた少年と少女が、夕暮れの光の中でたたずんでいます。彼らの視線は遠くをさまよい、喜びと達成感、そして同時に旅の終わりを予感させるような、感傷的な雰囲気が漂っています。安らぎは一時的なものであり、夕暮れの光は、物語の次の展開、すなわち別れと死の到来を暗示しています。

16 Le Vol de l’âme（魂の飛行）

主人公の魂の伴侶であった少女が亡くなった後、彼女の魂が天に向かって飛び立つ幻想的な場面が描かれています。これは、肉体の死と魂の永遠性を対比させる、物語の非常に重要な場面です。

人生における喪失と、死を乗り越える信仰の力を象徴的に表現しています。少女の死は、少年が地上で直面する最大の悲劇ですが、彼女の魂が天へ昇る姿は、真の愛と信仰は死をも超越するという、希望のメッセージを伝えています。

17 L’Idéal（理想）

彼らは、もはや地上の悲しみや誘惑にとらわれることなく、純粋な愛と信仰によって結ばれ、より高い次元の世界へと昇華しようとしています。

肉体的な死を超越した精神的な愛と、信仰の力によって魂が救済されるという、連作全体のクライマックスを象徴的に表現しています。少年と少女の姿は、魂が、完全な調和と至福の状態に達したことを示しています。

18 Réalité（現実）

天上の理想を見上げていた主人公が、再び地上に引き戻され、孤独で過酷な現実と向き合う姿が描かれています。荒涼とした風景の中、うつむき歩く主人公の姿は、理想と現実の落差、そして魂の試練を象徴しています。

彼が最初の聖体拝領の時の十字架に跪いているので、彼女を失ったことを表しています。

Jean Seignemartin　（1848-1875）

ジャン・セニュマルタンは、リヨンで生まれ、同地で亡くなったフランスの画家です。彼はわずか27歳でその短い生涯を終えましたが、リヨンの美術界、特にリヨン派の次世代を担う存在として将来を嘱望されていました。

Nature Morte (1874)

「静物」（Nature Morte）は、彼が得意とした静物画の傑作であり、彼の才能を象徴する作品です。

この作品は、彼がスペインの巨匠たち、特にフランシスコ・ゴヤから受けた影響を明確に示しています。

Jean-François Raffaëlli　（1850-1924）

ジャン＝フランソワ・ラファエリは、印象派と象徴主義の狭間で、特にパリの庶民の生活や都市風景を主題とした独自のスタイルを確立しました。

若い頃から演劇や音楽にも関心を持ち、芸術的な才能を多方面で発揮しました。彼は、印象派の画家たち、特にエドガー・ドガと親交を深め、1880年の第5回印象派展に参加しました。しかし、彼の作品は、光の描写に重点を置く他の印象派の画家たちとは異なり、社会の周縁に生きる人々や、都市の現実的な風景に焦点を当てていました。

Chez le fondeur (1886)

「鋳物工場にて」（Chez le fondeur）は、彼が特に好んで描いた労働者階級の生活を主題とした作品です。

ラファエリは、当時の印象派の画家たちが避けていたような、パリ郊外の工業地帯や、そこで働く人々を好んで描きました。この作品もまた、彼の社会的な視点と、独自の写実主義が融合した傑作です。

まとめ

いかがでしたか？これらの作品は、単に美しい絵画というだけでなく、画家たちが時代の大きな流れの中で、自らの表現方法を模索した証です。

光の移ろいを捉えた風景画、花一輪の生命力を写し取った静物画、そして魂の旅路をたどる物語画。リヨン美術館は、19世紀フランス美術の豊かな多様性を一堂に味わえる、まさに美術史の宝庫と言えるでしょう。

今回も最後までお読みいただきありがとうございました。

リヨン美術館に展示されている他の作品については以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• リヨン美術館 コレクション 彫刻と古代の旅：時代を超えた美の競演
• リヨン美術館 コレクション ルネサンスの光と影：巨匠たちが紡ぐ美の世界
• リヨン美術館 コレクション バロックの情熱：光と色彩が織りなす壮麗な時代
• 新古典主義とロマン主義の狭間で―リヨン美術館が誇る19世紀フランス・ベルギー絵画
• フランス風景画の父から魂の詩人まで｜リヨン美術館で巡る19世紀フランス絵画
• 光と色彩の魔術師たち｜リヨン美術館コレクションで巡る、印象派の世界
• 時代を超える美の探求｜リヨン美術館で出会う、ポスト印象派から抽象芸術までの道

今回ご紹介するのは、リヨン旧市街にあるお勧めのパン屋さん、Boulangerie Du Palais。

リヨン旧市街は、大聖堂、大教会など見どころが沢山あるので、散策しているとちょうどお腹が空いてきます。

そんな時、レストランに入るのも良いですが、観光の時間は限られているので、簡単に済ませたい時にお勧めなのがこちらのBoulangerie Du Palais。

かなりクオリティの高いパン屋さんですので、ぜひ立ち寄ってみてください。

Boulangerie Du Palais

基本情報

Boulangerie Du Palais　ブーランジェリー・デュ・パレ

住所：8 Rue du Palais de Justice, 69005 Lyon, フランス

営業時間：07:00 ~ 19:00

特徴

リヨン旧市街のメイン通りである、サン・ジャン通りにあるちょっとおしゃれで可愛いパン屋さんです。

通りの角にあるので、散策の際、とても見つけやすいと思います。

店名の由来ににもなっている、裁判所の隣にある建物が、Boulangerie Du Palais。

ステンドグラス（？）の看板がすぐに目に飛び込んできます。

お昼少し前だったので、店前はスッキリしていますが、お昼時は、椅子とテーブルが店先に並びますので、とても賑やかな感じがします。

道路からは、細長いお店に見えますが、店内はかなり狭いです。

そのため、すぐに行列になってしまいます。

リヨンの伝統でもある、プラリーヌを使用したパンが有名で、ウィンドウからもかなり目を引きます。

リヨンに来たら、1度は食べておきたいパンですね。

バゲットサンドやピザもとても美味しいそうです。

沢山並んでいますが、お客さんが次から次に入ってくるので、あっと言う間になくなってしまいそうです。

フランス小麦を使用した美味しいパンと言うようなことが書かれていますが、実際にとても美味しかったです。

こちらのステンドグラスも目を引きます。

建物は古いですが、お店構えは、どちらかというと現代的なお店です。

ただ、このレトロな感じのステンドグラスが、周囲と上手くバランスが取れていて、ちょうど良い感じの雰囲気を作りあげています。

今回食べたバゲットサンド。

ドライトマトとモッツァレラチーズとバジルにオリーブオイルが入っています。

パリで食べるバゲットサンドよりも美味しかったです。

まとめ

全体的な評価は5段階で以下の通りです。

Boulangerie Du Palais　ブーランジェリー・デュ・パレ

味：☆☆☆☆☆

外観：☆☆☆☆☆

内観：☆☆★★★

価格：☆☆☆★★

スタッフ：☆☆☆☆★

購入しやすさ：☆☆★★★

場所：☆☆☆☆☆☆

という感じです。

味は、バゲットサンドのみの評価ですが、とても美味しかったです。

外観は、周りの建物と、ステンドグラスが上手くマッチしていてとても良い雰囲気です。

内観は、かなり狭いので、特別な印象はありませんでした。

価格は観光地ということもありやや高めの印象です。

スタッフは特に印象がありません。

購入のしやすさは、お店が混んでいるとかなりプレッシャーを感じると思います。

また、お店が空いていても、バゲットサンドの種類などは事前に把握していないと中々伝えにくいところがあると思います。

場所は、旧市街の散策をすれば必ず通る場所ですので、迷うことはないと思います。

本当は色々なパンを購入したかったのですが、かなり暑い日だったので、パンを持ち歩くのに抵抗があり断念しました。

観光中にレストラン等に寄る時間の無い方には、お勧めのパン屋さんです。

ぜひ、訪れた際は色々と購入してみてくださいね。

また、食べた感想をお知らせ頂けると大変助かります。

今回も最後までお読みいただきありがとうございました。

パリからリヨンの日帰り旅行については、こちらで詳しくご紹介させて頂いております。

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2024.05.06

絵画の世界は、19世紀末から20世紀にかけて大きな変革を遂げました。印象派が光と色彩を追求した後、画家たちは内面の感情や精神世界を表現する新たな道を模索し始めます。

リヨン美術館には、その芸術の夜明けとも言える時代から、現代に至るまでの傑作が数多く収蔵されています。この記事では、「近代絵画の父」セザンヌやゴーギャンといったポスト印象派の巨匠から、抽象表現の可能性を切り拓いた画家たちまで、個性豊かな作品を写真と共に巡る旅にご案内します。絵画に込められた彼らの探求心や、新しい時代へのエネルギーをぜひ一緒に感じてみませんか。

Pierre Puvis de Chavannes　（1824-1898）

ピエール・ピュヴィス・ド・シャヴァンヌは、アカデミズムの厳格な伝統に根ざしながらも、象徴主義の先駆者として知られ、後の世代の画家たちに大きな影響を与えました。写実主義や印象派の流行とは一線を画し、主に装飾的な壁画の制作にその本質があります。

