フランス、ナンシーに位置する美術館は、革新的な芸術が花開いた20世紀前半のフランス絵画の重要なコレクションを誇ります。この記事では、鮮烈な色彩で視覚の革命を起こしたフォーヴィスム、そしてその後の多様なモダニズム、そして力強い具象表現を追求した画家たちの作品に焦点を当てます。アルベール・マルケの詩情あふれる水辺の風景から、ラウル・デュフィの祝祭的な色彩、そしてフジタ（藤田嗣治）の繊細な筆致、モディリアーニの独特の人物像まで、ナンシー美術館が所蔵する珠玉の作品群を通じて、彼らがどのような表現を追求したのかを探ります。

Albert Marquet　（1875-1947）

アルベール・マルケは、20世紀前半のフランスを代表する画家の一人です。彼は、アンリ・マティスと共にフォーヴィスム（野獣派）の一員と見なされながらも、その後のキャリアでは、より穏やかで詩的な画風を確立し、特に港や水辺の風景を好んで描きました。

ボルドーで生まれ、パリの国立高等美術学校（エコール・デ・ボザール）でギュスターヴ・モローに師事しました。そこでマティスやジョルジュ・ルオーといった後のフォーヴィスムの画家たちと出会い、彼らと共に色彩の解放と表現の自由を追求しました。

La Seine au Pont-Neuf, effet de brouillard　（1906）

「ポン・ヌフのセーヌ川、霧の効果」（La Seine au Pont-Neuf, effet de brouillard）は、セーヌ川とパリの象徴的な橋・ポン・ヌフを、霧に包まれた柔らかな光景として描いた風景画です。

Pierre Laprade　（1875-1931）

ピエール・ラプラーデは、20世紀初頭にフランスで活躍した画家です。彼は、ポスト印象主義やナビ派の影響を受けながらも、独自の繊細な色彩感覚と、内面的な感情や詩情を表現する画風を確立しました。

フランス南西部のナルボンヌで生まれ、パリで学びました。特に、ナビ派のポール・セリュジエやモーリス・ドニといった画家たちと交流し、彼らから色彩の象徴性や装飾性について多くを学びました。しかし、彼はナビ派の厳密な理論に固執することなく、より個人的で抒情的な表現を追求しました。

Le Voilier (1906/07)

「ヨット」（Le Voilier）は、穏やかな海に浮かぶ帆船（ヨット）を描いた詩情あふれる風景画で、彼の抒情的かつ静謐な画風をよく表しています。

本作では、柔らかな色調と簡潔な筆致により、海と空、帆船が一体となった静かな情景が描かれています。印象派の影響を受けつつも、ラプラーデ特有の控えめで洗練された構成が、見る者に深い安らぎと余韻を与えます。

Raoul Dufy　（1877-1953）

ラウル・デュフィは、20世紀前半のフランスを代表する画家であり、色彩の魔術師として知られています。彼は、フォーヴィスム（野獣派）の鮮やかな色彩を基盤としつつ、独自の軽やかで装飾的なスタイルを確立し、パリやフランス各地の活気ある風景、祭り、競馬、音楽会、ヨットレースといった、喜びと優雅さに満ちた主題を好んで描きました。

Paysage d’Avila (1949)

「アビラの風景」（Paysage d’Avila）は、彼の代名詞ともいえる鮮やかで軽やかな色彩と、リズミカルな描線による独特のスタイルが存分に発揮されています。アビラはスペインのカスティーリャ・イ・レオン地方にある歴史的な都市で、中世の城壁で囲まれた特徴的な景観で知られています。

Sainte-Adresse Nuit (1924/25) 上段

Sainte-Adresse Jour (1924/25) 下段

「サント＝アドレス 夜」（Sainte-Adresse Nuit）と「サント＝アドレス 昼」（Sainte-Adresse Jour）は、フランスのノルマンディー地方にある海岸リゾート地、サント＝アドレスを描いた油彩画です。

Jean Frélaut　（1879-1954）

ジャン・フレローは、20世紀前半のフランスで活躍した画家、そして特に版画家として知られています。彼は、ブルターニュ地方に深く根ざした芸術家であり、素朴で詩的な風景や、人々の日常生活、特に農村や漁村の情景を好んで描きました。

Vannes vue de Longles (1922) 上段

Victor Guillaume (1880-1942)  Moselle à Liverdun (1922) 下段

「ヴァンヌ、ロングルより望む」（Vannes vue de Longles）は、ブルターニュ地方の都市ヴァンヌの風景が、おそらく「ロングル」（Longles）と呼ばれる高台や特定の地点から眺められた形で描かれています。

下段のヴィクトール・ギヨーム（Victor Guillaume）も同時期に活躍した画家で、故郷ロレーヌ地方の風景を独自の視点で捉え、その繊細な光と色彩、そして大気感を表現したことで知られています。「リヴェルダンにおけるモゼル川」（Moselle à Liverdun）は、ロレーヌ地方を流れるモゼル川とその岸辺の風景が描かれています。

André Derain　（1880-1954）

アンドレ・ドランは、20世紀前半のフランスを代表する画家であり、フォーヴィスム（野獣派）の創始者の一人として知られています。しかし、彼はその鮮烈な色彩表現に留まらず、後により古典的な秩序と形態の探求へと移行するなど、常に自身の芸術を変化させ続けた画家です。

Paysage de Provence　（1921/1924）

「プロヴァンスの風景」（Paysage de Provence）は、プロヴァンス地方の明るい風景を描きながらも、彼の探求した重厚な色彩とフォルムが特徴です。

Max Pechstein　（1881-1995）

マックス・ペヒシュタインは、20世紀初頭のドイツを代表する画家であり、ドイツ表現主義（German Expressionism）の主要なグループであるブリュッケ（Die Brücke、橋）の創設メンバーの一人として知られています。彼は、伝統的なアカデミックな絵画に反発し、内なる感情や精神性を表現するために、力強い色彩と荒々しい筆致を追求しました。

Paysage (1912)

「風景」（Paysage）は、写実的な色彩にとらわれず、画家の内面的な感情や、風景が持つエネルギーを表現するために、大胆で非自然的な色彩が用いられています。

Maurice Utrillo　（1883-1955）

モーリス・ユトリロは、20世紀前半のフランスを代表する画家で、特にパリのモンマルトルの街並みを愛し、その風景を描き続けたことで知られています。彼は、「白の時代」と呼ばれる独自の画風を確立し、パリの画家としてその名を確立しました。

Rue Lepic, le Moulin de la Galette (1921-25) 下段

Marie-Louise Siméon   Quai des Orfèvres à Paris (1937)　上段

「ルピック通り、ムーラン・ド・ラ・ギャレット」（Rue Lepic, le Moulin de la Galette）は、モンマルトルの象徴であるムーラン・ド・ラ・ギャレットとその周辺のルピック通りの情景を描いています。

マリー＝ルイーズ・シメオンは、20世紀に活動したフランスの画家です。「パリのオルフェーヴル河岸」（Quai des Orfèvres à Paris）は、シメオンが愛したパリの街並み、特にセーヌ川沿いの象徴的な場所であるオルフェーヴル河岸（Quai des Orfèvres、ノートルダム大聖堂やシテ島に近い場所）を描いたものです。

Amedeo Modigliani　（1884-1920）

アメデオ・モディリアーニは、20世紀初頭にパリで活躍したイタリア出身の画家、彫刻家です。彼の作品は、細長い首、アーモンド形の目、そしてどこか憂いを帯びた表情を持つ人物像で知られ、独特の様式美を確立しました。彼の生涯は短く、貧困と病、そしてアルコールや薬物への依存に苦しみながらも、燃えるような情熱で芸術を追求しました。

Germaine Survage　（1918）

「ジェルメーヌ・シュルヴァージュ」（Germaine Survage）は、ロシア出身のフランス人画家であるレオポルド・シュルヴァージュ（Léopold Survage, 1879-1968）の妻、ジェルメーヌ・シュルヴァージュを描いた作品です。

モディリアーニの肖像画に共通する特徴、すなわち細長い首、卵形の顔、そしてアーモンド形の瞳（しばしば瞳孔が描かれない）を持っています。

Pierre Dumont　（1884-1936）

ピエール・デュモンは、20世紀初頭にフランスで活動した画家であり、特にルーアン派（Groupe de Rouen）の中心人物として知られています。彼は、ポスト印象主義やキュビスム、そしてフォーヴィスムといった当時の主要な芸術運動から影響を受けつつも、独自の表現を追求し、故郷ノルマンディー地方の風景や都市の情景を描き続けました。

Cathédrale de Rouen (1925)

「ルーアン大聖堂」（Cathédrale de Rouen）は、故郷ルーアンの象徴であるルーアン大聖堂を、彼の成熟した画風で描いたものです。

Léonard Tsugouharu Foujita　（1886-1968）

レオナール・フジタ（本名：藤田 嗣治）は、20世紀前半にパリを拠点に活躍した日本人画家であり、エコール・ド・パリ（パリ派）を代表する芸術家の一人として国際的に高い評価を得ました。彼は、西洋画の技法に日本の伝統的な絵画（浮世絵や日本画）の要素を融合させた独自のスタイルを確立し、「乳白色の肌」と称される裸婦像で一世を風靡しました。

Mon intérieur Nature morte à l’accordéon (1922)

「私の室内、アコーディオンのある静物」（Mon intérieur Nature morte à l’accordéon）は、パリで活躍していたエコール・ド・パリの絶頂期に描かれたもので、彼の特徴的な「乳白色の肌」の裸婦像とは異なる、室内画と静物画のジャンルにおける彼の才能と、日本的な美意識と西洋画の融合が示されています。

Jacques Majorelle　（1886-1962）

ジャック・マジョレルは、20世紀前半に活躍したフランスの画家です。彼は特にモロッコに深く魅せられ、その地の風景、光、文化、そしてそこに暮らす人々を鮮やかで独特の色彩で描き続けました。彼の作品と、彼がマラケシュに創設した庭園「マジョレル庭園（Jardin Majorelle）」は、今日でも世界的に知られています。

Le Souk des Tapis, Marrakech (1924)

「マラケシュの絨毯市場」（Le Souk des Tapis, Marrakech）は、マジョレルが深く愛したモロッコの都市、マラケシュの活気ある絨毯市場の情景を描いたもので、彼の鮮やかで独特な色彩感覚と、異国情緒あふれる題材への関心が強く表れています。

Ighil N’oro le Mellah (1922)

「イギル・ン・オロのメッラー」（Ighil N’oro le Mellah）は、マジョレルが深く魅せられたモロッコの風景と、その地のユダヤ人地区であるメッラー（Mellah）を題材にしたものです。「イギル・ン・オロ」という地名から、アトラス山脈などの山岳地帯に位置する場所の情景が描かれていると推測されます。

André Fraye　（1889-1963）

アンドレ・フレイは、20世紀前半から中期にかけてフランスで活動した画家です。彼は、キュビスムなどの同時代の前衛的な動きに触れながらも、独自の具象的な画風を確立し、工業地帯の風景、都市の情景、そして静物画を主要なテーマとしました。特に、機械や工場といった近代的な主題を、詩的かつ力強く描いたことで知られています。

Port de Cassis （1920）　上段

Edmond sigris（1882-1947）  ,  Menton le port （1937）　下段

「カシス港」（Port de Cassis）は、フランス南部の地中海沿岸のリゾート地であるカシス港を描いたもので、彼の堅実な構成力と、色彩、光の表現が示されています。

エドモン・シグリは、20世紀前半にフランスで活動した画家です。「マントン港」（Menton le port）は、南フランスの地中海沿岸に位置する美しい町、マントンの港の情景を描いたものです。

Moïse Kisling　（1891-1953）

モイーズ・キスリングは、20世紀前半にパリで活躍したポーランド出身の画家で、エコール・ド・パリ（パリ派）の主要メンバーの一人として知られています。彼は、甘美で憂いを帯びた女性像や子供の肖像画を多く手がけ、その独特の色彩と洗練された筆致で人気を博しました。

Paysage du midi (1937)

「南仏の風景」（Paysage du midi）は、人物画で知られるキスリングが手がけた風景画であり、彼の洗練された色彩感覚と、地中海地方の明るい光と雰囲気を捉える才能が示されています。キスリングは、南仏の温暖な気候と豊かな自然を愛し、しばしばこの地の風景を描きました。

François Desnoyer　（1894-1972）

フランソワ・デノワイエは、20世紀に活動したフランスの画家です。彼は、フォーヴィスムやキュビスムといった当時の主要な芸術運動の影響を受けつつも、独自の鮮やかで力強い色彩表現と、地中海沿岸の風景や活気ある情景を題材にした作品で知られています。

L’escale (1940)

「寄港地」（L’escale）は、地中海沿岸の風景、特に港の情景を題材としており、彼の鮮やかで力強い色彩表現と、構成力が明確に示されています。制作された1940年という時期は第二次世界大戦中でありながらも、作品にはデノワイエらしい生命力と色彩への情熱が感じられます。

Édouard Pignon　（1905-1993）

エドゥアール・ピニョンは、20世紀後半にフランスで活躍した画家です。彼は、キュビスムや抽象表現といった当時の前衛的な芸術運動から学びながらも、独自の力強く、表現豊かな具象画を追求しました。特に、労働者、闘牛、海、そして風景といったテーマを、ダイナミックな構図と色彩で描き出しました。ピカソと親密だった画家です。

La Veillée (1937)

「通夜」（La Veillée）は、おそらく亡くなった人物のために集まった人々、あるいは困難な状況の中で夜を過ごす人々が描かれています。

Georges Dayez　（1907-1991）

ジョルジュ・ダイエは、20世紀に活動したフランスの画家、リトグラフ作家です。彼は、具象的なスタイルを維持しつつ、色彩豊かなパレットと、都市風景、人物、静物といった日常的な主題に詩情を見出すことで知られています。

Les dentellières de Burano (1951)

「ブラーノ島のレース編み職人たち」（Les dentellières de Burano）は、ダイエがイタリアのヴェネツィア近郊にあるブラーノ島を訪れた際に描かれたもので、彼の色彩豊かなパレットと、日常の情景に詩情を見出す才能がよく表れています。ブラーノ島は、鮮やかな色彩の家々と、伝統的なレース編みで有名な島です。

まとめ

ナンシー美術館に収蔵されているこれらの作品は、20世紀前半のフランス芸術がいかに多様で創造的であったかを雄弁に物語っています。アルベール・マルケやラウル・デュフィが切り開いた色彩の自由、モーリス・ユトリロが描いたパリの街角の詩情、そしてアメデオ・モディリアーニや藤田嗣治といったエコール・ド・パリの画家たちが確立した独自のスタイルは、今も私たちを魅了し続けています。また、マックス・ペヒシュタインのようなドイツ表現主義の画家が、どのようにフランスの地で独自の表現を確立していったかを知ることもできるでしょう。

この記事を通じて、彼らの芸術への情熱と、作品に込められた深いメッセージを感じていただけたなら幸いです。ナンシー美術館を訪れる際には、これらの傑作が放つ唯一無二の輝きをぜひ肌で感じてみてください。

ナンシー美術館の概要についてはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館 ルーベンス カラヴァッジョ ドラクロワから印象派 現代美術までフランス最古の美術館へ行こう

ナンシー美術館に展示されている作品については、以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館でルネサンス芸術の輝きを体験！西洋絵画の夜明けを巡る旅
• ナンシー美術館で「知られざる巨匠たち」を発見！マニエリスムの魅惑的な世界を巡る旅
• 17世紀バロックの輝き：ナンシー美術館で出会う巨匠たちの光と影
• 壮麗なるバロックの調べ：ナンシー美術館で巡る17世紀後半の輝き
• ナンシー美術館が誘う、フランス絵画の黄金時代：17世紀バロックからロココの輝きへ
• フランス19世紀絵画の宝庫！ナンシー美術館で出会う巨匠たちの魂・アカデミズム・写実主義・ロマン主義
• 光と色彩の交響曲！ナンシー美術館で巡る新印象派・象徴主義・ナビ派の傑作
• 色彩が躍動する魂の表現！ナンシー美術館で出会うフォーヴィスムとモダニズムの傑作

地下にあるドームコレクションはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ドーム兄弟 コレクション ナンシー美術館の地下にある壮大なガラス作品

フランス東部の文化都市ナンシーに位置するナンシー美術館は、19世紀後半から20世紀初頭にかけての革新的なフランス絵画の宝庫です。この記事では、従来の芸術の枠を超え、新たな表現を追求した新印象派、内面世界を深く掘り下げた象徴主義、そして個性豊かなナビ派の画家たちの魅力に迫ります。アンリ・ジェルヴェクスの洗練された肖像画から、イポリット・プティジャンの緻密な点描、ヴィクトール・プルーヴェのアール・ヌーヴォーの輝き、そしてアンリ・マティスの色彩への情熱まで、彼らが紡ぎ出した光と色彩の物語を、ナンシー美術館のコレクションからご紹介します。

Henri Gervex　（1852-1929）

アンリ・ジェルヴェクスは、19世紀後半から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家です。彼は、伝統的なアカデミズムの訓練を受けながらも、印象派の影響を取り入れ、ベル・エポック期のパリの社会や風俗を巧みに表現したことで知られています。

Portrait de Colette Gervex (1910)

「コレット・ジェルヴェクスの肖像」（Portrait de Colette Gervex）は、娘であるコレット・ジェルヴェクスを描いた肖像画です。

Hippolyte Petitjean　（1854-1929）

イポリット・プティジャンは、19世紀末から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家で、点描主義、特に新印象派の代表的な画家の一人として知られています。

マコン（Mâcon）で生まれ、パリのエコール・デ・ボザール（国立高等美術学校）でピエール・ピュヴィ・ド・シャヴァンヌやアンリ・ルマンに師事しました。アカデミックな訓練を受けた後、彼はジョルジュ・スーラやポール・シニャックといった新印象主義の画家たちと出会い、彼らの提唱する科学的な色彩理論、すなわち点描技法に深く傾倒していきました。

Jeune femme assise (1892)

「座る若い女性」（Jeune femme assise）は、画面全体が、無数の小さな色の点によって構成されています。これらの点が視覚的に混色され、光と色彩の輝きを生み出しています。肌の質感、衣服のひだ、背景の色合いまで、すべてが点の集合で表現されているため、独特の柔らかな質感が特徴です。

Henri-Edmond Cross　（1856-1910）

アンリ＝エドモン・クロスは、19世紀末から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家で、新印象主義（Neo-Impressionism）の主要な画家の一人として知られています。本名をアンリ＝エドモン＝ジョゼフ・ドラクロワ（Henri-Edmond-Joseph Delacroix）といいましたが、有名なロマン主義画家ウジェーヌ・ドラクロワと区別するため、後に「クロス」という姓を用いるようになりました。

初期の作品は写実主義や印象主義の影響が見られましたが、1884年にジョルジュ・スーラやポール・シニャックらと共にアンデパンダン美術家協会を共同設立したことが転機となります。

Après-midi à Pardigon (1907)

「パルディゴンでの午後」（Après-midi à Pardigon）は、南フランスのサン＝クレールに移住して以降、好んで描いた地中海の風景を主題としています。

La Ferme, matin (1893)

「農場、朝」（La Ferme, matin）は、サン＝クレールに移住して間もない時期の作品です。

Victor Prouvé　（1858-1943）

ヴィクトール・プルーヴェは、19世紀末から20世紀半ばにかけてフランスで活躍した多才な芸術家です。彼は特に、アール・ヌーヴォー運動の中心地の一つであったナンシー派（École de Nancy）の主要人物として知られています。

ナンシー派の創設者であるエミール・ガレの親友であり、協力者でもありました。ガレの死後、彼はナンシー派の会長を引き継ぎ、その活動を牽引しました。

L’île heureuse (1902)

「幸福の島」（L’île heureuse）は、現実離れした、理想化された場所を示唆しており、単なる風景画ではなく、精神的な安らぎや理想の追求といった象徴主義的なテーマが込められていると考えられます。これは、当時の世紀末芸術の潮流とも共鳴しています。

La Joie  de vivre (1904)

「生の喜び」（La Joie de vivre）は、陽光の下、自由で幸福に満ちた人物たちが、自然の中で生き生きと描かれています。この作品も象徴主義の精神を融合させた作品です。

Les Voluptueux (1889)

「快楽を求める人々」（Les Voluptueux）は、感覚的な喜びや享楽に身をゆだねる人々を指し、当時の社会における快楽主義的な側面や、人間存在の複雑な心理を探求していると考えられます。

Théophile Alexandre Steinlen　（1859-1923）

テオフィル・アレクサンドル・スタンランは、19世紀末から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家、版画家、イラストレーターです。彼は特に、モンマルトルのボヘミアンな生活と、社会批評的な視点を融合させた作品で知られています。彼は、当時の芸術家や作家が集まる有名なキャバレー「ル・シャ・ノワール」（Le Chat Noir、黒猫）の常連となり、そのポスターやプログラムの挿絵を手がけることで名声を確立しました。

Les Éléments. Formes et couleurs (1900)

「要素。形と色彩」（Les Éléments. Formes et couleurs）は、彼の象徴的な思考と、当時のアール・ヌーヴォーや象徴主義の潮流が融合した一面を示していると考えられます。タイトルから、「要素（Éléments）」と「形と色彩（Formes et couleurs）」という抽象的な概念を、具体的な視覚イメージとして表現しようとした試みであることが伺えます。

L’Application à la décoration des brodeuses au métier et à l’aiguille (1900) 上段

Fête de nuit (1900) 下段

「織機と針による刺繍装飾への応用」（L’Application à la décoration des brodeuses au métier et à l’aiguille）と「夜の祭り」（Fête de nuit）は、スタンランの多才な一面を示す作品です。

Aristide Maillol　（1861-1944）

アリスティド・マイヨールは、20世紀初頭のフランスを代表する彫刻家であり、近代彫刻の巨匠の一人です。彫刻家として活動するのは40歳を過ぎてからであり、こちらの作品は画家として活動していた時の作品です。

Le pauvre pêcheur (1881)

「哀れな漁師」（Le pauvre pêcheur）は、漁師が小舟に座り、うなだれるように沈思している姿を描いたもので、孤独・絶望・人間の存在に対する深い内省を表現しています。静けさと緊張が共存する構図で、マイヨールは人物を理想化せず、内面的な苦悩を彫刻的な静けさの中に封じ込めました。

Camille Martin　（1861-1898）

カミーユ・マルタンは、フランスの画家・装飾芸術家・イラストレーターで、アール・ヌーヴォーの初期に活躍した人物です。

ナンシー派（École de Nancy）の一員として知られ、自然や植物をモチーフにした装飾的デザインを多く手がけました。特に壁画、ステンドグラス、家具デザインの分野で才能を発揮し、詩情豊かな曲線や色彩感覚が特徴です。建築家エミール・アンドレと協働することもあり、総合芸術としての空間装飾に貢献しました。

Après l’enterrement (1889)

《Après l’enterrement》「葬式のあと」は、葬儀の後に残された人々の静けさと哀しみを、抑制された色彩と構図で詩的に描いています。日常の一場面を通じて死と喪失を象徴的に表現し、アール・ヌーヴォー的な装飾性と象徴主義の精神性が融合しています。

Émile Friant　（1863-1932）

エミール・フリアンは、19世紀末から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家です。彼は特に、写実主義（リアリズム）と自然主義（ナチュラルイズム）の系譜に位置づけられ、人物画、肖像画、そして日常の情景を細密に描写することで知られています。

アレクサンドル・カバネルに師事し、早くからその才能を認められ、弱冠20歳でサロンに入選を果たし、後に様々な賞やメダルを獲得しました。

Madame Petitjeon (1883) 左側

La cuisinière (1887) 右側　カブの皮をむいている自身の母親です。

エミール・フリアンの「プチジャン夫人」（Madame Petitjean）は、落ち着いた表情の女性が室内で静かに座っている様子が丁寧に描かれており、当時のブルジョワ女性の品位や知性が感じられます。フリアン特有の緻密な筆致と繊細な陰影表現により、人物の存在感と心理的深みが際立っています。

モデルであるプチジャン夫人は、画家と親交のあった人物の妻であり、作品は単なる写実にとどまらず、親密なまなざしで捉えられた個人的な敬意と愛情が込められています。フリアンの卓越した肖像技術を示す代表作のひとつです。

「料理女」（La cuisinière）は、エプロンをつけた女性が調理中あるいは休憩中の姿で描かれており、労働者階級の女性の慎ましさや勤勉さが感じられます。フリアンは、写実的な細部描写と柔らかな光の効果を通じて、平凡な日常に美と尊厳を見出しています。

Les amoureux (1888)

「恋人たち」（Les amoureux）は、向かい合う二人の若者が、互いに視線を交わしながらもどこか控えめな距離感を保っており、初々しさや内気な感情が繊細に表現されています。フリアン特有の緻密な筆致と柔らかな自然光の描写が、情感豊かな空気感を生み出しています。

La Douleur (1898)

「苦痛」（La Douleur）は、人間の深い悲しみや喪失の感情を描いた象徴的な作品で、彼の写実主義と心理描写の巧みさが際立つ一作です。黒衣の女性が深い嘆きに沈む姿が描かれ、背景の暗さや静けさが感情の重さを強調しています。過剰な演出を避け、静かで抑制された表現によって、内面の苦悩がより強く伝わってきます。