日本でも早くから認知されていて、ピカソもシャヴァンヌの模写をしていたと言われています。

Le Bois sacré cher aux arts et aux muses (1884)

「芸術とミューズに愛された聖なる森」は、1880年代にリヨン市から依頼されて制作した作品です。南東隅の階段に描かれたこの作品は、リヨン美術館の記念碑的な作品です。元々はリヨン市庁舎の階段ホールの壁画として描かれました。

Vision antique (1885)

「古代の幻影」（Vision antique）は、「芸術とミューズに愛された聖なる森」と対をなす作品として描かれました。

画面の中心には、裸の男女が、古代の遺跡や牧歌的な風景の中で、穏やかにたたずんでいます。彼らは、自然と調和した純粋な存在として描かれ、理性と美が支配する理想の世界を象徴しています。背景には、古代ギリシャの神殿の遺跡が見え、過去の栄光と、芸術家が憧れる古典的な理想を暗示しています。

写真はありませんが、右側には中世、またはルネサンス初期のイタリアの風景が描かれています。

こちらの作品はGoogleのポリシー違反に該当する可能性があるため掲載を控えさせて頂いております。

L’Automne (1864)

「秋」（L’Automne）は、彼が確立した独特の、静謐で寓意的な風景画の初期の作品です。

この作品は、具体的な物語を描くというよりは、季節の移ろい、特に秋の象徴的な雰囲気を表現しています。

Paul Cézanne　（1839-1906）

ポール・セザンヌは、ポスト印象派を代表する人物であり、20世紀の近代絵画、特にキュビスムに決定的な影響を与えたことから、「近代絵画の父」と称されています。

Les Peupliers (1879-80)

「ポプラ並木」（Les Peupliers）は、彼が印象派の技法から独自の様式へと移行していく時期の重要な風景画です。

作品は、フランス、ポントアーズ近くのChâteau de Marcouvilleを描いています。

Paul Gauguin　（1848-1903）

ポール・ゴーギャンは、ポスト印象派を代表する画家の一人であり、後の象徴主義やプリミティヴィスムに多大な影響を与えました。

幼少期をペルーで過ごし、青年期は株式仲買人として成功したゴーギャンは、アマチュア画家として絵画を始め、カミーユ・ピサロなど印象派の画家たちと交流しました。しかし、彼はやがて印象派の写実的な表現に飽き足らなくなり、仕事と家庭を捨てて芸術の道に身を投じます。

彼の画業における最大の功績は、大胆な色彩と単純化された形体を用いて、内面的な感情や象徴的な意味を表現しようとした点にあります。彼は、写実的な描写から離れ、主観的な感情を表現するための道具として色彩を用いることを主張しました。

ゴーギャンの作品の最大の特徴は、原色を多用した平面的で装飾的なスタイル、そして「クロワゾニスム（Cloisonnisme）」と呼ばれる、明確な輪郭線で色面を区切る技法にあります。彼は、フランスのブルターニュ地方で、伝統的な信仰や素朴な生活に触発され、この様式を確立しました。

その後、ゴーギャンは文明社会から逃れ、理想郷を求めて南太平洋のタヒチへと渡ります。タヒチでは、現地の文化や人々の素朴な生活からインスピレーションを得て、鮮烈な色彩と官能的な裸婦像、そして神秘的な宗教画を制作しました。

Nave Nave Mahana (1896)

「楽しい日々」（Nave Nave Mahana）は、彼のタヒチ滞在期を象徴する代表的な作品の一つです。

タヒチ語で「楽しい、幸福な日々」を意味するこの作品は、ゴーギャンが文明社会から逃れ、理想郷として求めた南国の楽園の風景を描いています。

Henri Jean Guillaume Martin　（1860-1943）

アンリ・ジャン・ギヨーム・マルタンは、アカデミックな教育を受けながらも、その後の美術界の潮流を取り入れ、独自のスタイルを確立しました。彼の作品は、新印象派、象徴主義、そして古典的なアカデミズムが融合した独特の画風が特徴です。

トゥールーズで木工職人の家に生まれたマルタンは、地元の美術学校で学び、奨学金を得てパリへ出て、ジャン＝ポール・ローランスに師事しました。初期には歴史画や寓意画を手掛け、サロンでも成功を収めましたが、イタリアへの留学を機に、古典的なスタイルから脱却していきます。

彼の画業における最大の功績は、新印象派の技法を独自の解釈で用いたことにあります。ジョルジュ・スーラやポール・シニャックが用いた点描とは異なり、マルタンは、画面全体を構成するような短い平行な筆致を多用しました。この技法によって、彼の作品は、光と大気の揺らぎを表現しつつも、より瞑想的で詩的な雰囲気を生み出しました。

Labastide-du-Vert (1903-09)

「ラバスティード＝デュ＝ヴェール」（Labastide-du-Vert）は、彼が晩年を過ごした故郷の風景を描いた連作の一つです。マルタンは、1900年にトゥールーズ近郊のラバスティード＝デュ＝ヴェールに家を構え、そこで亡くなるまで制作活動を続けました。この作品は、彼が愛したこの村の風景を、彼独自の技法で描き出した傑作です。

Sérénité (1899)

「静穏」（Sérénité）は、瞑想的で詩的な風景画です。

L’Inspiration (1895)

「霊感」（L’Inspiration）は、寓意的な主題を描いた作品です。この作品は、マルタンが象徴主義に傾倒していた時期に描かれました。

Alexej von Jawlensky　（1864-1941）

アレクセイ・フォン・ヤウレンスキーは、ロシアで生まれ、ドイツで亡くなった画家です。彼は、ロシア出身でありながら、主にドイツで活躍し、表現主義の重要な担い手として知られています。特に、「青騎士」（Der Blaue Reiter）グループの中心人物の一人として、20世紀初頭の近代美術史に大きな足跡を残しました。

ヤウレンスキーは、元々軍人でしたが、美術に目覚め、モスクワで絵画を学びました。その後、1896年にドイツのミュンヘンに移住し、ワシリー・カンディンスキーと出会い、生涯にわたる友情を育みました。

彼の画業における最大の功績は、強烈な色彩と単純化された形体を用いて、内面的な感情や精神性を表現しようとした点にあります。

Tête de femme “Méduse”, Lumière et Ombre (1923)

「女の顔『メドゥーサ』、光と影」は、顔の輪郭が単純化され、目や口が象徴的な線と色面で描かれています。鮮やかで力強い色彩の組み合わせは、感情や精神的な状態を表現するための主要な手段となっています。

この時期は、具象的な描写から離れ、人間の顔を幾何学的な形体と色彩の組み合わせで表現することに集中していました。

Fernand Léger　（1881-1955）

フェルナン・レジェは、20世紀のフランスを代表する芸術家であり、キュビスムに影響を受けつつも、独自の機械的で力強い様式を確立し、機械美を追求した画家として知られています。

La botte de navets (1910)

「カブの束」（La botte de navets）は、彼が自身の独特な様式を確立する以前の、キュビスムに傾倒していた時期の重要な作品です。

Alfréd Réth　（1884-1966）

アルフレッド・レトは、ハンガリーのモホラで生まれ、パリで亡くなった画家です。彼は、キュビスムの画家として知られ、特に色彩キュビスムという独自の様式を確立しました。

パリで絵画を学んだレトは、モンマルトルの「洗濯船」に住む多くの芸術家たちと交流し、キュビスム運動に深く関わります。彼は、パブロ・ピカソやジョルジュ・ブラックから影響を受けつつも、彼らとは異なる道を歩みました。

彼の画業における最大の功績は、キュビスムに豊かな色彩を取り入れた点にあります。

École de Parisのメンバーです。

Sans titre (1947) Colombes (1950) Composition (1947)

無題（Sans titre）は、レトが特定の主題から離れ、色彩と形体そのものに焦点を当てていたことを示しています。

鳩たち（Colombes）は、抽象的な様式の中に、わずかに具象的な要素が残されている作品です。

構成（Composition, ）は、レトの抽象表現の好例です。この作品は、タイトルが示す通り、色と形の純粋な関係性そのものが主題となっています。

Alberto Magnelli　（1888-1971）

アルベルト・マニェッリは、イタリアのフィレンツェで生まれ、パリで亡くなった画家です。彼は、キュビスムや未来派の影響を受けつつも、特定の運動に留まらず、生涯を通じて抽象芸術の探求を続けたことで知られています。コンクリートアート（幾何学的抽象化）運動の中心人物です。

マニェッリは、独学で絵画を学びました。彼の初期の作品は、アンリ・マティスやアンリ・ルソーといった画家たちの影響が見られますが、1914年にパリを訪れた際に、パブロ・ピカソやフェルナン・レジェらキュビスムの画家たちと出会い、その様式に深く魅了されました。

l’album de la ferrage (1970)

「馬蹄のアルバム」（L’album de la ferrage）は、タイトルにある「馬蹄」を思わせる、U字型や曲線的な幾何学的な形体を、ダイナミックに配置して構成されています。鮮やかで対照的な色彩が、これらの形体の間を埋めるように配置され、画面全体にリズミカルな動きを生み出しています。