Jeune Nancéienne dans un paysage de neige (1887)

「雪景色の中の若いナンシーの女性」（Jeune Nancéienne dans un paysage de neige）は、故郷ナンシーの冬の情景と、そこに暮らす人々の姿を描いたものです。雪に覆われた静かな風景の中で、厚着をした女性がひとり佇む姿が描かれており、寒さの中に漂う静けさや孤独、そして内省的な雰囲気が印象的です。フリアンは、緻密な筆致と淡い色彩で雪の透明感を巧みに表現し、人物と風景を一体化させています。

Le sculpteur Bussière dans son atelier (1884)

「アトリエの彫刻家ビュシエール」（Le sculpteur Bussière dans son atelier）は、彫刻家ギュスターヴ・ビュシエール（Gustave Bussière）をその制作の場で描いた肖像画で、芸術家の日常と創作の雰囲気をリアルに捉えた作品です。彫刻家が自身のアトリエで作品に向き合う姿が丁寧に描かれており、周囲には制作途中の像や道具が並び、創作の空気が濃密に伝わってきます。フリアンは、光と陰影、細部描写を駆使して、彫刻家の集中力や静かな情熱を浮かび上がらせています。

Les Jours heureux (1895)

「幸福な日々」（Les Jours heureux）は、穏やかで充実した家庭のひとときを描いた作品で、人間関係の温かさや日常の安らぎをテーマにした写実的絵画です。親密な雰囲気の中でくつろぐ家族や恋人たちが描かれており、柔らかな自然光や落ち着いた色調が、静かな幸福感を醸し出しています。フリアン特有の細やかな筆致と人物の表情描写により、平凡な日常の中にあるかけがえのない喜びが繊細に表現されています。

Paul Sérusier　（1864-1927）

ポール・セリュジエは、19世紀末から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家で、ナビ派（Nabis）の理論的指導者として知られています。彼は、印象派の写実的な描写から脱却し、象徴主義的な表現と色彩の精神性を追求しました。

Paysage d’automne (1914) 左側

Paysage breton (1906) 右側

「秋の風景」（Paysage d’automne）は、秋の風景に見られる赤、黄、茶といった色彩が、単なる自然の色としてではなく、画家の内面的な感情や、季節が持つ象徴的な意味合い（豊穣、衰退、あるいは移ろいゆく時の流れなど）を表現するために用いられています。

「ブルターニュの風景」（Paysage breton）は、ブルターニュの風景を通して色彩と形態の精神性を探求した作品です。

Suzanne Valadon　（1865-1938）

シュザンヌ・ヴァラドンは、19世紀末から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家です。彼女は、女性画家としては珍しく、アカデミーでの正規の教育を受けず、独学でその才能を開花させました。 また、数多くの芸術家のモデルを務めながら、自らの芸術を確立していった異色の経歴を持つことでも知られています。

エドガー・ドガ、ピエール＝オーギュスト・ルノワール、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックといった当時の著名な画家たちのモデルを務め、その中で彼らの制作過程や技法を直接学びました。特にドガは彼女の才能を認め、絵画制作を奨励しました。

ソシエテナショナルデボザールに初めて出展した女性でもあり、様々な分野で活躍した先駆者的な女性です。

また、ユトリロの母でもあります。

Femme aux bas blancs (1924)

「白いストッキングの女」（Femme aux bas blancs）は、ヴァラドン特有の力強く、はっきりとした輪郭線によって表現されています。これにより、人物に彫刻のような量感と、確固たる存在感が与えられています。

Le Lancement du filet (1914)

「網を投げる人」（Le Lancement du filet）は、漁師という職業の過酷さや、網を投げるというシンプルな動作の中に宿る力、そして労働者の尊厳を真摯に描いています。

Ker-Xavier Roussel　（1867-1944）

ケル＝グザヴィエ・ルーセルは、19世紀末から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家で、ナビ派（Nabis）の主要メンバーの一人として知られています。彼は、ナビ派の仲間であったエドゥアール・ヴュイヤールとは義理の兄弟（ルーセルはヴュイヤールの妹マリーと結婚）であり、深い親交がありました。

L’Enfance  de Jupiter 

「ユピテルの幼少期」（L’Enfance de Jupiter）は、古代ギリシャ・ローマ神話の世界を扱ったものです。

ユピテルは、父クロノス（サトゥルヌス）に食われるのを避けるため、母レアー（レアー）によってクレタ島に隠され、ニンフや山羊のアマルテイアに育てられたとされています。

Henri Matisse　（1869-1954）

アンリ・マティスは、20世紀前半のフランスを代表する画家、彫刻家、版画家であり、パブロ・ピカソと並び称される近代美術の巨匠の一人です。彼は特に色彩の魔術師として知られ、フォーヴィスム（野獣派）のリーダー的存在として、伝統的な絵画の枠組みを打ち破りました。

Jeune fille à la blouse jaune, Marguerite Matisse (1921)

「黄色いブラウスの少女、マルグリット・マティス」（Jeune fille à la blouse jaune, Marguerite Matisse）は、マティスの娘であるマルグリット・マティス（Marguerite Matisse, 1894-1982）を描いた作品です。ブラウスの黄色が、背景や肌の色とどのように響き合い、見る者にどのような感情を呼び起こすかが追求されています。

Georges Dufrénoy　（1870-1943）

ジョルジュ・デュフレノワは、20世紀前半にフランスで活躍した画家です。彼は、フォーヴィスム（野獣派）やキュビスムといった当時の前衛的な潮流を吸収しつつも、独自の色彩感覚と堅実な構成力で、都会の風景や静物画、室内画を制作しました。

Port de Gènes (1914)

「ジェノヴァ港」（Port de Gènes）は、港の建物や船、海がデュフレノワ独特の装飾的かつ大胆な色面で構成されており、写実性よりも画面全体のリズムと色彩の調和が重視されています。赤や青などの強い色彩が躍動感と近代都市の活気を表現し、印象派やフォーヴィスムの影響が感じられます。

Georges Rouault　（1871-1958）

ジョルジュ・ルオーは、20世紀前半のフランスを代表する画家であり、宗教的・社会的な主題をステンドグラスのような厚い輪郭線と重厚な色彩で表現したことで知られています。彼は、敬虔なカトリック教徒としての深い信仰と、社会に対する鋭い批判精神を芸術に込めました。

パリで生まれ、幼い頃からステンドグラス職人のもとで働き、後に国立高等装飾美術学校で学び、ギュスターヴ・モローに師事しました。モローは、ルオーの才能を見出し、彼に精神性を重視するよう教えました。モローの死後、ルオーは画風を大きく転換させ、独自の表現を確立していきます。

宗教的な作品が多いですが、作品に対してストイックなため、未完の作品を300点ほど燃やしてしまった話は有名です。

Pierrotins (1932)

「ピエロたち」（Pierrotins）は、道化師（ピエロ）を主題とした彼の特徴的な作品群のひとつで、人間の哀しみや孤独を象徴的に表現した絵画です。

ルオーにとって道化師は、ただの娯楽を提供する存在ではなく、人間の孤独、悲劇性、そして社会の不条理を象徴する存在でした。彼らは外面的な陽気さの裏に、深い悲しみや苦悩を秘めており、ルオー自身の人間に対する深い洞察と共感が込められています。

まとめ

ナンシー美術館に収蔵されているこれらの作品群は、19世紀末から20世紀初頭という激動の時代に、画家たちが伝統に抗い、あるいは取り込みながら、いかにして新しい芸術の地平を切り開いていったかを雄弁に物語っています。イポリット・プティジャンやアンリ＝エドモン・クロスが追求した科学的な色彩理論、ヴィクトール・プルーヴェやテオフィル・アレクサンドル・スタンランが描いた象徴的な世界、そしてポール・セリュジエやケル＝グザヴィエ・ルーセルといったナビ派の画家たちが示した精神性への傾倒は、現代の私たちにも多くのインスピレーションを与えてくれます。この記事を通じて、彼らの創造への情熱と、作品に込められた深いメッセージを感じていただけたなら幸いです。ぜひ、実際にナンシー美術館を訪れて、これらの傑作が放つ唯一無二の輝きを体感してみてください。

ナンシー美術館の概要についてはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館 ルーベンス カラヴァッジョ ドラクロワから印象派 現代美術までフランス最古の美術館へ行こう

ナンシー美術館に展示されている作品については、以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館でルネサンス芸術の輝きを体験！西洋絵画の夜明けを巡る旅
• ナンシー美術館で「知られざる巨匠たち」を発見！マニエリスムの魅惑的な世界を巡る旅
• 17世紀バロックの輝き：ナンシー美術館で出会う巨匠たちの光と影
• 壮麗なるバロックの調べ：ナンシー美術館で巡る17世紀後半の輝き
• ナンシー美術館が誘う、フランス絵画の黄金時代：17世紀バロックからロココの輝きへ
• フランス19世紀絵画の宝庫！ナンシー美術館で出会う巨匠たちの魂・アカデミズム・写実主義・ロマン主義
• 光と色彩の交響曲！ナンシー美術館で巡る新印象派・象徴主義・ナビ派の傑作
• 色彩が躍動する魂の表現！ナンシー美術館で出会うフォーヴィスムとモダニズムの傑作

地下にあるドームコレクションはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ドーム兄弟 コレクション ナンシー美術館の地下にある壮大なガラス作品

フランス東部の美しい都市ナンシーに佇むナンシー美術館は、知る人ぞ知る19世紀フランス絵画の宝庫です。この記事では、アカデミズム、写実主義、そしてロマン主義という多様なスタイルで輝かしい足跡を残した画家たちの傑作にスポットを当てます。シャルル＝ローラン・マレシャルによるステンドグラス復興の情熱、ギュスターヴ・ドレが描く圧倒的な山岳風景、そしてジュール・バスティアン＝ルパージュの心を揺さぶる写実主義まで、彼らの作品はどのようにして私たちに語りかけてくるのでしょうか？

Charles-Laurent Maréchal　（1801-1887）

シャルル＝ローラン・マレシャルは、19世紀フランスの画家で、特にステンドグラスの復興と制作において重要な役割を果たした人物です。彼はロレーヌ地方のメス（Metz）で生まれ、生涯の多くをこの地で過ごしました。

彼は、古典的な絵画技法を学びましたが、特に中世のステンドグラスに強い関心と情熱を抱いていました。19世紀半ば、中世美術への関心が高まる中で、マレシャルは失われかけていたステンドグラス制作の技術を再発見し、革新的な方法でそれを現代に蘇らせました。

Épisode du siège de Metz (1835)

「メス包囲戦の一場面」（Épisode du siège de Metz）は、16世紀の重要な歴史的事件であるメス包囲戦を題材としています。この包囲戦は、1552年から1553年にかけて、神聖ローマ皇帝カール5世がロレーヌ地方の戦略的要衝であるメス市を奪還しようと試みたものの、ギーズ公フランソワ率いるフランス軍がこれを防衛し、最終的にカール5世が撤退するという、フランスにとって勝利となった出来事です。

Gustave Doré　（1832-1883）

ギュスターヴ・ドレは、19世紀フランスを代表する画家、彫刻家、そして特に卓越した挿絵画家です。彼の作品は、ロマン主義の最後の世代に位置づけられ、その幻想的で劇的な表現は、世界中で広く知られています。

Paysage de montagne (1870)

「山岳風景」（Paysage de montagne）は、壮大で荒々しい山岳風景が描かれています。切り立つ岩肌、深い谷、そして空を覆う雲や霧が、自然の持つ圧倒的な力と崇高さを表現しています。ドレは、しばしばアルプスの山々を題材とし、その雄大さを描きました。

Henri-Léopold Lévy　（1840-1904）

アンリ＝レオポール・レヴィは、19世紀後半のフランスの画家です。主に歴史画と宗教画の分野で活躍し、特に大規模な公共建築の装飾画を手がけました。

ナンシーで生まれ、エコール・デ・ボザール（国立高等美術学校）でフランソワ＝エドゥアール・ピコやアレクサンドル・カバネルといった当時の著名なアカデミズム画家たちに師事しました。

レヴィは、そのキャリアを通じて、アカデミズムの伝統を忠実に守りながらも、時代の新しい潮流も部分的に取り入れました。

Jeune fille et la Mort (1900)

「若い娘と死」（Jeune fille et la Mort）は、死という普遍的なテーマを、アレゴリー（寓意）の形で表現したものです。一般的に「死」は骸骨や鎌を持った姿で描かれることが多く、若い女性は生や純粋さ、そして死によって奪われる命の象徴として対比されます。