Serge Poliakoff　（1900-1969）

セルジュ・ポリアコフは、ロシアのモスクワで生まれ、パリで亡くなった画家です。彼は、20世紀のフランスで活躍した非定形美術（アンフォルメル）の重要な担い手の一人であり、色彩の相互作用を追求した独自の抽象芸術を確立しました。

ポリアコフは、ロシア革命を逃れてパリに移住し、当初は音楽家として生計を立てていました。しかし、1937年にワシリー・カンディンスキーやソニア・ドローネーといった抽象画家の作品に触れ、絵画の道へと進みました。

Composition abstraite (1964)

「抽象的構成」（Composition abstraite）は、特定の主題を持たず、見る者に純粋な視覚体験をもたらすことを目的としています。

画面は、互いに絡み合うかのように配置された、複数の不規則な色面で構成されています。彼は、それぞれの色面を、注意深く重ね塗りすることで、独特の深みと質感を画面にもたらしました。色彩同士が互いに響き合い、静かながらも力強いエネルギーを感じさせます。

René Duvillier　（1919-2002）

ルネ・デュヴィリエは、20世紀後半のフランス美術において、非定形美術（Art informel）の重要な担い手の一人として、また叙情的な抽象表現主義の画家として知られています。

Le viol de la vierge（1959)

「乙女の強姦」（Le viol de la vierge）は、デュヴィリエの代名詞である激しい筆致と、力強い色彩の奔流によって、見る者に強い衝撃を与えます。

タイトルは非常に挑発的ですが、この作品は具体的な情景を描写したものではありません。色彩と線が織りなす抽象的な構成を通して、魂の内なる葛藤、無垢さが侵されることの痛み、そして精神的な苦悩といった、普遍的なテーマを象徴的に表現しています。

このタイトルは、マックス・エルンストの同名の作品（1945年）を参照しており、第二次世界大戦後の混乱した時代における、暴力と純粋さの喪失というテーマを、非具象的な方法で再解釈したものです。

Georges Adilon　（1928-2009）

ジョルジュ・アディロンは、は、生涯を通じて故郷のリヨンとその周辺で活動し、絵画、ドローイング、彫刻、そして建築といった多岐にわたる分野で、独自の創造的な世界を築きました。

14-8/31-8 (1991)

このタイトルは、制作された期間（8月14日から8月31日）を示しており、アディロンがこの特定の期間に感じた感情や、創作のエネルギーを、抽象的な形で記録した作品と考えられます。

Christian Lhopital　（1953-）

クリスチャン・ロピタルは、フランスのリヨンで生まれた現代アーティストです。彼は、絵画、ドローイング、彫刻、インスタレーションといった多岐にわたる表現方法で、記憶、時間、そして人間という存在の脆弱性といったテーマを探求しています。

ロピタルの作品は、一見すると無邪気で幻想的な世界を描いているように見えますが、その奥には、常に不穏さや不安が潜んでいます。彼は、子供の頃の思い出や、童話、夢といった要素を引用しながらも、それを歪ませ、曖昧で謎めいたイメージへと変容させます。

Danseurs (1985)

「ダンサーたち」（Danseurs）は、鉛筆や木炭を用いて描かれた、複数の人物像が絡み合うように配置されています。線は極めて繊細で儚げであり、まるで幽霊や記憶の断片のように描かれています。しかし、その繊細な線は、時に激しい筆致や、擦られた跡によって覆い隠され、見る者に不安感や時間の経過を感じさせます。

まとめ

いかがでしたか？これらの作品は、単なる美しい絵画というだけでなく、画家たちが時代の大きな流れの中で、自らの表現方法を必死に模索した証です。

目に見えるものを超えて、内なる感情や精神世界を表現しようとした探求心は、美術の歴史を大きく前進させました。リヨン美術館は、ポスト印象派から始まり、キュビスム、表現主義、抽象芸術、そして現代美術へと続く、美の探求の軌跡をたどることができる貴重な場所です。

次に美術館を訪れた際には、今日ご紹介した画家たちの作品に込められた情熱を、ぜひご自身の目で確かめてみてください。きっと、新たな発見があるはずです。

今回も最後までお読みいただきありがとうございました。

リヨン美術館に展示されている他の作品については以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• リヨン美術館 コレクション 彫刻と古代の旅：時代を超えた美の競演
• リヨン美術館 コレクション ルネサンスの光と影：巨匠たちが紡ぐ美の世界
• リヨン美術館 コレクション バロックの情熱：光と色彩が織りなす壮麗な時代
• 新古典主義とロマン主義の狭間で―リヨン美術館が誇る19世紀フランス・ベルギー絵画
• フランス風景画の父から魂の詩人まで｜リヨン美術館で巡る19世紀フランス絵画
• 光と色彩の魔術師たち｜リヨン美術館コレクションで巡る、印象派の世界
• 時代を超える美の探求｜リヨン美術館で出会う、ポスト印象派から抽象芸術までの道

19世紀後半のフランス美術を語る上で欠かせないのが「印象派」です。それまでの伝統的な絵画とは一線を画し、画家たちは屋外に出て、刻々と移り変わる光や色彩、そして大気の雰囲気をキャンバスに閉じ込めようとしました。

リヨン美術館には、この革新的な運動を牽引した画家たちの傑作が数多く収蔵されています。この記事では、「空の王者」ブーダンから、印象派の創設者であるモネやピサロ、ドガ、そして彼らと深く関わった画家たちの作品を、写真と共に巡る旅にご案内します。光と色彩が織りなす感動的な瞬間を、ぜひ一緒に感じてみませんか。

Eugène Boudin　（1824-1898）

ウジェーヌ・ブーダンは、19世紀のフランス絵画において、印象派の先駆者として、特に「空の王者」と称されるほど優れた戸外制作による風景画、特に海景画や海岸の情景で知られています。

ブーダンは船乗りの息子として育ち、ル・アーヴルで文具・額縁店を営んでいました。そこでジャン＝フランソワ・ミレーなどの画家と出会い、絵画の道へと進むよう勧められます。彼はパリで一時的に学びましたが、生涯のほとんどをノルマンディー地方の海岸で過ごし、その地の移ろいゆく光と大気を描き続けました。

彼の画業における最大の功績は、若き日のクロード・モネに戸外制作（plein air）の重要性を教え、彼を風景画家へと導いたことです。ブーダンは、スタジオで描くのではなく、直接自然の中で、その場の光や空気、天候の変化を素早く捉えることに情熱を注ぎました。

ボードレールやコローから絶賛された画家です。

Voiliers au port (Deauville) (1896)

「港の帆船（ドーヴィル）」（Voiliers au port (Deauville)）は、彼の晩年の作品であり、彼が生涯を通じて描き続けた港と海景のテーマにおける熟練した技量を示すものです。

ドーヴィルは、フランス北西部のノルマンディー地方にある有名な海水浴地であり、港湾都市でもあります。ブーダンは、この地の移ろいゆく光と大気を描き続けることに生涯を捧げました。

Trouville le port (1864)

「トゥルーヴィル港」（Trouville le port）は、彼が特に好んで描いたノルマンディー地方の港町の情景を捉えた代表的な作品の一つです。

トゥルーヴィル＝シュル＝メールは、ドーヴィルの対岸に位置する人気の海水浴地であり、活気ある港町でもあります。

Camille Pissarro　（1830-1903）

カミーユ・ピサロは、印象派を代表する画家の一人であり、その穏やかで詩的な風景画で知られています。また、印象派の創設者の一人として、画家たちの精神的な支柱でもありました。

ピサロは、全8回開かれた印象派展、すべてに参加した唯一の画家です。

Le Pont-Neuf (1902)

「ポン・ヌフ」（Le Pont-Neuf）は、彼の晩年の傑作の一つであり、パリの街並みを描いたシリーズ作品の中でも特に有名なものです。

Kew Greens (1892)

「キュー・グリーン」（Kew Greens）は、ロンドン郊外にあるキュー植物園の周辺、あるいはその近くの広大な芝生（グリーン）を描いたものです。

Édouard Manet　（1832-1883）

エドゥアール・マネは、印象派の形成に大きな影響を与えた先駆者として知られています。写実主義から印象派への移行期に極めて重要な役割を果たしました。

後のフランス芸術界に多大なる影響を与えた人物ですので、興味のある方はぜひ詳しく調べてみてください。

Marguerite Gauthier-Lathuille (1879)

「マルグリット・ゴティエ＝ラテュイユ」（Marguerite Gauthier-Lathuille）は、彼の晩年に描かれた優れた肖像画の一つです。マネの友人であるカフェの経営者アンリ・ゴティエ＝ラテュイユの娘、マルグリットを描いたものです。マネは、パリ郊外にあるアンリの邸宅を訪れた際に、庭で休憩するマルグリットをモデルにこの絵を描きました。

この作品は、別名「白の少女」とも呼ばれています。

Jeune fille dans les fleurs (1879)

「花の中の少女」（Jeune fille dans les fleurs）も、マネの友人であるカフェの経営者アンリ・ゴティエ＝ラテュイユの娘、マルグリットを描いたものです。