Jean Henri Zuber　（1844-1909）

ジャン・アンリ・ズーバーは、19世紀後半から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家です。特に風景画と東方趣味（オリエンタリズム）のジャンル画で知られています。

Soir d’automne en Forêt (1878)

「森の秋の夕べ」（Soir d’automne en Forêt）は、秋の森の情景と夕暮れの光という、叙情的で詩的なテーマを描いています。

Luigi Loir　（1845-1916）

ルイージ・ロワールは、19世紀後半から20世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家です。特にパリの風景や都市生活を描いた作品で知られています。彼の作品は、印象派とポスト印象派の間の時代に位置し、当時のパリの雰囲気を伝える貴重な記録となっています。

Travaux de nuit sur la voie publique (1902)

「公道の夜間工事」（Travaux de nuit sur la voie publique）は、ロワールが得意としたパリの都市風景、特に夜の情景を描いたものです。彼の作品は、19世紀末から20世紀初頭にかけてのパリの日常生活や、近代化が進む都市の雰囲気を伝える貴重な記録となっています。

Jules Bastien-Lepage　（1848-1884）

ジュール・バスティアン＝ルパージュは、19世紀フランスの画家で、特に自然主義（ナチュラルイズム）の代表的な画家として知られています。彼は、わずか36歳で亡くなるという短命ながらも、その写実的な描写と独自の画風でフランス美術史に大きな足跡を残しました。

Ophelia (1881)

「オフィーリア」（Ophelia）は、ウィリアム・シェイクスピアの悲劇『ハムレット』に登場するヒロイン、オフィーリアが、狂気に陥り、歌を口ずさみながら川に身を投じる直前、あるいは既に水に身を委ねている瞬間を描いたものです。

Job (1876/77)

「ヨブ」（Job）は、旧約聖書に登場するヨブを主題としています。ヨブは、信仰篤く、正しい人物であったにもかかわらず、サタンの試練によって財産、家族、健康といったすべてを失い、深い苦悩と絶望の淵に立たされる物語で知られています。しかし、彼は神への信仰を捨てることなく、最終的に神によって元の祝福を取り戻します。この物語は、人間の苦難と信仰の試練という普遍的なテーマを扱っています。

まとめ

ナンシー美術館に収蔵されているこれらの作品は、単なる絵画ではありません。19世紀という激動の時代を生きた画家たちの息遣い、彼らが表現しようとした人間の普遍的な感情、そして当時の社会や文化の息吹が、キャンバスの上に凝縮されています。この記事を通じて、シャルル＝ローラン・マレシャルからジュール・バスティアン＝ルパージュまで、個性豊かな画家たちの魅力とその作品に秘められた物語の一端を感じていただけたなら幸いです。ぜひ、実際にナンシー美術館を訪れて、これらの傑作が放つ圧倒的な存在感を肌で感じてみてください。彼らの絵画が、あなたの心に新たな感動を呼び起こすことでしょう。

ナンシー美術館の概要についてはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館 ルーベンス カラヴァッジョ ドラクロワから印象派 現代美術までフランス最古の美術館へ行こう

ナンシー美術館に展示されている作品については、以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館でルネサンス芸術の輝きを体験！西洋絵画の夜明けを巡る旅
• ナンシー美術館で「知られざる巨匠たち」を発見！マニエリスムの魅惑的な世界を巡る旅
• 17世紀バロックの輝き：ナンシー美術館で出会う巨匠たちの光と影
• 壮麗なるバロックの調べ：ナンシー美術館で巡る17世紀後半の輝き
• ナンシー美術館が誘う、フランス絵画の黄金時代：17世紀バロックからロココの輝きへ
• フランス19世紀絵画の宝庫！ナンシー美術館で出会う巨匠たちの魂・アカデミズム・写実主義・ロマン主義
• 光と色彩の交響曲！ナンシー美術館で巡る新印象派・象徴主義・ナビ派の傑作
• 色彩が躍動する魂の表現！ナンシー美術館で出会うフォーヴィスムとモダニズムの傑作

地下にあるドームコレクションはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ドーム兄弟 コレクション ナンシー美術館の地下にある壮大なガラス作品

フランス、ロレーヌ地方の中心都市ナンシー。この歴史と文化が息づく街にあるナンシー美術館は、17世紀ヨーロッパ美術の宝庫です。特に本稿では、後期バロックの傑作群に焦点を当て、その豊かな表現世界へと皆様をご案内します。力強い写実主義から、豪華絢爛な宮廷絵画、そして静謐な宗教画に至るまで、多様なスタイルが花開いたこの時代の美術は、まさに「光と影のドラマ」。カラヴァッジョの魂を受け継ぎ、ルーベンスのダイナミズムを昇華させた画家たちが、一体どのような物語を紡いだのでしょうか？現存する貴重な作品の背景にある画家の生涯と、当時の時代精神を紐解きながら、その魅力を余すところなくお届けします。さあ、後期バロックの壮麗な世界へ、ご一緒に足を踏み入れましょう。

Tommaso Luini　（1601-1636）

トマーゾ・ルイニという名前は、かつて17世紀のイタリアの画家ジョヴァンニ・バリオーネの著作で言及されたことで広まりましたが、現在ではトンマーゾ・ドニーニ（Tommaso Donini）が正しい本名であるとされています。彼は「イル・カラヴァッジーノ（Il Caravaggino）」というあだ名でも知られていました。

ドニーニの作品は、カラヴァッジョの影響を強く受けた劇的な明暗法（キアロスクーロ）と写実的な人物描写が特徴です。宗教的な主題の祭壇画を多く手掛けました。現存する確実な作品は多くないものの、初期バロック期のローマにおけるカラヴァッジョ主義の展開において重要な役割を果たした画家です。

La Circoncision (1632)

「割礼」（La Circoncision）は、キリスト教の伝統的な主題であるイエス・キリストの割礼を描いています。ユダヤ教の律法に従い、生後8日目の男子に施される割礼の儀式は、イエスが人類の一員として生まれたことを示し、彼の将来の受難を予見する出来事としても解釈されます。

この「割礼」は、かつてパリの「4国民学院」（Collège des Quatre Nations）の主祭壇を飾っていた歴史を持つ作品で、フランス革命期に接収され、1804年にナンシー美術館に収蔵されました。トンマーゾ・ドニーニのカラヴァッジョ主義的な画風を示す貴重な作品の一つです。

Jan Brueghel　（1601-1678）

ヤン・ブリューゲル（子）は、フランドル・バロック期の画家です。有名な「ベルベット・ブリューゲル」こと父ヤン・ブリューゲル（父）と、さらに「農民ブリューゲル」ことピーテル・ブリューゲル（父）の孫にあたり、ブリューゲル家という芸術家王朝の第三世代を代表する人物です。

ヤン・ブリューゲル（子）の作品は、父の様式を継承しつつも、より明るい色彩と、わずかに粗い筆致が特徴とされます。彼は多作な画家であり、父の未完成の作品を完成させたり、父の作品を模写して販売したりもしました。

また、ピーテル・パウル・ルーベンスやヘンドリック・ファン・バーレン、ダーフィット・テニールス（子）など、同時代の著名な画家たちと共同制作することも多くありました。特に、人物や動物の描写は他の画家に依頼し、自身は風景や花、静物を描くという専門化された役割分担が見られました。

Ne me touchez pas (1625)

「我に触れるな」（Noli me tangere）は、新約聖書のヨハネによる福音書に記されている、イエス・キリストが復活した後、マグダラのマリアの前に最初に現れた場面を描いています。マリアがイエスを園丁と間違え、彼に触れようとした際に、イエスが「我に触れるな」（ラテン語で “Noli me tangere”）と告げたという有名なエピソードです。この言葉は、キリストの復活後の新しい存在様式と、神聖なものを軽々しく扱ってはならないという戒めを示しています。

Philippe de Champaigne　（1602-1674）

フィリップ・ド・シャンパーニュは、17世紀フランスの最も重要な画家のひとりです。現在のベルギー、ブリュッセルで生まれましたが、1621年にパリに移り住み、生涯のほとんどをフランスで過ごしました。

彼は、カラッチやプッサンの古典主義、そしてルーベンスのフランドル・バロックの要素を融合させながらも、独自の厳格で抑制された画風を確立しました。特に、写実的な肖像画と、宗教的な主題において深い精神性を表現した作品で知られています。

La Charité (1635/36)

「慈愛」（La Charité）は、キリスト教の美徳を寓意的に表現したものです。慈愛は、信仰（Faith）と希望（Hope）とともにキリスト教の三つの神学的徳の一つであり、神への愛と隣人への愛を意味します。伝統的に、幼子に乳を与える女性（聖母マリアの母性や教会の慈愛を象徴）として描かれることが多い主題です。

Theodoor van Thulden　（1606-1669）

テオドール・ファン・テュルデンは、フランドル・バロック期の画家、製図家、版画家です。現在のオランダ、スヘルトーヘンボスで生まれましたが、主にフランドルのアントウェルペンで活動し、晩年は再び故郷に戻りました。

ルーベンスの工房で培った技術と、彼自身の独自の感性を兼ね備え、フランドル・バロック絵画の普及と発展に貢献した画家として評価されています。

Persée et Andromède (1646)

「ペルセウスとアンドロメダ」（Persée et Andromède）は、ギリシャ神話の有名なエピソードを題材としています。エチオピアの王女アンドロメダが、母カシオペイアの傲慢さゆえに、海の怪物ケートスへの生贄として岩に縛り付けられているところを、英雄ペルセウスがメドゥーサの首を用いて怪物を石化させ、彼女を救い出すという物語です。

Charles Dauphin　（1615-1677）

シャルル・ドーファンは、ロレーヌ公国のナンシーで生まれ、イタリアのトリノで亡くなった画家です。

彼の画風は、師であるシモン・ヴーエの「ローマ的」で古典主義的なスタイルを受け継ぎつつ、バロックの演劇的な構成要素も取り入れています。

Le Mépris du Monde (1645)

「世俗の軽蔑」（Le Mépris du Monde）は、抽象的な概念、すなわち世俗的な富や名声、快楽を捨て、精神的な価値や信仰に重きを置くという、キリスト教の教えに基づいたテーマを寓意的に表現したものです。これは、当時の対抗宗教改革期において、修道生活や禁欲的な生き方を推奨するカトリック教会の思想を反映しています。

Le Christ chassant les marchands du Temple (1663)

「神殿から商人を追い出すキリスト」（Le Christ chassant les marchands du Temple）は、新約聖書の福音書に記されている有名なエピソードを題材としています。イエス・キリストがエルサレムの神殿に入り、そこで商売をしたり両替をしたりしている人々を見て激しく怒り、彼らを追い出したという出来事です。この行為は、神殿が祈りの家であるべきだというイエスの強い信念と、宗教の商業化に対する彼の義憤を示しています。

Jan Looten　（1617-1681）

ヤン・ローテンは、17世紀オランダの風景画家です。主にオランダで活動しましたが、後にロンドンに移住し、そこでキャリアを築きました。彼の作品は、そのドラマティックな表現から、フランドル・バロック絵画の影響も受けていると見なされることがあります。

Les Grands Chênes (1644/1645)

「大きなカシの木々」（Les Grands Chênes）は、ヤン・ローテンの得意とする劇的で荒々しい風景画の典型であり、彼のキャリアにおける主要な作品の一つとされています。

Giovanni Maria Morandi　（1622-1717）

ジョヴァンニ・マリーア・モランディは、イタリアのバロック期の画家です。フィレンツェで生まれましたが、キャリアのほとんどをローマで過ごしました。

彼は、オラツィオ・フィダーニやジョヴァンニ・ビリヴェルトといった画家のもとで修行を積んだ後、ローマに移り住み、ヤコポ・サルヴィアーティ公爵の庇護を受けました。

モランディは、主に祭壇画や肖像画で知られています。彼の画風は、17世紀半ばから後半にかけてのローマ美術の主流であった、古典主義的で落ち着いたバロック様式を特徴としています。ベルニーニやピエトロ・ダ・コルトーナのような劇的な表現とは異なり、彼の作品はより穏やかで洗練された印象を与えます。

Le Pape Alexandre VII porté à la procession du Corpus Domini (1657)

「聖体行列で運ばれる教皇アレクサンデル7世」（Le Pape Alexandre VII porté à la procession du Corpus Domini）は、1655年に教皇に選出されたアレクサンデル7世（在位1655-1667年）が、聖体行列（コルプス・ドミニの祝日、キリストの聖体の祝日）において、特別な輿（セディア・ゲスタトリア）に乗って運ばれている様子を描いた、壮麗な公式肖像画です。アレクサンデル7世は身体が不自由だったため、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニが設計した巨大な行列用の椅子に乗って運ばれることになりました。