Edgar Degas　（1834-1917）

エドガー・ドガは、クロード・モネやピエール＝オーギュスト・ルノワールらと共に印象派の創設者の一人として数えられますが、その画風は他の印象派の画家たちとは一線を画していて、本人は印象派に属することを望んでいませんでした。

Danseuses sur la scène (1889)

「舞台の踊り子たち」（Danseuses sur la scène）は、彼が晩年に最も得意とした主題の一つであるバレエダンサーを描いた、パステル画の傑作です。

Henri Fantin-Latour　（1836-1904）

アンリ・ファンタン＝ラトゥールは、印象派の画家たちと親交がありながらも、彼らとは異なる写実主義とロマン主義が融合した独自のスタイルを貫きました。特に、肖像画と花卉画（花の絵）でその名を知られています。

Les roses (1889)

「薔薇」（Les roses）は、彼が最も得意とした花卉画（花の絵）の傑作の一つです。

Alfred Sisley　（1839-1899）

アルフレッド・シスレーは、イギリス生まれのフランスの印象派の画家です。彼は主に風景画を描き、移り変わる光や大気の効果を捉えることに長けていました。

シスレーは、印象派の中でも特に忠実にその理論を実践した画家の一人として知られています。彼の作品は、穏やかで調和の取れた色彩と、繊細な筆致が特徴です。セーヌ川やルーヴシエンヌ、モレ＝シュル＝ロワンなど、パリ周辺の風景を好んで描きました。生涯900点ほどの作品を残していますが、そのほとんどがパリ周辺の風景を描いています。

La seine à marly (1876)

「マルリのセーヌ川」（La seine à marly）は、彼が特に好んで描いたセーヌ川沿いの風景を捉えた、印象派の風景画の傑作の一つです。

シスレーは、パリ郊外のマルリ＝ル＝ロワに住み、この地域の穏やかな自然を繰り返し描きました。彼の作品は、クロード・モネのような強い色彩よりも、より繊細で詩的な光と大気の表現に特徴があります。

Chemin montant (1870)

「上り坂」（Chemin montant）は、パリ郊外の田園風景を捉えた、初期の重要な作品です。

この作品は、普仏戦争が勃発した年の春に描かれたもので、当時の緊迫した社会情勢とは対照的に、穏やかで静謐な田園の風景が広がっています。

Claude Monet　(1840-1926)

クロード・モネは、印象派の創始者であり、その中心的な存在として、美術史に多大な影響を与えました。

Charing Cross Bridge, la Tamise (1903)

「チャリング・クロス橋、テムズ川」（Charing Cross Bridge, la Tamise）は、彼が晩年に行ったロンドンでの滞在中に描かれた連作の一つです。

モネは1899年から1901年にかけて数回ロンドンを訪れ、サヴォイ・ホテルの部屋からチャリング・クロス橋、ウォータールー橋、そして国会議事堂を主題に、異なる時間帯や天候の中で連作を描き続けました。

ルーアン大聖堂を描いたように、チャリングクロス鉄道橋も様々なパターンで描かれています。

Le printemps (1882)

「春」（Le printemps）は、モネがアルジャントゥイユからポワシー、そしてヴェトゥイユへと移り住んだ後、ジヴェルニーに定住する前の時期に描かれたものです。描かれているのは、春の光に満ちた庭園の情景です。

Mer agitée à Étretat (1883)

「エトルタの荒海」（Mer agitée à Étretat）は、ノルマンディー地方の海岸風景をホテルの窓から捉えた作品です。エトルタは、断崖絶壁と海食洞（門）で知られる風光明媚な場所であり、モネは生涯を通じてこの地を何度も訪れ、異なる季節や天候の下で多くの作品を描きました。

L’entrée de la Grande-Rue à Argenteuil, l’hiver (1875)

「アルジャントゥイユ、グラン=リュの入り口、冬」（L’entrée de la Grande-Rue à Argenteuil, l’hiver）は、彼が滞在したパリ郊外の村、アルジャントゥイユの冬景色を描いた作品です。

Pierre-Auguste Renoir　（1841-1919）

ピエール＝オーギュスト・ルノワールは、印象派の最も重要な画家の一人として、特に人物画と肖像画でその名を知られています。生涯で4000枚近い作品を描いたと言われています。

Coco écrivant(1905) 

「書くココ」（Coco écrivant）は、彼の最晩年に描かれた、愛らしい子供の肖像画です。

ココとは、ルノワールの末息子であるクロード・ルノワールの愛称です。晩年、重度のリウマチに苦しんでいたルノワールは、屋外での制作が難しくなったため、自宅で家族をモデルに多くの作品を描きました。この作品も、彼の子供たちへの深い愛情と、穏やかな家庭生活の一コマを捉えています。

Femme jouant de la guitare (1897)

「ギターを弾く女」（Femme jouant de la guitare）は、彼の晩年における人物画の傑作の一つです。女性がギターを弾く様子は、度々取り上げられていたテーマです。

Jeune Fille au ruban bleu (1888)

「青いリボンをつけた若い女性」（Jeune Fille au ruban bleu）は、印象派の後の時期、いわゆる「ドライな時期」（Ingresque period）と呼ばれる時期に描かれた、洗練された肖像画です。

1880年代半ばから、ルノワールは印象派の光の探求から離れ、より古典主義的な、厳格なデッサンと明確な輪郭線を重視するスタイルに回帰しました。この作品は、そのスタイルの典型的な例です。

Berthe Morisot　（1841-1895）

ベルト・モリゾは、印象派の創設メンバーの一人であり、その中心的な女性画家として知られています。

裕福な家庭に生まれたモリゾは、幼い頃から姉と共に絵画教育を受けました。アカデミックな教育を受けつつも、ジャン＝バティスト・カミーユ・コローに師事し、戸外制作（プレイン・エア）に親しみました。その後、エドゥアール・マネと出会い、彼を敬愛しながらも、自身の芸術を追求しました。（マネのモデルも務めていました）1874年の第1回印象派展から、1879年の一回を除いて全ての展覧会に参加し、印象派運動の重要な担い手となりました。

パリのマルモッタン・モネ美術館に沢山の作品が展示されています。

La Petite Niçoise (1889)

「ニースの少女」（La Petite Niçoise）は、彼女が南仏ニースを訪れた際に描いた、愛らしくも儚げな肖像画です。

Albert Maignan　（1845-1908）

アルベール・メニャンは、19世紀後半のフランス美術において、アカデミズムの伝統を継承しながらも、歴史画、宗教画、そして神話や中世の物語を主題とした作品で知られています。

メニャンは、美術学校でジョゼフ＝ニコラ・ロベール＝フルリーに師事し、厳格なアカデミックな教育を受けました。彼は、パリのサロンに頻繁に出品し、多くの賞を受賞するなど、当時の美術界で成功を収めた画家でした。

Adagio appassionato (1904)

「アダージョ・アパッショナート」（Adagio appassionato）は、彼の最晩年の作品の一つであり、彼が好んで描いた中世の物語や伝説を主題とした絵画です。

「アダージョ・アパッショナート」は音楽用語で、「熱情的なアダージョ（ゆっくりとしたテンポ）」を意味します。このタイトルが示唆するように、この絵画は、叙情的で感傷的な雰囲気に満ちています。

まとめ

いかがでしたか？

これらの作品は、単なる美しい絵画というだけでなく、画家たちが時代の大きな流れの中で、自らの表現方法を必死に模索した証です。

リヨン美術館には、戸外制作によって光と色彩を追求した印象派の傑作が数多く収蔵されています。きらめく水面、やわらかな春の光、そして人物の内面まで描き出す筆致…画家たちがとらえた一瞬の輝きは、100年以上を経た今も私たちを魅了し続けます。

ぜひ、これらの作品が描かれた時代背景や、画家たちが作品に込めた情熱を思い浮かべながら鑑賞してみてください。いつも以上に楽しめるのではないでしょうか。

今回も最後までお読みいただきありがとうございました。

リヨン美術館に展示されている他の作品については以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• リヨン美術館 コレクション 彫刻と古代の旅：時代を超えた美の競演
• リヨン美術館 コレクション ルネサンスの光と影：巨匠たちが紡ぐ美の世界
• リヨン美術館 コレクション バロックの情熱：光と色彩が織りなす壮麗な時代
• 新古典主義とロマン主義の狭間で―リヨン美術館が誇る19世紀フランス・ベルギー絵画
• フランス風景画の父から魂の詩人まで｜リヨン美術館で巡る19世紀フランス絵画
• 光と色彩の魔術師たち｜リヨン美術館コレクションで巡る、印象派の世界
• 時代を超える美の探求｜リヨン美術館で出会う、ポスト印象派から抽象芸術までの道

フランス、リヨンの中心に佇むリヨン美術館は、まるで時を超えた芸術の宝庫です。特にその彫刻コレクションとアンティーク部門は、訪れる者を古代エジプトの神秘から近代彫刻の革新まで、壮大な美の旅へと誘います。