Pieter Boel　（1626-1674）

ピーテル・ブールは、フランドル・バロック期の画家、版画家、タペストリー・デザイナーです。生年は、資料によって1626年と記載されることもありますが、洗礼日が1622年10月10日であるため、一般的には1622年生まれとされています。

彼はアントウェルペンで生まれ、動物画家ヤン・フィートに師事しました。その後、イタリア（おそらく1650-51年頃）に滞在し、そこでジュゼッペ・レッコやジョヴァンニ・ベネデット・カスティリオーネといった画家から影響を受け、光と影の効果への関心を深めました。

ブールは特に豪華な静物画と動物画を専門としました。彼の動物画は、生きた動物を自然な環境で直接観察し、描くことで、当時の動物画に革命をもたらしたと評価されています。

Étude de faucons (1669/71)

「ハヤブサの習作」（Étude de faucons）は、ハヤブサの鋭い眼差し、羽毛の質感、そしてその猛禽としての力強い姿を、非常に詳細かつ写実的に捉えています。生きた動物を直接観察することによって培われた、彼の卓越した技術が光ります。

Johann Karl Loth　（1632-1698）

ヨハン・カール・ロートは、ドイツ出身のバロック画家ですが、生涯のほとんどをイタリアのヴェネツィアで過ごしたため、「カルロット」（Carlotto）あるいは「カルロ・ロッティ」（Carlo Lotti）というイタリア名でも知られています。

カラヴァッジョ派のテネブリズム（劇的な明暗法）と、ヴェネツィア派の豊かな色彩表現を融合させた独自の画風を確立しました。

Saint Jérôme (1655)

「聖ヒエロニムス」（Saint Jérôme）は、キリスト教の四聖人の一人であり、ラテン語訳聖書『ウルガタ』の翻訳者として知られる聖ヒエロニムス（347年頃 – 420年）を描いたものです。

Giuseppe Recco　（1634-1695）

ジュゼッペ・レッコは、17世紀イタリアのバロック期に活躍した画家で、特に静物画の分野で知られています。魚や魚介類、狩りの獲物、調理場を描いた静物画を得意としました。

Nature morte, écrevisse et poissons (1680)

「静物画、ザリガニと魚」（Nature morte, écrevisse et poissons）は、様々な種類の魚やザリガニといった水生生物が、まるで今捕獲されたかのように非常にリアルに描かれています。魚の鱗の光沢、ザリガニの殻の質感、そしてそれぞれの生物の目の輝きなど、細部にわたる描写が、見る者に触れるかのような臨場感を与えます。

まとめ

ナンシー美術館に収められた後期バロックの作品群は、17世紀後半のヨーロッパ美術がいかに多様で力強かったかを雄弁に物語っています。イタリアのカラヴァッジョ派が追求した劇的なキアロスクーロと徹底した写実主義は、トンマーゾ・ドニーニやヨハン・カール・ロートの作品に息づき、深い精神性を伴う宗教画を生み出しました。

一方、フランドルからは、ヤン・ブリューゲル（子）が父の伝統を受け継ぎながらも、その独自の感性で風景画に生命を吹き込み、「我に触れるな」のような神聖な場面を鮮やかに描きました。フィリップ・ド・シャンパーニュは、厳格な古典主義の中に深い内省を秘めた肖像画や宗教画でフランス美術に貢献し、テオドール・ファン・テュルデンはルーベンス譲りのダイナミズムで神話の世界を彩りました。

さらに、シャルル・ドーファンは師ヴーエの影響を受けつつも独自のバロック表現を確立し、ヤン・ローテンは劇的な自然風景で見る者を圧倒。そしてジョヴァンニ・マリーア・モランディは公式肖像画に威厳と人間性を融合させ、ピーテル・ブールは動物画に革命をもたらし、ジュゼッペ・レッコは静物画のリアリズムを極めました。

これらの作品は、単なる美術品に留まらず、当時の人々の信仰、社会、そして芸術に対する情熱を今に伝える貴重な歴史の証人です。ナンシー美術館を訪れることは、まさにこの後期バロックの豊かな世界に浸り、時代を超えた美の創造に触れる、比類ない体験となるでしょう。

ナンシー美術館の概要についてはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館 ルーベンス カラヴァッジョ ドラクロワから印象派 現代美術までフランス最古の美術館へ行こう

ナンシー美術館に展示されている作品については、以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館でルネサンス芸術の輝きを体験！西洋絵画の夜明けを巡る旅
• ナンシー美術館で「知られざる巨匠たち」を発見！マニエリスムの魅惑的な世界を巡る旅
• 17世紀バロックの輝き：ナンシー美術館で出会う巨匠たちの光と影
• 壮麗なるバロックの調べ：ナンシー美術館で巡る17世紀後半の輝き
• ナンシー美術館が誘う、フランス絵画の黄金時代：17世紀バロックからロココの輝きへ
• フランス19世紀絵画の宝庫！ナンシー美術館で出会う巨匠たちの魂・アカデミズム・写実主義・ロマン主義
• 光と色彩の交響曲！ナンシー美術館で巡る新印象派・象徴主義・ナビ派の傑作
• 色彩が躍動する魂の表現！ナンシー美術館で出会うフォーヴィスムとモダニズムの傑作

地下にあるドームコレクションはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ドーム兄弟 コレクション ナンシー美術館の地下にある壮大なガラス作品

フランス東部の歴史ある街ナンシー。この街に佇む美術館には、17世紀ヨーロッパ美術の息吹が宿っています。本記事では、特に バロック初期の傑作の数々 を所蔵するナンシー美術館の珠玉のコレクションに焦点を当て、その魅力を深掘りします。カラヴァッジョの劇的な明暗、ルーベンスのほとばしる情熱、プッサンの静謐な古典主義、そしてロレーヌ地方独自の光の表現。それぞれの画家たちが描いた、聖なる物語、神話の世界、そして当時の人々の暮らし――。写真と共に、知られざる名作の背景と、彼らが美術史に刻んだ足跡を辿ります。光と影が織りなすドラマの世界へ、一緒に旅に出かけましょう。

Wenceslas Cobergher　（1561-1634）

ヴェンツェル・コーベルヘルは、フランドルの多才な人物で、画家、建築家、そして技術者として知られています。

彼はアントウェルペンで生まれ、画家マールテン・デ・フォスに師事しました。その後イタリアにわたり、イタリアの美術や建築から大きな影響を受けました。絵画も手掛けましたが、彼の作品は建築作品に比べると現存数が少なく、その重要性は建築や技術者としての功績に劣るとされています。

オランダ、アルバート大公からは、ルーベンス、ブリューゲルよりも高い報酬を受けていました。

Les apprêts du martyre de saint Sébastien (1599)

「聖セバスティアヌスの殉教の準備」（Les apprêts du martyre de saint Sébastien）は、ローマ帝国の兵士でありながらキリスト教徒であった聖セバスティアヌスが、信仰ゆえに殉教を強いられる直前の場面を描いています。彼は柱に縛り付けられ、弓矢で射られる準備をされているところで、その周囲には拷問官や兵士たちが描かれています。

Joos de Momper　（1564-1635）

ヨース・デ・モンペルは、フランドルの風景画家で、特に壮大な山岳風景や幻想的な「世界風景」で知られています。父のバルトロメウス・デ・モンペルから絵画を学び、1581年にはわずか17歳でアントウェルペンの聖ルカ組合のマスター（親方）となりました。

彼の作品は、ピーテル・ブリューゲル1世の影響を強く受けています。

Fête de village flamand 　上段

Jan Tilens (1589-1630) La Tour en ruine (1625)　下段

「フランドルの村の祭り」（Fête de village flamand）は、広大な風景の中に、フランドルの村で催される賑やかな祭りの様子が描かれています。特徴的なのは、遠景に雄大な山々がそびえ立つモンペルらしい風景描写と、前景や中景に描かれる多くの人物たちの活動です。

人物描写をヤン・ブリューゲル1世が担当した可能性が高いと言われています。

下段の、ヤン・ティレンス（Jan Tilens, 1589年 – 1630年）は、フランドルの画家で、特に風景画の分野で活躍しました。彼はアントウェルペンで生まれ、ヨース・デ・モンペルとほぼ同時代に活動し、彼の風景画に大きな影響を受けていると考えられています。

「廃墟の塔」（La Tour en ruine）は、ヤン・ティレンスの典型的な風景画であり、彼の画風をよく示しています。

Abraham Bloemaert　（1566-1651）

アブラハム・ブルーマールトは、オランダ黄金時代に活躍した画家で、初期のキャリアではマニエリスム様式を代表する存在でした。その後、より古典主義的なアプローチやカラヴァッジョ派の影響も取り入れ、多岐にわたる画風を展開しました。

Prédication de saint Jean-Baptiste　（1620）

「洗礼者聖ヨハネの説教」（Prédication de saint Jean-Baptiste）は、新約聖書の福音書に記されている、洗礼者聖ヨハネが荒野で人々に悔い改めと来るべき救い主イエス・キリストの到来を説く場面を描いています。

Girolamo da Ponte　（1566-1621）

ジローラモ・ダ・ポンテは、本名をジローラモ・バッサーノ（Gerolamo Bassano）といい、バッサーノ・デル・グラッパで生まれたイタリア・ルネサンス後期の画家です。

彼は、高名な画家ヤコポ・バッサーノの四男であり、兄のフランチェスコ・バッサーノ2世、ジョヴァンニ・バッティスタ・ダ・ポンテ、レアンドロ・バッサーノとともに、父の工房で絵画を学びました。バッサーノ家は、ヴェネツィア派の中でも特に風俗画や風景画、動物が描かれた宗教画で知られていました。

Déluge (1590)

「大洪水」（Déluge）は、旧約聖書の「創世記」に描かれている、神が地上に大洪水を起こし、ノアの家族と一部の動物を除くすべての生物を滅ぼしたという、人類の歴史における最も劇的な出来事の一つを題材にしています。

Guido Reni　（1575-1642）

グイド・レーニ（Guido Reni, 1575年 – 1642年）は、17世紀イタリアの初期バロック期を代表する画家の一人です。特に、アンニーバレ・カラッチらによって創始されたボローニャ派に属し、古典主義的な美学と優雅な画風を特色としました。

フランドル出身のマニエリスム画家デニス・カルヴァールトに師事した後、カラッチ兄弟のアカデミア・デッリ・インカミナーティ（Accademia degli Incamminati）で学びました。その後ローマで活躍し、カラヴァッジョ、ラファエロの影響を受けています。

当時はイタリアで最も有名な画家と言われていました。

Le Christ ressuscité apparaissant à sa mère (1632)

「復活したキリストが母に現れる」（Le Christ ressuscité apparaissant à sa mère）は、イエス・キリストが十字架にかけられて死んだ後、復活し、最初に母である聖母マリアのもとに現れたという、新約聖書外典に由来する伝統的な主題を描いています。

Jacques Bellange　（1575-1616）

ジャック・ベランジェは、ロレーヌ公国（現在はフランスの一部）出身の芸術家であり版画家です。北方マニエリスム様式を代表する版画家の1人であり、その作品は非常に個性的で印象的です。

Le Ravissement de saint François (1600/1605)

「聖フランチェスコの法悦」（Le Ravissement de saint François）は、キリスト教の聖人であるアッシジの聖フランチェスコが、深い瞑想と信仰の極致において、恍惚とした状態、すなわち「法悦」に陥っている瞬間を描いています。

ベランジェの絵画作品は、その現存数が少ないため、貴重な作品となっています。

Peter Paul Rubens　（1577-1640）

ピーテル・パウル・ルーベンスは、フランドル・バロック絵画の巨匠であり、17世紀ヨーロッパを代表する最も影響力のある画家の一人です。

La Transfiguration (1605)

「キリストの変容」（La Transfiguration）は、新約聖書の福音書に記されている、イエス・キリストが三人の弟子（ペテロ、ヤコブ、ヨハネ）を連れて高い山に登り、その姿が輝くように変容し、モーセとエリヤが出現するという「キリストの変容」の出来事を描いています。

イタリア滞在中に制作された作品になります。

Jonas jeté à la mer (1618) 上段

Jésus marchant sur les eaux (1618) 下段

「ヨナが海に投げ込まれる」（Jonas jeté à la mer）は、旧約聖書のヨナ書に記されている有名なエピソードを題材としています。神の命令に背いてニネベへの伝道を拒否し、船で逃げようとした預言者ヨナが、嵐に見舞われた船から海に投げ込まれる場面を描いています。

「イエスが水上を歩く」（Jésus marchant sur les eaux）は、新約聖書の福音書に記されている奇跡の場面を題材としています。イエスがガリラヤ湖の嵐の海の上を歩き、弟子たちが乗る船に近づいていく様子を描いています。特に、イエスの招きに応じて船から降り、水上を歩き始めるも、疑いによって沈みかけるペテロの姿が強調されることが多い主題です。

Matteo Rosselli　（1578-1650）

マッテオ・ロッセッリは、イタリアのフィレンツェで活躍した画家です。彼はマニエリスム後期から初期バロックにかけての移行期を代表するフィレンツェ派の画家の一人として知られています。

多くの弟子を育成した指導者としても有名です。

Saint Jean l’Evangéliste (1620/25)

「福音記者聖ヨハネ」（Saint Jean l’Evangéliste）は、新約聖書の四福音書の一つである「ヨハネによる福音書」の著者とされる聖ヨハネを描いたものです。彼は伝統的に、若々しい姿で表現され、鷲（彼の象徴）や書物（福音書）を伴って描かれることがよくあります。

Gaspar de Crayer　（1584-1669）

ガスパール・デ・クライエルは、フランドル・バロック期の重要な画家です。彼はアントウェルペンで生まれ、ラファエル・コークシー（Rafael Coxie）に師事したとされています。ルーベンスの影響を強く受けていますが、ルーベンスの持つ爆発的なエネルギーよりも、より穏やかで古典主義的、かつ厳格な構成が特徴です。

Saint Charles de Borromée donnant la Sainte Communion aux pestiférés de Milan (1668）

「ミラノのペスト患者に聖体拝領を与える聖カルロ・ボロメオ」（Saint Charles de Borromée donnant la Sainte Communion aux pestiférés de Milan）は、カトリック教会の聖人である聖カルロ・ボロメオ（1538-1584）が、1576年のミラノでのペスト禍において、自ら危険を顧みず病に苦しむ人々に聖体（聖餐）を与え、精神的な慰めと救済をもたらしたという、彼の英雄的な行動を描いています。

Cornelis de Vos　（1585-1651）

コルネリス・デ・フォスは、フランドル・バロック期の画家です。現在のオランダ南西部、ゼーラント州のフルストで生まれ、1596年に家族とともにアントウェルペンに移住しました。1599年には画家ダーヴィット・レメーウスの弟子となり、1608年にはアントウェルペンの聖ルカ組合のマスター（親方）になりました。

特に肖像画の分野で高い評価を得ており、ルーベンスやヴァン・ダイクといった同時代の巨匠たちと肩を並べる、アントウェルペンを代表する肖像画家の一人でした。

La Continence de Scipion (1630)

「スキピオの禁欲」（La Continence de Scipion）は、古代ローマの歴史家ティトゥス・リウィウスの『ローマ建国史』に記されている有名なエピソードを題材としています。第二次ポエニ戦争中、ローマの将軍スキピオ・アフリカヌスが新カルタゴ（現在のカルタヘナ）を征服した際、捕虜となった美しい女性を彼女の婚約者と結婚させ、さらに彼女の持参金まで返還したという、スキピオの寛大さと高潔さを示す物語です。

Giuseppe Vermiglio　（1585-1635）

ジュゼッペ・ヴェルミリオは、イタリアの初期バロック期に活躍した画家です。カラヴァッジョ派の重要な画家の一人として知られています。

L’Incrédulité de saint Thomas 

「聖トマスの不信」（L’Incrédulité de saint Thomas）は、新約聖書のヨハネによる福音書に記されている有名なエピソードを題材としています。イエス・キリストが復活した後、使徒トマスがキリストの出現を信じず、「その手に釘の跡を見、私の指をその釘の跡に入れ、私の手をその脇腹に入れなければ、私は決して信じない」と言ったため、イエスがトマスに自身の傷に触れることを許した場面です。

Claude Deruet　（1588-1660）

クロード・ドリュエは、フランス、特にロレーヌ公国で活躍したバロック期の画家です。彼はロレーヌ公国の首都ナンシーで生まれ、生涯の多くをこの地で過ごしました。

1612年頃から1619年頃にかけてローマで活動し、そこでイタリアのカラヴァッジョ派やバロック美術の影響を受けました。特に、騎馬像の描写に優れており、その技術を磨きました。（イタリア滞在中に、日本の支倉常長を描いたとしても知られています。）

有名なバロック画家クロード・ロラン（Claude Lorrain）の最初の師でもあったことで知られています。

Portrait équestre de Madame de Saint-Baslemont (1646)

「サン＝バスルモン夫人騎馬像」（Portrait équestre de Madame de Saint-Baslemont）は、7世紀ロレーヌ公国の貴族であるマリー・クリスティーヌ・ド・サン＝バスルモン夫人（Madame de Saint-Baslemont, 1607-1678）を描いた、非常に珍しい女性の騎馬肖像画です。彼女は、ロレーヌ公シャルル4世の寵愛を受けた人物としても知られています。

L’enlèvement des sabines (1640/1650)

「サビニの女たちの略奪」（L’enlèvement des sabines）は、古代ローマの建国伝説に登場する有名なエピソードを題材としています。ローマを建国したばかりのロムルスとローマ人たちは、女性が不足していたため、隣人であるサビニ族の女性たちを祭りの最中に力ずくで略奪し、妻としたという物語です。

Domenico Fetti　（1589-1623）

ドメニコ・フェッティは、イタリアのバロック初期に活躍した画家です。ローマで生まれ、主にローマ、マントヴァ、そしてヴェネツィアで活動しました。

彼はルドヴィーコ・チーゴリに師事したと考えられていますが、その画風にはカラヴァッジョとその追随者たちの影響が強く見られます。特に、劇的な明暗の対比（キアロスクーロ）と、人物の力強く写実的な描写が特徴です。

ヴェネツィアでは、ティツィアーノやティントレットといったヴェネツィア派の豊かな色彩表現を自身のスタイルに取り入れ、より色彩豊かで大気感のある画風へと発展させました。ルーベンスの作品からも影響を受けたと言われています。

La Mélancolie (1614)

「メランコリー」（La Mélancolie）は、「メランコリー（憂鬱）」という人間の感情、あるいは特定の精神状態を寓意的に表現したものです。ルネサンス期以降、メランコリーは単なる悲しみだけでなく、創造性や思索と結びつけられることもありました。

Gerard Seghers　（1591-1651）

ヘラルト・セーヘルスは、フランドル・バロック期の重要な画家です。アントウェルペンで生まれ、生涯のほとんどをこの地で過ごしました。初期にはカラヴァッジョ、後期はルーベンスの影響を受けています。

Le Christ après la flagellation (1620/25)

「鞭打ち後のキリスト」（Le Christ après la flagellation）は、イエス・キリストが十字架にかけられる前に鞭打ちの刑を受けた直後の場面を描いています。

Georges de La Tour　（1593-1652）

ジョルジュ・ド・ラ・トゥールは、17世紀フランス、特にロレーヌ地方で活躍したバロック期の画家です。彼は生前にはフランス王ルイ13世の「国王付画家」の称号を得るなど高い評価を受けていましたが、18世紀以降は次第に忘れ去られ、20世紀初頭に「再発見」されたことで、その独自の芸術性が高く評価されるようになりました。カラヴァッジョの影響を受けて、明暗の対比を使い分けた画家です。

La Femme à la puce (1638)

「蚤をとる女」（La Femme à la puce）は、夜間の情景を描いた、ラ・トゥール特有の「夜の絵（Nocturnes）」の傑作の一つです。画面中央には、簡素な寝間着をまとった女性が描かれており、彼女は横に置かれたろうそくの光に照らされながら、自分の体についた蚤を指で潰そうとしています。

Nicolas Poussin　（1594-1665）

ニコラ・プッサンは、17世紀フランスの画家で、古典主義様式を確立し、フランス絵画史において最も影響力のある画家の一人とされています。彼は、生涯のほとんどをローマで過ごし、古代美術やルネサンス盛期の巨匠（特にラファエロ）から深く学びました。

Entrée du Christ à Jérusalem (1642)

「キリストのエルサレム入城」（L’Entrée du Christ à Jérusalem）は、新約聖書の福音書に記されている、イエス・キリストがロバに乗ってエルサレムに入城し、群衆が彼をメシアとして歓迎し、棕櫚の枝（パーム）を振って迎えた、パームサンデー（枝の主日）の出来事を描いています。

Jan van Goyen　（1596-1656）

ヤン・ファン・ホーイエンは、17世紀オランダ黄金時代を代表する風景画家の一人です。彼は、初期のオランダ風景画における自然主義的なアプローチの主要な開拓者として知られています。多くの師に学びましたが、特にハーレムでエサイアス・ファン・デ・フェルデから受けた教えが、彼の後の画風に大きな影響を与えました。

非常に沢山の作品を残した画家で、現在でも1000点以上の作品が確認されています。

Les Patineurs (1649)

「スケートをする人々」（Les Patineurs）は、彼の得意とするオランダの冬の風景を描いたものです。凍結した運河や湖の上で、多くの人々がスケートを楽しんでいる様子が描かれており、当時のオランダの日常生活を垣間見ることができます。

Pierre de Cortone　（1596-1669）

ピエトロ・ダ・コルトーナは、イタリアの盛期バロックを代表する画家であり建築家です。本名をピエトロ・ベレッティーニ（Pietro Berrettini）といい、出身地のコルトーナにちなんでコルトーナのピエトロ（Pietro da Cortona）と呼ばれました。

彼は、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニやフランチェスコ・ボッロミーニと並び、17世紀ローマにおけるバロック芸術の最も重要な推進者の一人でした。ローマにある、バルベリーニ宮殿天井画は彼の代表作です。

La Sibylle de Tibur annonçant à Auguste l’avènement du Christ (1660)

ティブルの巫女がアウグストゥス帝にキリストの到来を告げる」（La Sibylle de Tibur annonçant à Auguste l’avènement du Christ）は、ローマ皇帝アウグストゥスが、自身が神として崇拝されるべきか否かについて、ローマ近郊ティブル（現在のティヴォリ）の巫女（シビュラ）に助言を求めたところ、巫女が天に現れた聖母子を示し、真の神（キリスト）の到来を告げたというものです。この物語は、古代の知恵（巫女）とローマ帝国の権力（アウグストゥス）が、キリスト教の到来を予見したという点で、初期キリスト教徒に好まれました。

Johann Ulrich Loth　（1599-1662）

ヨハン・ウルリヒ・ロートは、ドイツ初期バロックの画家です。ミュンヘンで生まれ、生涯の多くをミュンヘンで過ごしました。

1619年から1623年にかけてイタリアを広く旅し、特にローマではカラヴァッジョの様式から強い影響を受けました。また、ピーテル・パウル・ルーベンスのようなバロックの壮麗な表現も、複製版画などを通じて彼に影響を与えたとされています。カラヴァッジョとルーベンスの様式を南ドイツにもたらした重要な画家の一人として評価されています。

Isaac envoie Esaü à la chasse (1637)

「イサクがエサウを狩りに送る」（Isaac envoie Esaü à la chasse）は、旧約聖書の「創世記」に記されている、イサクが長男のエサウに好物を狩って来させ、その後に祝福を与えようとする場面を描いています。しかし、この物語は、その後ヤコブが母親リベカの助けを借りてエサウに成り代わり、父イサクの祝福をだまし取るという、重要な転換点の前触れとなります。

まとめ

ナンシー美術館に所蔵されている初期バロックの作品群は、17世紀ヨーロッパ美術の多様性と奥深さを私たちに示してくれます。フランドルの力強い表現、イタリアの劇的な感情、そしてロレーヌ独自の静謐な光――。それぞれの画家が独自の解釈で聖書や神話の物語、あるいは日常の情景を描き出し、見る者の心に強く訴えかける作品を生み出しました。

これらの作品は単なる絵画に留まらず、当時の社会、宗教、思想、そして人々の生活を映し出す鏡でもあります。特に、カラヴァッジョ派の影響を受けた明暗表現や、ルーベンスが確立したダイナミックなバロック様式、そしてプッサンが追求した古典主義の規範は、その後の美術史に多大な影響を与えました。

ナンシー美術館を訪れることは、まさに17世紀のヨーロッパを巡る旅であり、美術の力と感動を再認識する機会となるでしょう。各作品が放つ光と影のドラマを、ぜひ現地で体感してみてください。

ナンシー美術館の概要についてはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館 ルーベンス カラヴァッジョ ドラクロワから印象派 現代美術までフランス最古の美術館へ行こう