重厚な歴史を刻む建物の扉をくぐると、まず目に飛び込んでくるのは、力強い表現と繊細な感情が宿る数々の彫像たち。ロダンの象徴的な《考える人》が思索にふける傍らでは、ブールデルの《弓を引くヘラクレス》が爆発的なエネルギーを放ち、マルケストの《ペルセウスとゴルゴン》は神話の劇的な瞬間を切り取ります。彼らの作品は、単なる石やブロンズの塊ではなく、それぞれの時代に生きた芸術家たちの魂と、人間の普遍的な感情が凝縮されたものです。

さらに足を進めると、フロアを上がった先には、まるでルーブル美術館のミニチュア版のようなアンティークコレクションが広がります。古代エジプトの神秘的な石棺、古代ギリシャの優雅な陶器、そして強大なローマ帝国の遺物など、時を超えて今に語りかける品々が、歴史の息吹を伝えてくれます。

この記事では、リヨン美術館が誇るこれらのコレクションの中から、特に印象的な彫刻作品とアンティークの数々を、写真と共に詳しくご紹介します。時代や文化を超えて愛され続ける芸術作品の魅力に、ぜひ触れてみてください。あなたもきっと、新たな発見と感動に出会えるはずです。

Sculptures　彫刻　

Laurent Marqueste　（1848-1920）

ローラン・マルケストは、フランスのアカデミックな彫刻家です。

彼はトゥールーズで生まれ、後にパリのエコール・デ・ボザールでフランソワ・ジョフロワに師事しました。1871年にローマ賞を受賞し、ローマのヴィラ・メディチに留学する機会を得ました。この留学期間中に、古典的な形式と理想化された美学に対する彼の深い理解が培われました。1900年、パリ万博でグランプリを受賞。

マルケストの作品は、その古典的なテーマ、完璧な解剖学的表現、そして滑らかな表面処理によって特徴付けられます。彼は神話、歴史、寓意的な題材を好み、政府や公共機関からの注文を多く受けました。

Persée et la Gorgone (1890)

「ペルセウスとゴルゴン」（Persée et la Gorgone）は、彼の代表作の一つであり、神話の一場面を劇的に表現したものです。

この作品は、英雄ペルセウスが怪物メデューサ（ゴルゴンの一人）の首を切り落とそうとする瞬間を描いています。ペルセウスは、メデューサの石化する視線を避けるため、彼女を正面から見ずに、その髪の毛を掴んでいます。メデューサは地面に倒れ込み、苦悶の表情で叫び、その髪の蛇がペルセウスの腕に絡みついています。

この作品は同じテーマで、1875～1903年の間に5体作られています。

Antoine Bourdelle　（1861-1929）

アントワーヌ・ブールデルは、フランスを代表する近代彫刻家の一人です。オーギュスト・ロダン、アリスティド・マイヨールらと並び称されます。

フランス南部のモントーバンで家具職人の子として生まれ、幼い頃から木工に触れました。トゥールーズの美術学校で彫刻を学び、その後パリのエコール・デ・ボザールに進みますが、アカデミズムの枠に疑問を抱き、独自の道を歩むことになります。

1893年、彼はオーギュスト・ロダンの助手となり、約15年間ロダンと行動を共にしました。この期間にロダンから多くを学びつつも、次第に独自の作風を確立していきます。ロダンが内なる感情表現を外に向かって形にしたのに対し、ブールデルは彫刻の外形から内面の精神的な深さを表現しようとしました。

1924年にはレジオンドヌール勲章を受けています。

Héraklès archer (1909)

弓をひくヘラクレス（Héraklès archer）は、ギリシャ神話の英雄ヘラクレスが、ステュムパロスの鳥を退治する「十二の功業」の一つで、弓を引いてまさに矢を放とうとする瞬間を捉えています。ヘラクレスの肉体は、弓を最大限に引き絞るために極限まで緊張し、筋肉の隆起と体全体のねじれによって、爆発せんばかりのエネルギーが表現されています。その力強い身体表現は、古代ギリシャ彫刻の理想的な人体表現に連なりつつも、ブールデル独自の量感と構築的な造形感覚によって、近代的な生命感と精神的な深みが与えられています。

「弓を引くヘラクレス」は、ブールデルの名を世に知らしめた、不朽の名作です。

1910年のサロン・ド・ソシエテ・ナショナル・デ・ボザールに出品され、批評家から絶賛されました。「レアリスムがイデアリスムの域にまで達している」と評されたように、写実的な描写を超えて、英雄の精神性や普遍的な力を表現しています。

幾つかのヴァージョンがあり、世界中の美術館で展示されています。

Antoine-Louis Barye　（1795-1875）

アントワーヌ＝ルイ・バリーは、19世紀フランスのロマン主義彫刻を代表する芸術家の一人であり、特に動物彫刻の分野で大きな功績を残しました。

パリで生まれ、当初は金細工師の徒弟としてキャリアをスタートさせました。その後、画家アントワーヌ＝ジャン・グロや彫刻家フランソワ＝ジョゼフ・ボジオのもとで学び、本格的に芸術の道に進みました。

バリーは、パリ植物園付属の動物園で多くの時間を過ごし、動物の習性や解剖学を熱心に研究しました。この徹底した観察と科学的なアプローチが、彼の作品に比類のない写実性と生命感を与えています。彼は、ライオン、トラ、ヘビ、ワニといった野生動物が、まさに捕食や格闘といった劇的な瞬間にある姿をブロンズで表現することで、それまでマイナーであった動物彫刻を一つの芸術ジャンルとして確立しました。

Lion au serpent（1832）

「蛇を押しつぶすライオン」（Lion au serpent）は、彼の名を一躍有名にした初期の代表作です。

この彫刻は、荒々しいライオンが、うねる蛇を前足で押さえつけ、まさに仕留めようとする劇的な瞬間を捉えています。ライオンの筋肉は隆起し、その口は咆哮しているかのように大きく開かれ、獲物を捕らえる本能的な力強さと獰猛さが表現されています。蛇もまた、ライオンの足に巻きつき、反撃しようと抵抗する様子がリアルに描かれており、両者の間に漲る緊張感が際立っています。

1833年のサロン（官展）に出品され、その力強い表現と動物の生態に対する深い洞察が当時の批評家たちに大きな衝撃を与えました。特にロマン主義の画家ウジェーヌ・ドラクロワは、この作品を高く評価し、バリーの才能を世に知らしめるきっかけとなりました。

Jean-François Legendre-Héral　（1796-1851）

ジャン＝フランソワ・ルジャンドル＝エラルは、19世紀前半のフランスで活躍した彫刻家です。

彼はリヨンで生まれ、地元の美術学校で学びました。その後、パリに移り、当時影響力のある彫刻家であるピエール・カルトリエのもとで研鑽を積みました。1819年にローマ賞を受賞し、ローマのヴィラ・メディチに留学する機会を得ました。このイタリア滞在は、彼の作品に古典主義的な厳格さと均整をもたらす上で重要な経験となりました。

Minerve（1837-1840）

「ミネルヴァ」（Minerve）は、ローマ神話における知恵、芸術、戦略の女神ミネルヴァ（ギリシャ神話のアテナに相当）を題材としています。ルジャンドル＝エラルは、この彫刻で女神の威厳と知的な美しさを表現しています。

Aristide Maillol　（1861-1944）

アリスティド・マイヨールは、20世紀前半のフランスを代表する彫刻家の一人であり、オーギュスト・ロダンとは対照的な、静謐で量感豊かな女性裸体像によって独自の地位を確立しました。

フランス南部のバニュルス＝シュル＝メールに生まれ、当初は画家として活動し、ナビ派の影響を受けました。しかし、視力の悪化などから40歳を過ぎて彫刻へと転向します。

ロダンが感情の爆発や劇的な動きを表現したのに対し、マイヨールは、より古典的で普遍的な美を追求しました。彼の作品は、古代ギリシャ彫刻の簡潔さと均衡を想起させますが、そこに現代的な豊かさと温かみを加えています。特に、健康で量感のある女性の裸体像を繰り返し制作し、その造形は生命の充実感や静謐な官能性を湛えています。

La Montagne (1937)

「山」（La Montagne）は、マイヨールが繰り返し主題としてきた女性の裸体像であり、その中でも特に量感と大地の力強さを強調したものです。女性が半ば横たわり、あるいは身を横たえて休んでいるかのようなポーズは、まさに大地の母体や、悠然とした「山」そのものを想起させます。

Antoine Étex　（1808-1888）

アントワーヌ・エテックスは、19世紀フランスの彫刻家、画家、建築家、著述家と多岐にわたる才能を発揮した芸術家です。

パリで生まれ、若くしてエコール・デ・ボザールで彫刻家ジェームス・プラディエや画家のジャン＝バティスト・ルニョー、オーギュスト・グロスに師事しました。彼は1829年に彫刻部門でローマ賞を受賞し、イタリアで研鑽を積む機会を得ました。

エテックスの作品は、新古典主義の厳格さとロマン主義の感情的な表現を融合させた特徴を持ちます。彼の彫刻は、しばしば劇的な構図、力強い感情の表現、そして記念碑的なスケールを特徴としています。

Caïn et sa race maudits de Dieu (1832-39)

「神に呪われたカインとその子孫」（Caïn et sa race maudits de Dieu）は、旧約聖書の創世記に登場するカインとアベルの物語を題材としています。兄カインが弟アベルを殺害した後、神から呪いを受け、地上をさまよう運命を背負うという劇的な場面が描かれています。

エテックスは、単にカイン一人を表現するのではなく、「カインとその子孫」として、彼の家族までもがこの呪いの影響を受け、絶望的な放浪の旅を強いられている様子を表現しました。彫刻は、絶望と苦悩、そして逃れられない運命というテーマを力強く視覚化しています。

1839年、パリのサロンで発表され高い評価を得ました。

Albert-bartholome　（1848-1928）

アルベール・バルトロメは、19世紀末から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した彫刻家であり、特にその記念碑的な作品や写実的な表現で知られています。

スイスのトゥール・ド・ペイルツ（現在のスイス・ヴォー州）で生まれ、当初は画家を目指し、パリでエコール・デ・ボザールのジャン＝レオン・ジェロームの指導を受けました。印象派の画家たちとも交流があり（エドガー・ドガの友人）、彼自身も風景画や肖像画を描いていましたが、1887年に妻を亡くしたことをきっかけに彫刻へと転向しました。この個人的な悲劇が、彼が死と追悼というテーマに深く取り組むきっかけとなりました。

1900年の万国博覧会では大賞を受賞しています。

Monument aux morts (1895-1899)

アルベール・バルトロメの代表作である「死者の記念碑」（Monument aux morts）は、1895年から1899年にかけて制作され、パリのペール・ラシェーズ墓地に設置されています。

バルトロメは、この作品で、特定の歴史上の出来事を記念するのではなく、死という人間の普遍的な経験そのものを表現しようとしました。そのため、人物像の表情やポーズは非常に写実的でありながらも、象徴的な意味合いを強く持ちます。

Auguste Rodin　（1840-1917）

オーギュスト・ロダンは、19世紀後半から20世紀初頭にかけて活躍したフランスの彫刻家で、「近代彫刻の父」と称されています。

彼は、伝統的なアカデミックな彫刻様式に捉われず、人間の内面的な感情や肉体の動きをリアルかつ力強く表現することで、彫刻に革新をもたらしました。彼の作品は、光と影を巧みに利用した表面の質感や、未完成に見える部分を残すことで、作品に生命感や動きを与える特徴があります。

ロダンは当時の芸術家としては珍しく、専門的な学校を出ていません。ボザール・ド・パリに3度受験して3度とも落ちています。その後は、彫刻家のスタッフや装飾の仕事をこなして生活していました。

ロダンの20代は波乱万丈で、1862年、22歳の時に姉を亡くし、自身も修道院に入ることを決意したが、当時の代表であるPeter Julianに彫刻の道に進むことを勧められました。

1864年、24歳の時に妻となる、 Rose Beuretと出会います。その後子供も生まれ、しばらくは、Albert-Ernest Carrier-Belleuseの下で働いていました。

1870年普仏戦争の際に召集されたが、近視のため従軍せずに、ベルギーに渡ります。ベルギーでは証券取引所の装飾の仕事をしていました。

1875年、イタリアに芸術作品を見るために旅行に出かけます。イタリアで、ミケランジェロの作品に衝撃を受け、再び作品の制作に取り組みます。

1877年、37歳の時にようやくパリに戻ります。

L’Âge d’airain（青銅の時代）を発表したが、極めてリアルに出来ていたために、疑いをかけられ、その後実寸の人間よりも大きな作品（Saint Jean Baptiste）を作ることにより、フランス中にその評価を知らしめることになります。

1880年、美術館建設のため、モニュメント制作の依頼があり、そこに飾るべき作品、「地獄の門」の制作に取り掛かります。しかし、この話はその後立ち消えとなるが、ロダンは「地獄の門」の制作にその後の活動を捧げます。

1882年、アルフレッドブーシェの後任として彫刻の講師となります。ここで、Camille Claudelと出会います。

1895年、Les Bourgeois de Calais（カレーの市民）を制作しました

出典：ウィキペディア　Auguste Rodin

Minerve au casque (1905)

「ミネルヴァ（ヘルメットをかぶる）」（Minerve au casque）は、古代の神話的主題に回帰し、古典的な形式と自身の表現様式を融合させようとした一例として注目されます。

ローマ神話の知恵、戦術、芸術の女神ミネルヴァ（ギリシャ神話のアテナに相当）が題材となっています。ロダンは、ミネルヴァの特徴的なアトリビュートであるヘルメットを強調して描くことで、彼女の戦いの女神としての側面と、冷静な知性を併せ持つ姿を表現しています。

La Tentation de saint Antoine（1889-1903）

「聖アントワーヌの誘惑」（La Tentation de saint Antoine）は、キリスト教の聖人である聖アントワーヌ（聖アントニオス）が、荒野で隠遁生活を送る中で悪魔や幻覚によって誘惑されるという、古くから多くの芸術家によって描かれてきたテーマを扱っています。ロダンは、この普遍的な主題を通じて、人間の精神と肉体の葛藤、欲望と信仰の対立という、彼が生涯を通じて追求したテーマを表現しました。

L’Automne (1904)

「秋」（L’Automne）は、ロダンが追求した人間の感情と肉体の表現、そして自然のサイクルとの関連性を示す好例と言えます。「秋」は、通常、収穫の季節や豊穣を象徴するテーマですが、ロダンは単なる具象的な表現にとどまらず、生命の円熟期や移ろいゆく時の流れを、女性の裸体を通して表現しようとしました。

Ève

「エヴァ」（Ève）は、彼の代表作の一つであり、聖書に登場する人類最初の女性エヴァを題材としています。アダムの肋骨から創造され、禁断の果実を食したとされるエヴァの物語を通して、罪と後悔、そして人間の原罪という普遍的なテーマを探求しました。この彫刻は、まさに禁断の果実を食べた直後、あるいは自らの罪を悟った瞬間のエヴァの姿を捉えていると解釈されます。

LE BAISER (1882)

「接吻」（Le Baiser）は、彼の最も有名で普遍的に愛される傑作の一つです。

この作品は、ダンテの『神曲』に登場する悲劇的な恋人たち、フランチェスカ・ダ・リミニとパオロ・マラテスタの物語に触発されて生まれました。既婚者であったフランチェスカが、夫の弟であるパオロと恋に落ち、文学作品を読むうちに初めて唇を触れ合わせる瞬間が描かれています。しかし、その直後に夫に見つかり、二人とも殺されてしまうという運命の悲劇を孕んだ場面です。

ロダンは、この二人が初めて口づけを交わす、官能的でありながらも純粋な情熱が最高潮に達する瞬間を捉えました。二人の体は互いに強く引き寄せられ、完璧に絡み合い、その肌は滑らかで官能的な曲線を描いています。パオロの腕はフランチェスカの腰に、フランチェスカの腕はパオロの首に回され、彼らの身体は一つの有機的な塊となり、愛の陶酔を表現しています。

1889年のパリ万博のために、フランス政府から依頼されて制作しました。本来は、「地獄の門」のレリーフの一つとして制作されたものです。

Le Penseur (1881)

「考える人」（Le Penseur）は、彼の最も象徴的で世界的に知られる傑作です。

Antiquités　アンティーク

Égypte　エジプト

1階（日本式２階）に上がると、古美術品が数多く展示されています。

ルーブル美術館の規模が小さい感じです。

それでも展示されている作品の数はかなりの数になります。

まずは、エジプト関連の作品が並んでいます。

Sarcophage（石棺）なども置かれています。

Grèce　ギリシャ

続いてギリシャの部屋になります。

Hydrie des Mystères d’Eleusis

水を汲むための花瓶ですが、見事な装飾が施されています。

Rome et l’empire　ローマ

Moyen-Age　中世

Renaissance　ルネッサンス

Médaillier　メダル

Objets d’art

Saint Georges terrassant le dragon (1889)

Eugène Grasset (1845-1917)の作品です。

アールヌーボーの先駆者的存在です。

まとめ

リヨン美術館の彫刻とアンティークの世界を巡る旅はいかがでしたでしょうか？

ローラン・マルケストの古典的な美意識、アントワーヌ・ブールデルの力強い生命感、アントワーヌ＝ルイ・バリーの動物への深い洞察、そしてジャン＝フランソワ・ルジャンドル＝エラルやアントワーヌ・エテックス、アルベール・バルトロメといった巨匠たちの多岐にわたる表現。そして何よりも、オーギュスト・ロダンの《考える人》や《接吻》といった普遍的な傑作群、さらにはアリスティド・マイヨールの静謐な裸婦像が、それぞれ異なる魅力で私たちを惹きつけました。

また、1階（日本式2階）に広がるアンティークコレクションでは、古代エジプト、ギリシャ、ローマといった文明の息吹を肌で感じることができたのではないでしょうか。悠久の時を経て現代に伝えられるこれらの作品は、人類の歴史と文化の豊かさを雄弁に物語っています。

リヨン美術館は、単に美しい作品を展示しているだけでなく、それぞれの作品が持つ背景や物語、そして芸術家たちの情熱を私たちに語りかけてくれる場所です。写真だけでは伝えきれない、本物の作品が放つオーラをぜひ現地で体感していただきたいと思います。