ナンシー美術館に展示されている作品については、以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館でルネサンス芸術の輝きを体験！西洋絵画の夜明けを巡る旅
• ナンシー美術館で「知られざる巨匠たち」を発見！マニエリスムの魅惑的な世界を巡る旅
• 17世紀バロックの輝き：ナンシー美術館で出会う巨匠たちの光と影
• 壮麗なるバロックの調べ：ナンシー美術館で巡る17世紀後半の輝き
• ナンシー美術館が誘う、フランス絵画の黄金時代：17世紀バロックからロココの輝きへ
• フランス19世紀絵画の宝庫！ナンシー美術館で出会う巨匠たちの魂・アカデミズム・写実主義・ロマン主義
• 光と色彩の交響曲！ナンシー美術館で巡る新印象派・象徴主義・ナビ派の傑作
• 色彩が躍動する魂の表現！ナンシー美術館で出会うフォーヴィスムとモダニズムの傑作

地下にあるドームコレクションはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ドーム兄弟 コレクション ナンシー美術館の地下にある壮大なガラス作品

ルネサンスの古典的な美しさもいいけれど、その後の「ちょっとひねりの効いた」芸術に触れてみませんか？今回の記事では、フランスの美しいナンシー美術館に所蔵されている、マニエリスム期の珠玉の作品たちを、気軽に楽しめるようにご紹介します。

ジョルジョ・ヴァザーリ、ティントレット、バロッチ、ツッカロ…彼らは、ルネサンスの理想を受け継ぎつつ、独自の感性で美術表現を深化させた「知られざる巨匠たち」です。感情の起伏、独特の色彩、そして遊び心のある構図は、一度知るとその魅力に引き込まれること間違いなし。マニエリスムは、まさに美術史の転換点であり、ここから多様な芸術表現が花開いていきます。この時代の流れをなんとなくでも知っておけば、きっと西洋絵画鑑賞が何倍も楽しくなるはずです。

Giorgio Vasari　（1511-1574）

ジョルジョ・ヴァザーリは、イタリアのマニエリスム期の画家、建築家、そして何よりも「美術史の父」として知られる人物です。

彼は、ルネサンス期の芸術家たちの伝記集である『画家・彫刻家・建築家列伝』（Le vite de’ più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani）の著者として最も有名です。この書は1550年に初版が出版され、1568年に増補改訂版が出版されました。ルネサンス美術に関する情報のほとんどは、ヴァザーリのこの著書によるものであり、美術史研究において非常に重要な基本資料となっています。彼はこの中で、美術が中世の停滞期を経て、チマブーエやジョットに始まり、ブルネレスキ、ドナテッロ、マザッチョといった芸術家たちによって進歩し、レオナルド・ダ・ヴィンチ、ラファエロ、そしてミケランジェロによって最高の域に達したという「進歩史観」を展開しました。

画家としては、ミケランジェロの弟子であり、フィレンツェ大聖堂のドーム天井画「最後の審判」や、ヴェッキオ宮殿の壁画などを手がけました。建築家としては、現在のウフィツィ美術館の設計や、ヴェッキオ宮殿からピッティ宮殿までを結ぶ「ヴァザーリの回廊」の建設など、フィレンツェの主要な建築プロジェクトに携わりました。

また、1563年には、ミケランジェロらとともに、美術の技術を教育機関で継承させるための美術アカデミー（アカデミア・デッレ・アルティ・デル・ディゼーニョ）を創立しました。これは現在のフィレンツェ美術学校に繋がるもので、美術教育の発展に大きく貢献しました。

La Sainte Trinité (1558)

「聖三位一体」（La Sainte Trinité）は、キリスト教の教義における聖三位一体、すなわち父なる神、子なるイエス・キリスト、聖霊の三位一体を表現しています。具体的には、父なる神が磔にされたキリストを支え、その上には聖霊が鳩の姿で描かれるという、伝統的な「憐れみの玉座」（Throne of Mercy）の図像に基づいています。

Tintoretto　（1518-1594）

ヤコポ・ロブスティは、通称ティントレット（Tintoretto）として知られる、イタリア・ルネサンス後期のヴェネツィア派を代表する画家です。彼の父が染物師（イタリア語で「tintore」）であったことから、「小さな染物師」を意味するティントレットのあだ名で呼ばれるようになりました。

ティントレットの芸術は、その劇的な表現、強烈な明暗の対比（キアロスクーロ）、そして大胆な構図によって特徴づけられます。彼は「ミケランジェロのデッサンとティツィアーノの色彩の統一」を理想として掲げたと言われています。これは、中部イタリア美術の骨格を重視するデッサン力と、ヴェネツィア派の色彩豊かな表現を融合させようとする彼の意欲を示しています。また、ヴェロネーゼと競い合っていたと言われています。

Déploration du Christ (1580)

「嘆きのキリスト」（Déploration du Christ）は、磔刑の後、キリストの遺体が十字架から降ろされ、嘆き悲しむ聖母マリアやマグダラのマリア、使徒ヨハネらに囲まれている場面を描いています。このような主題は「ピエタ」（Pieta）や「ラメンテーション」（Lamentation）とも呼ばれ、キリストの受難の物語の中でも特に感情的な場面です。

Joachim Beuckelaer　（1533-1570）

ヨアヒム・ブーケラールは、フランドル・ルネサンス後期の画家で、特に市場や台所の情景、静物画のジャンルを専門としたことで知られています。

彼はアントウェルペンで生まれ育ち、叔父である画家ピーテル・アールツェンから学びました。アールツェンもまた、市場や台所をテーマにした作品を描いており、ブーケラールはその影響を強く受けて、このジャンルをさらに発展させました。

Marché avec l’Ecce Homo (1561)

「エッケ・ホモのある市場」（Marché avec l’Ecce Homo）は、ブーケラールの特徴的なジャンルである「市場の情景」に、聖書のエピソードを組み合わせたものです。前景には、活気あふれる市場が描かれています。後景には、小さく「エッケ・ホモ」（Ecce Homo）の場面が描かれています。「エッケ・ホモ」とは、ラテン語で「見よ、この男を」という意味で、ポンティウス・ピラトが群衆にイエスを突き出した際の発言に由来します。この場面では、いばらの冠をかぶせられ、鞭打たれたイエスが兵士に囲まれて立っており、群衆が彼を非難しています。

Federico Barocci　（1535-1612）

フェデリコ・バロッチは、イタリアのマニエリスム期から初期バロックにかけて活動した画家です。彼の故郷であるウルビーノを中心に活躍し、その独特で感傷的な画風は、後のバロック美術に大きな影響を与えました。

L’Annunciation (1596/1612)

「受胎告知」（L’Annunciation）は、もともとローマのサンタ・マリア・ソプラ・ミネルヴァ教会のために制作されたもので、バロッチの晩年における傑作の一つとされています。

新約聖書に記された、大天使ガブリエルが聖母マリアのもとに現れ、イエス・キリストの受胎を告げるという神聖な瞬間を描いています。

Pieter Pietersz　（1540-1603）

ピーテル・ピーテルスゾーンは、フランドル・ルネサンス後期に活躍したオランダの画家です。彼は、市場や台所の情景を描いたことで知られるピーテル・アールツェンの長男であり、おそらく父から絵画を学びました。

Laissez venir à moi les petits enfants (1580-1590)

「子供たちを私のもとに来させなさい」（Laissez venir à moi les petits enfants）は、、新約聖書の福音書に記されている、イエス・キリストが子供たちを祝福する有名なエピソードを題材としています。弟子たちが子供たちをイエスに近づかせようとしないのに対し、イエスが「子供たちを私のもとに来させなさい。邪魔してはならない。神の国はこのような者たちのものである」と語る場面を描いています。

Federico Zuccaro　（1542-1609）

フェデリコ・ツッカロは、イタリアのマニエリスム期に活躍した画家、建築家、そして理論家です。彼は、兄のタッデオ・ツッカロとともに、16世紀後半のローマ美術界で最も影響力のある画家の一人でした。

彼はまた、国外でも広く活動し、ロレーヌ、オランダ、イギリス、そしてスペインのフェリペ2世の宮廷で肖像画や祭壇画を制作しました。一時期は、ヨーロッパで最も有名な存命中の画家であったと言われるほどでした。

Piefà avec des anges (1570)

「天使を伴うピエタ」（Piefà avec des anges）は、磔刑の後、亡くなったイエス・キリストの遺体が天使たちに支えられ、あるいは見守られている場面を描いています。この図像は「イマーゴ・ピエタティス（Imago Pietatis）」、つまり「憐れみのイエス」と呼ばれる伝統的なもので、キリストの受難に対する深い信仰と瞑想を促す目的がありました。

Frans Francken I　（1542-1616）

フランス・フランケン1世は、フランドル・ルネサンス後期から初期バロックにかけて活躍した画家です。彼は、画家一家「フランケン家」の創始者の一人であり、特に宗教改革後のアントウェルペンにおける主要な画家として知られています。

Le Calvaire 

「ゴルゴタの丘」（Le Calvaire）は、イエス・キリストが磔刑に処せられたゴルゴタの丘での出来事を描いたものです。キリストが二人の罪人と共に十字架にかけられ、その周りではローマ兵、群衆、そして嘆き悲しむ聖母マリアやマグダラのマリア、使徒ヨハネなどが描かれています。

Nosadella　（1549-1571）

ノザデッラは、本名をジョヴァンニ・フランチェスコ・ベッツィ（Giovanni Francesco Bezzi）といい、イタリアのマニエリスム期の画家です。彼の活動は主にボローニャを中心としていました。ボローニャ派のマニエリスム画家であるペッレグリーノ・ティバルディの弟子でした。

Sainte Famille avec sainte Elisabeth (1545/50)

「聖エリサベトを伴う聖家族」（Sainte Famille avec sainte Elisabeth）は、聖家族（聖母マリア、幼子イエス、聖ヨセフ）に加えて、聖母マリアの従姉妹であり洗礼者ヨハネの母である聖エリサベトが描かれた、新約聖書に基づいた主題です。

Domenico Passignano　（1559-1638）

ドメニコ・パッシニャーノは、本名をドメニコ・クレスティ（Domenico Cresti または Crespi）といい、イタリアのルネサンス後期から初期バロックにかけて活躍した画家です。彼の通称「パッシニャーノ」は、フィレンツェ近郊の出身地であるパッシニャーノに由来します。

彼はフィレンツェで絵画の修業を始め、ジローラモ・マッキエッティやジョヴァンニ・バッティスタ・ナルディーニに師事しました。しかし、彼の初期の作品に最も大きな影響を与えたのは、フェデリコ・ツッカロでした。パッシニャーノは1575年から1579年にかけて、フィレンツェ大聖堂のクーポラ装飾（ジョルジョ・ヴァザーリの死後、未完だった『最後の審判』の続き）でツッカロを補佐し、その後、1579年にはツッカロとともにローマへ、1581年にはヴェネツィアへと旅をしました。

Les adieux de saint Pierre et de saint Paul （1604）

「聖ペテロと聖パウロの別れ」（Les adieux de saint Pierre et de saint Paul）は、キリスト教の伝統で語り継がれる、ローマでの殉教を前にした聖ペテロと聖パウロの感動的な別れの場面を描いています。彼らは異なる場所で処刑されることになっていましたが、処刑場へ向かう途中で偶然出会い、互いに最後の言葉を交わしたとされています。

Frans Pourbus le Jeune　(1569-1622)

フランチェスコ・プルビュス（ヤンガー）は、フランドル生まれの肖像画家で、国際的な宮廷で活躍したことで知られています。彼は、同じく肖像画家であった父フランチェスコ・プルビュス（エルダー）と、さらにその父（彼の祖父）のピーテル・プルビュスという、3代続く画家一家に生まれました。

L’Annonciation (1619)

「受胎告知」（L’Annonciation）は、新約聖書のルカによる福音書に記されている、大天使ガブリエルが聖母マリアのもとに現れ、イエス・キリストを身ごもることを告げるという、キリスト教美術において非常に重要な主題を扱っています。

まとめ

ナンシー美術館が誇るマニエリスム期の作品たちを巡る旅、いかがでしたでしょうか。ヴァザーリやティントレットといった、この時代の画家たちが古典的な調和を超え、より個性的で感情豊かな表現を追求した様子が少しでも伝われば幸いです。

美術史の大きな流れの中で、マニエリスムは時に過渡期と見なされることもありますが、その独自の表現は後世の芸術家たちに多大なインスピレーションを与えました。絵画一枚一枚に込められた彼らの試みや情熱を感じ取ることで、作品鑑賞はより一層深みを増します。

この記事が、皆さんがナンシー美術館を訪れる際のちょっとしたガイドブックとなったり、あるいはマニエリスムという魅力的な時代への好奇心を掻き立てるきっかけとなれば嬉しいです。ぜひ、ご自身の目でこれらの作品と向き合い、時代が持つ独特のエネルギーを感じ取ってみてください。

ナンシー美術館の概要についてはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館 ルーベンス カラヴァッジョ ドラクロワから印象派 現代美術までフランス最古の美術館へ行こう