この記事が、あなたの次のリヨン訪問、あるいは芸術への興味を深める一助となれば幸いです。

今回も最後までお読み頂きありがとうございました。

リヨン美術館に展示されている他の作品については以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• リヨン美術館 コレクション 彫刻と古代の旅：時代を超えた美の競演
• リヨン美術館 コレクション ルネサンスの光と影：巨匠たちが紡ぐ美の世界
• リヨン美術館 コレクション バロックの情熱：光と色彩が織りなす壮麗な時代
• 新古典主義とロマン主義の狭間で―リヨン美術館が誇る19世紀フランス・ベルギー絵画
• フランス風景画の父から魂の詩人まで｜リヨン美術館で巡る19世紀フランス絵画
• 光と色彩の魔術師たち｜リヨン美術館コレクションで巡る、印象派の世界
• 時代を超える美の探求｜リヨン美術館で出会う、ポスト印象派から抽象芸術までの道

リヨン美術館はソーヌ川とローヌ川に挟まれた場所にあり、近くには市役所、オペラ座などがあります。

そんなリヨンの中心地にあるリヨン美術館は、外観からは想像も出来ないほど、魅力が詰まった美術館です。

可能な限り時間をとって鑑賞することをお勧めします。

リヨン美術館

基本情報

Musée des Beaux-Arts de Lyon　リヨン美術館

住所：20 Place des Terreaux, 69001 Lyon, フランス

営業時間：

水曜日～月曜日　10:00~18:00
金曜日　10:30~18:00　

定休日：火曜日、祝祭日

入場料

歴史

革命以前は、サンピエール王立修道院として使用されていました。

1801年　フランスの15の都市に絵画コレクションを展示するという、Chaptalの法令が施行されました。

1803年　上記政令を受け、一般公開されました。

1834年　建築家R. Dardel (1796-1871)によって、美術館が拡張されます。

1875年～1900年　黄金時代と呼ばれるこの時期は、美術館の更なる拡張と、コレクションの収集が行われました。

1914年　自然史博物館が分離されました。

1921年　リヨンに関する歴史は、Gadagne美術館に移されました。

1935年　美術学校が分離されました。

1990年～1998年　最後の改装が行われました。

出典：リヨン美術館200年の歴史

所要時間

館内は外観のイメージよりかなり広いです。

コレクションも古代から現代アートまで様々な作品が展示されています。

足早で見ても1時間、普通に見学しても1時間半位はかかると思います。

じっくり見ると2時間以上は必要だと思います。

十分に余裕を持って訪れたい美術館です。

館内マップ　MAP

リヨン美術館　館内マップ

リヨン美術館は、フランス式2階建て（日本式3階建て）になっています。

この地図は地上階になりますので、「A」から入り、中庭を通って、「B」の所から館内に入ります。

写真の奥がテロー広場になっていて、ここで一度、セキュリティチェックを受けて中庭に入ります。

中庭までは、無料で入ることが出来ます。

ベンチもありますので、休憩することも可能です。

中庭を過ぎると美術館入り口になっていて、入館後すぐに右手に進みます。

ここにチケットカウンターがありますので、チケットをお持ちでない方は購入してください。

手荷物を預けるロッカーもありますので、不要な荷物はロッカーに預けておいてください。

1階は主に彫刻が展示されています。

続いて地上1階（日本式２階）に向かいます。

左側101番から順番に進みます。

エジプト文明から、ギリシャ、ローマ、ルネッサンス、現代まで様々なオブジェ等を見ることが出来ます。

なお、このフロアには、カフェやギフトショップがあります。

次は地上２階（日本式３階）になります。

今度は右側の201番から順番に進みます。

14世紀から現代までの絵画が中心に展示されています。

皆様ご存知の有名画家の作品が展示されているのもこのフロアです。

見どころ　コレクション

リヨン美術館の代表的な作品をご紹介します。

Pérugin (Pietro Vannucci, dit il Perugino)　ペルジーノ　1448-1523

L’Ascension du Christ　キリストの昇天

ルネサンス画家であるペルジーノの作品です。

1495年に教会の祭壇画を3年かけて製作した作品と言われています。

本来は15の部分から構成されていたものですが、現存するのは、この2枚のみとなっています。

Véronèse (Paolo Caliari, dit)　ヴェロネーゼ（パオロ・カリアリ）　1528-1588

Bethsabée au bain　バテシバの水浴　（1575)

ルネサンス後期のヴェネツィアを代表する画家として評価されています。

Nicolas Poussin　ニコラ・プッサン　1594-1665

La Fuite en Égypte　エジプト逃避

2004年に国宝に指定された作品です。

Pierre-Paul Rubens　ピエール・パウル・ルーベンス　1577-1640

L’Adoration des mages　東方三博士の礼拝　（1617～1618）

Antoine Berjon　アントワーヌ・ベルジョン　1754-1843

Fruits et fleurs dans une corbeille d’osier  柳細工の篭に入った果実と花  （1810）

リヨンの画家ベルジョンの美しい作品です。

Louis Janmot　ルイ・ジャンモ　1814-1892

Le Poème de l’âme – L’idéal　魂の詩 – 理想　　（1853～1855）

Poème de l’âme　という18点の連作の最後から2番目の作品です。

神秘主義の基礎となった作品です。

Claude Monet　クロード・モネ　1840-1926

Mer agitée à Étretat　エトルタの荒海　（1883）

ホテルの窓から捉えた海辺の眺めです。

Paul Gauguin　ポール・ゴーギャン　1848-1903

Nave Nave Mahana　ナヴェ・ナヴェ・マハナ　（1896）

Nave Nave Mahanaはマオリ語で「かぐわしき日々」という意味です。

Pierre Bonnard　ピエール・ボナール　1867-1947

Fleurs sur une cheminée au Cannet　ル・カネの家の暖炉上の花　（1927）

コントラストを生かし、独特の構図で描かれたボナールらしい作品です。

Francis Bacon　フランシス・ベーコン　1909-1992

Etude pour une corrida n° 2　闘牛のための習作 №2　（1969）

Edgar Degas 　エドガー・ドガ 　1834-1917

Le Café-concert des Ambassadeurs　カフェ・コンセール、レ・ザンバサドゥール　（1876-77）

ドガのパステル画の中でも最も有名な作品の一つです。

Auguste Rodin　オーギュスト・ロダン　(1840-1917)

聖アントニウスは、心を惑わす女たちの幻想に取りつかれていたそうです。

大理石に彫刻された、美しい躍動感は見事な出来栄えです。

カフェ & レストラン　Les Terrasses Saint-Pierre

リヨン美術館の１階（日本式２階）には、カフェ&レストランがあります。

座席はちょっと淋しい感じがしますが、壁には、Raoul Dufy の絵画が飾られています。

夏の時期は、テラスで食事することも可能です。

料金は、アントレ：９ユーロ～、メイン：１６ユーロ～、デザート：６ユーロ～位になります。

セットで頼むと22ユーロ～になり、割安になります。

（料金は変更になっている場合があります。）

営業時間：10:00 ~ 17:15

定休日：火曜日、祝日

まとめ

いかがでしたか？

訪問前は、それほど期待していなかったのですが、良い意味で期待を裏切られました。

最初の彫刻の部屋からかなり見ごたえがあり、その後、エジプト文明から、ギリシャ、ローマと続く様々な年代の作品が続きます。

さらに、最上階では数々の有名画家の絵画を見ることが出来ますので、満足度はかなり高いと思います。

リヨンを訪れた際は、必ず立ち寄って欲しい観光スポットです。

今回ご紹介しきれなかったコレクションの数々はこちらの記事で詳しくご紹介させて頂いております。

合わせてご覧になられてください。

• リヨン美術館 コレクション 彫刻と古代の旅：時代を超えた美の競演
• リヨン美術館 コレクション ルネサンスの光と影：巨匠たちが紡ぐ美の世界
• リヨン美術館 コレクション バロックの情熱：光と色彩が織りなす壮麗な時代
• 新古典主義とロマン主義の狭間で―リヨン美術館が誇る19世紀フランス・ベルギー絵画
• フランス風景画の父から魂の詩人まで｜リヨン美術館で巡る19世紀フランス絵画
• 光と色彩の魔術師たち｜リヨン美術館コレクションで巡る、印象派の世界
• 時代を超える美の探求｜リヨン美術館で出会う、ポスト印象派から抽象芸術までの道

今回も最後までお読みいただきありがとうございました。

パリからリヨンまでの日帰り旅行については、こちらで詳しくご紹介させて頂いております。

ぜひ合わせてご覧になられてください。

パリからリヨン 日帰り観光 TGVで2時間 フランス第2の都市へ 470kmの旅 完全ガイド

パリから日帰りで行ける街シリーズ。今回は、フランス第2の都市リヨンに向かいます。リヨンの歴史はとても古く、街自体は紀元前からあり、ローマ帝国の支配下で交易の中心地として栄えました。14世紀には絹織物の生産地として栄え、16世紀には金融都市と...

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2024.05.06

フルヴィエールの丘にある世界遺産、「ノートルダム大聖堂」。

リヨンのノートルダム大聖堂の特徴は、世界でも稀な上下2階建ての構造になっているところです。

上階は、豪華絢爛という言葉がまさにぴったりで、下の階はシンプルで荘厳な感じがします。

全くイメージが違う２つの教会が一つになっているノートルダム大聖堂は、まさにリヨン観光の目玉となる場所です。

それでは早速、ご紹介させて頂きます。

La Basilique Notre Dame de Fourvière フルヴィエール ノートルダム大聖堂

基本情報

La Basilique Notre Dame de Fourvière フルヴィエール ノートルダム大聖堂

住所：8 Place de Fourvière, 69005 Lyon, フランス

営業時間：07:00 ~ 20:00 （ミサ等が行われている場合は入場出来ない場合があります）

所要時間

大聖堂を前にすると、それほど大きさは感じませんが、中に入ると見どころが沢山あるので、意外と時間はかかると思います。

大聖堂は地上階と、地下の２つの構造からなっているために、2つの教会を見学することになります。

また、丘の上から見渡すリヨンの街の景色も一見の価値がありますので、そちらの時間も計算に入れておかなくてはなりません。

大聖堂は少なくとも1時間、丘からの景色に15分、合計1時間15分位は必要になるかと思います。

足早に見れば、すべて含めて1時間で何とか収まるかと思いますが、ゆっくり一つ一つ丁寧に見て行けば1時間半から2時間位必要になる場合もあります。

観光ルートに上手に組み合わせて見学してみてください。

歴史

大聖堂建築前

1168年　Olivier de ChavannesによってFourvièreの丘の上に教会が建てられました。

1562年　Baron des Adretsのプロテスタントの軍隊により、教会は破壊されました。

16世紀末には、教会は再建築されています。

1848年、教会の鐘楼部分に、Joseph-Hugues Fabisch (1812-1886)が黄金の聖母を飾ることを考案します。

1852年に実際に飾られました。

今でも12月8日に行われる「光の祭典」の起源です。

大聖堂建築

1872年に着工が始まり、1896年に完成しました。

その資金は、民間からの寄付で賄われました。

建築家Pierre Bossan (1814-1888)とLouis Sainte-Marie Perrin (1835-1917)によって建てられました。

ロマネスク建築とビザンチン建築により設計されています。

外観

大聖堂全体、周辺は写真のようになっています。

大聖堂の大きさは、長さ86メートル、幅35メートル、高さ48メートル、4つのタワーからなっています。

リヨンの街に面した方にある2つの塔は、la Prudence と Tempérance 。

広場に面した2つの塔は、la Force と la Justice になります。

正面向かって、左に見える塔が、la Force。

右に見えるのが、la Justiceになります。

こちらの塔が、Tempérance になります。

右側の奥にあるのが、LA CHAPELLE DE LA VIERGE（聖母礼拝堂）になります。

写真では少し分かりにくいですが、頂上には、黄金のマリア様が飾られています。

大聖堂の左側には、Tour métallique de Fourvière （1892~1894)が見えます。

パリのエッフェル塔ととても良く似た形をしています。

昔は登ることが出来たようですが、現在は、テレビ等の中継局のみの利用になっています。

大聖堂の前には、pape Jean Paul II （ヨハネ・パウロ二世）の像が建てられています。

実際にこの地を訪れた時に示したポーズをとっています。

リヨンの街方面の大聖堂。

こちらの塔が、la Forceになります。

こちらは、聖ミカエル像になります。

彫刻家、Paul-Émile Millefaut（1848-1907)による作品で、聖ミカエルが竜を退治するシーンです。

上部の教会に入る入り口です。

青銅の扉は、Louis Sainte-Marie-Perrinにより、設計されたものであり、入り口付近は、ノアの箱舟をイメージして作られています。

入り口にあるライオンは、Charles Dufraine（1827-1900）によって作られたものです。

内観

ノートルダム大聖堂の内部はとても特殊で、上下、2つの教会からなっています。

ヨーロッパで沢山の教会を見てきましたが、このスタイルは本当に珍しいです。

上側はとても豪華に作られていますが、下側はどちらかと言うと質素に出来ています。

特に、上側は素材にも非常にこだわりを持って作られていて、カラーラの白い大理石、イタリア北部のピンクの花崗岩、サヴォイの青い大理石、グリーンオニキス、銀と金のかけらなどが使用されています。

上部の教会　La basilique

教会内に入ってまず驚かされるのが、その豪華さです。

豪華絢爛という言葉ぴったりの内部になっています。

Saint-Josephの描かれた天井。

こちらはマリア様が描かれています。

L’Annonciation（受胎告知）

Jeanne d’Arc délivrant Orléans（モザイク画）

les ateliers Martin de Parisによって6枚の壁のモザイクが描かれてます。

le vœu de Louis XIII（ルイ13世の願い）

1632～1638年、ルイ13世は聖母マリア様に跡継ぎが生まれたらフランスを聖母に捧げるという誓いました。

実際にその後、2人の跡継ぎに恵まれています。

la Bataille de Lépante（レパントの戦い）

1571年、オスマン帝国とスペイン、教皇などの連合軍との海戦の様子が描かれています。

連合軍の勝利により、ヨーロッパの歴史に多大な影響を与えました。

 l’arrivée de Saint Pothin à Lyon（Saint Pothinの到着）

le Concile d’Ephèse（エフェソス評議会）

 l’Immaculée Conception（無原罪の御宿り）

Le Choeur（祭壇）は、1892年、Paul-Émile Millefaut（1848-1907)により製作されました。

マリア様が、アダムとイブの束縛を破り、地獄から救い出すことを示しています。

床も様々な種類の大理石で非常に綺麗に作られています。

精巧な幾何学模様で埋められています。

天井や、壁だけでなく、床も鑑賞して欲しい場所です。

ステンドグラス

Confesseurs  (1898)

Martyrs (1898)

Anges (1904)

 Patriarches (1921)

下部の教会　LA CRYPTE

la sagess (1898-1900)

上部の教会から、下部の教会に向かう階段に、Charles Dufraine (1827-1900) の彫刻があります。

la sagess （賢者）と名付けられたこの作品は、彼の最後の作品と言われています。

地下に降りる階段の途中にもマリア様の彫刻があります。

下部の教会の出入口です。

Saint Joseph （聖ヨセフ）のために作られた教会です。

上部の教会とは打って変わって、とても静寂な感じがします。

祭壇は、Saint Joseph （聖ヨセフ）に捧げられています。

写真では見えませんが、聖ヨセフ像が置かれている床には、「7つの大罪」が描かれています。

• acedia　無関心
• gula　飽食
• luxuria　暴動
• superbia　プライド
• ira　怒り
• invidia　羨望
• avaricia　貪欲

これら「7つの大罪」を足元に描くことによって、聖ヨセフがそれらを支配していることを示しています。

つまり、悪に対する善の勝利の象徴でもあるのです。

4つに分割されている天井は、上部の教会の雰囲気があります。

Notre-Dame de Guadalupe （グアダルーペの聖母）

2014年に飾られました。

グアダルーペの聖母は、1531年に、メキシコ、グアダルーペに現れた聖母のことです。

Notre-Dame de czestochowa （チェンストホバの聖母）

2002年に飾られました。

1832年にエルサレムから運ばれ、、ヤスナ・グラ修道院に安置されています。

Notre dame de Fatima （ファティマの聖母）

1916年、3人の子供の前に、聖母が現れました。

様々なメッセージを伝えたと言われています。

「ファティマ第3の予言」は有名な話です。

The Irish Madonna of Gyor

1697年、聖母は、3時間に渡って、血の涙を流したと言われています。

Notre dame d’Afrique （アフリカの聖母）

1872年、アフリカ、アルジェの大聖堂に奉納されました。

Notre dame du Liban （レバノンの聖母）

1904年に設立された15トンの巨大な銅像です。

Notre dame de la Naval (マニラの聖母）

1646年、オランダ軍に攻められた時に、聖母に祈ることによって勝利を得たと言われています。

Notre dame de velankanni （ベランカニの聖母）

インドのベランカニに表れた聖母。

16世紀に2度現れ、17世紀には、ポルトガル船の船員を救出したと言われています。

フールヴィエールの丘からの景色

大聖堂の脇、フールヴィエールの丘からの景色はとても見ごたえがあります。

リヨンの街を一望出来ますので、ぜひ帰りに立ち寄ってください。

右側からも見えますが、左側からの方がスペースも広く見やすいと思います。

まとめ

いかがでしたか？

今回、紹介する順番が、上部の教会から下部の教会になってしまいましたが、Pierre Bossanの意図としては、下部の教会から上部の教会という順番が正しい見学のルートになるようです。

私自身も上部の教会から見学してしまいましたが、これから訪れる方は、ぜひ下部の教会から上部の教会へと見学されることをお勧めします。

沢山見どころのある大聖堂のため、すべてをお伝えすることは出来ませんが、少しだけでもお伝えすることが出来れば幸いです。

今回も最後までお読み頂きありがとうございました。

なお、パリからリヨンまでの日帰り旅行については、こちらで詳しくご紹介させて頂いております。

ぜひ、合わせてご覧になってください。

パリからリヨン 日帰り観光 TGVで2時間 フランス第2の都市へ 470kmの旅 完全ガイド

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2024.05.06