ナンシー美術館に展示されている作品については、以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館でルネサンス芸術の輝きを体験！西洋絵画の夜明けを巡る旅
• ナンシー美術館で「知られざる巨匠たち」を発見！マニエリスムの魅惑的な世界を巡る旅
• 17世紀バロックの輝き：ナンシー美術館で出会う巨匠たちの光と影
• 壮麗なるバロックの調べ：ナンシー美術館で巡る17世紀後半の輝き
• ナンシー美術館が誘う、フランス絵画の黄金時代：17世紀バロックからロココの輝きへ
• フランス19世紀絵画の宝庫！ナンシー美術館で出会う巨匠たちの魂・アカデミズム・写実主義・ロマン主義
• 光と色彩の交響曲！ナンシー美術館で巡る新印象派・象徴主義・ナビ派の傑作
• 色彩が躍動する魂の表現！ナンシー美術館で出会うフォーヴィスムとモダニズムの傑作

地下にあるドームコレクションはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ドーム兄弟 コレクション ナンシー美術館の地下にある壮大なガラス作品

マカロンと言えば、フランス国内だけでなく、今や世界的に有名なお菓子となりました。

パリでもピエールエルメを始め、名だたるパティシエがその味を競い合うほどの人気です。

実は、そんな大人気のマカロンの発祥のお店がナンシーにあるのです。

そのお店が今回ご紹介させて頂く、Maison Des Soeurs Macarons（メゾン・デ・スール・マカロン）です。

創業以来200年以上変わらぬマカロンを作りづけているお店とはどんなお店なのか、早速ご紹介させて頂きます。

Maison Des Soeurs Macarons　メゾン・デ・スール・マカロン

Maison Des Soeurs Macarons　メゾン・デ・スール・マカロン

住所：21 Rue Gambetta, 54000 Nancy, フランス

営業時間：

月曜日　14:00~19:00
火曜日 ～ 土曜日　09:30 ~ 19:00

定休日：日曜日

特徴

1793年以来、プロヴァンスのアーモンド、卵白、砂糖で作られてきたマカロン。

そのレシピは、代々受け継がれていて、現在でも門外不出になっています。

マカロンの始まりは、2人の姉妹、Marguerite GAILLOT（シスター・スザンヌ）とMarie MORLOT （シスター・マリーモルロ）が販売することから始まっています。

外観

スタニスラス広場に続く、ガンベッタ通りにあるお店は、濃いグリーンの外観ですぐにわかります。

歴史あるお店なので、大き目のお店を想像していましたが、かなりこじんまりとした感じです。

ショーウィンドウには、マカロンはもちろんディスプレイされていますが、チョコレートといったその他のお菓子の方がスペース的には広いので、たまたま通っただけでは有名店とは気が付きにくいと思います。

店内

店内に入ると左側はすべてショーケースになっています。

そしてそのショーケースのほとんどを占めるのがチョコレート。

色んな種類のチョコレートが販売されています。

マカロン発祥のお店と思っていましたが、基本的にはチョコレート屋さんでした。

チョコレート以外にもゼリーなどの菓子類も豊富にそろっています。

こちらはフランスでは有名なお菓子、Nougat（ヌガー）です。

裏の棚にはジュースやはちみつなどが並んでいます。

キャラメルも豊富に揃っています。

肝心のマカロンはどこにあるのかというと、売り場の一番奥の棚に飾ってありました。

お値段はダースごとの販売で、8.7ユーロから。

とりあえず1ダースを購入しました。

なお、訪れた時はお店はとても混雑していました。

地元の方が多かったですが、あまりマカロンを購入している人はいませんでした。

実食

マカロンは、このような箱に入れてもらえます。

おしゃれなボックスなので、期待が膨らみます。

箱を開けるとさらに包装紙に包まれています。

包装紙を開けると、紙の上にマカロンが６つ張り付いています。

これがもう一つありますので、合計で12個のマカロンが入っています。

帰りの電車で美味しく頂きました。

まとめ

全体的な評価は5段階で以下の通りです。

Maison Des Soeurs Macarons　メゾン・デ・スール・マカロン

味：☆☆★★★　

外観：☆☆★★★

内観：☆☆☆★★

価格：☆☆☆☆★

スタッフ：☆☆☆☆★

購入しやすさ：☆☆★★★

場所：☆☆☆☆☆

味に関しては特に特筆すべきようなものではありませんでした。

例えるのが難しいのですが、日本のちょっと硬い麩菓子みたいな感じです。

外観はこちらも特別なものでもなく普通の感じです。

内観に関しては昔ながらの感じがして良かったです。

価格についても普通です。

スタッフは手際よく対応してくれました。

購入のしやすさは、マカロンだけを購入しようとすると、売り場の一番奥にあるのでちょっと頼むのが面倒な感じです。

空いている場合は問題ないのですが、混雑時はすこし待つことになるかもしれません。

場所は、観光の中心地にあるので便利です。

観光の途中で購入しても良いですし、ナンシー美術館を見た後、駅に向かう帰り道に購入しても良いかと思います。

総合的にはやや厳しめの評価となりました。

マカロン発祥のお店というインパクトはあるものの、味に関してはそれほどインパクトがあるわけではありません。

但し、これは私たちが普段食べているマカロンのイメージが現代的なものになっているので、実際はこちらの商品の方が本来のものと考えると当然のことなのですが、、、。

なお、商品のパッケージについては、最高でした。

外側のボックスは昔の雰囲気があり、高級感もあります。

さらに商品を包んでいる包装紙もおしゃれで、期待を膨らませてくれます。

（書いていて思ったのですが、もしかしたらこのギャップがいけないのかもしれません。）

お店自体も、色んなマカロンが販売されているわけではなく、あくまでもチョコレート屋さんの中でマカロンを販売しているという感じです。

さらにその他の商品も色んなものが販売されているので、ちょっとごちゃごちゃし過ぎている気がしました。

この辺りは好みの分かれるところですが、もう少し落ち着いた雰囲気の方が良かった気がします。

皆様もぜひナンシー観光の際は立ち寄ってみて、マカロンを味わってみてくださいね。

今回も最後までお読みいただきありがとうございました。

ナンシー美術館コレクション第3弾は、美術館の地下にあるドーム兄弟（Daum Frères）のガラス作品を中心にご紹介させて頂きます。

またガラス作品だけでなく、展示室も、15世紀～17世紀の街の要塞の一部が残っているので、独特の雰囲気のある場所になっています。

他の美術館にはない見どころになりますのでナンシーを訪れた際は、ぜひお立ち寄りください。

Daum Frères　ドーム兄弟

Daum

ドームの始まりは、兄弟の父である、”Jean Daum“によって始まります。

1878年、彼は、 la verrerie Sainte-Catherine de Nancy,（ガラス工場）を経営することになりました。

（元々は出資のみであったが、経営が上手くゆかずに買収しなくてはならなくなったため）

ジャンの長男である”Auguste Daum（オーギュスト・ドーム）“が1879年頃から参加、弟の”Antonin Daum（アントナン・ドーム）“は1890年頃から参加しました。

主に兄は経営に、弟は作品の制作で活躍することになります。

1889年から1991年ごろに、美術部門を設立。

様々な芸術家と協力して作品を制作します。

最初のデザイナーであった”Jacques Grüber“と制作した作品が1893年、シカゴ万国博覧会に出品され大成功を収めます。

1900年の万国博覧会では、”エミール・ガレ“と共同で出品し大賞を受賞します。

1920年代にはアールヌーヴォーからアールデコへシフトしていきます。

ビジネスは順調に拡大していきます。

第2次世界大戦後、透明で輝くクリスタルを製造。

セザールやダリなどど協力して作品制作を行います。

1980年以降は経営が悪化。

1982、83年には資金難のため、歴史的なコレクションの一部を売却します。

1985年にはドーム家は経営から離れました。

現在、ドーム社は営業していますが、経営は別会社によるものです。

出典：ウィキペディア France Daum より引用、抜粋　
https://fr.wikipedia.org/wiki/Daum_(cristallerie)

Collection Daum

Grande chope 1851（左から）

Long cornet 1851

Grand potiche 1852

Flacon 1852

Verre à pied hexagonal 1830-40

Aristide Colotte (1885-1959)　Vase boule à décor de roses et de rayons (1927)　左側

Paul Nicolas (1875-1952)　Coupe (1930)　右側

Reliquaire doublé (1908/09)　左から2つ目

Broc (1878/80)　右側

Armand Fernandez (1928-2005)　Naissance (2001)

Hommage de la Lorraine à la Russie (1893)　中央

Vase aux armes de Jeanne d’Arc (1894)　右側

Le rêve d’Elsa (1894) 奥ライトブルーの作品

Vase aux pensées violettes (1896)　奥中央

Vase à décor de clématites (1897)　奥左

Coupe à décor de fusain d’Europe (1895) 奥右　濃いブルー

Vase Cyclamen　手前左

Lampe aux fleurs d’eucalyptus (1910/13)　一番奥 スタンド

Vase aux pavots (1905)　奥

Lampe Églantine (1898)　手前ランプ

Encrier à la toile d’araignée (1903)　中央一番小さい作品

Charles Schneider (1881-1953)　Coupe au serpent et branche de mûrier (1909)　中央お皿型

Lampe perce-neige (1905)　一番奥ランプ

Vase Automne (1905)　一番左

Vase aux anémones (1905)　中央手前

Vase Feuilles d’Automne (1919)　奥小さいグラス

Vase Prairial (1892) 中央下半分グリーンの作品

Vase aux pissenlits (1900)　手前の花瓶

Vase Bouquet de marguerites (1897) 一番奥

Cendrier au crabe (1909)　手前お皿

Vase a decor de feuilles de bouleau Daum (1903)　一番奥の花瓶

Lampe Verre de jade (1925) 中央赤いランプ

Vase à décor de baies stylisées (1925)　中央の口の閉じた花瓶

Vase Roses (1903)　中央口の広い花瓶

Vase à décor de colchiques (1909)　手前の花瓶

Vase Paysage (1910)　一番奥

Vase à décor de volutes (1926)　中央、半透明の花瓶

まとめ

いかがでしたか。

展示されている作品の一部をご紹介させて頂きましたが、実際にはまだ沢山の作品が展示されています。

一つ一つゆっくり見ているとかなり時間がかかってしまうと思いますが、どれも素敵な作品なので、足早には通り過ぎるのはもったいないと思います。

ぜひナンシー美術館を訪れる予定の方は十分にお時間を確保した上で訪れることをお勧めします。

なお、地下のドーム兄弟の作品がメインでご覧になられたい方は、絵画を見る前に最初に訪れるのが良いかもしれません。

美術館の中での時間割も事前に考えておくと、スムーズに鑑賞出来ると思います。

今回も最後までお読みいただきありがとうございました。

ナンシー美術館についてはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

ナンシー美術館 ルーベンス カラヴァッジョ ドラクロワから印象派 現代美術までフランス最古の美術館へ行こう

ナンシーの中心部、スタニスラス広場の一角にあるのが、ナンシー美術館。ナポレオンの命により造られた美術館は、地方都市にある美術館の中でも、最も充実したコレクションを展示していると言われています。ルーベンスやカラヴァッジョ、印象派、現代美術、そ...

tabiparislax.com

2025.06.28

ナンシー美術館の絵画コレクションはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

ナンシー美術館でルネサンス芸術の輝きを体験！西洋絵画の夜明けを巡る旅

宗教画って、ちょっと難しそう…そう思っていませんか？でも、ご安心ください！今回の記事では、フランスの美しいナンシー美術館に所蔵されている、ルネサンス期の珠玉の作品たちを、気軽に楽しめるようにご紹介します。ペルジーノ、レオナルド・ダ・ヴィンチ...

tabiparislax.com

2025.06.28

ナンシー美術館が誘う、フランス絵画の黄金時代：17世紀バロックからロココの輝きへ

フランス、ナンシーの地で静かにその歴史を紡ぐナンシー美術館。そこには、17世紀バロックの荘厳さから、18世紀ロココの優雅さ、そして現代へと続くフランス絵画の豊かな系譜が息づいています。今回は、シャルル・ド・ラ・フォッスのようなバロック期の巨...

tabiparislax.com

2025.06.28

フランス、ナンシーの地で静かにその歴史を紡ぐナンシー美術館。そこには、17世紀バロックの荘厳さから、18世紀ロココの優雅さ、そして現代へと続くフランス絵画の豊かな系譜が息づいています。今回は、シャルル・ド・ラ・フォッスのようなバロック期の巨匠から、華麗な静物画で宮廷を魅了したジャン＝バティスト・モンノワイエ、さらにはロココ様式を牽引したカルル・ヴァン・ローまでの画家たちの珠玉の作品をご紹介します。西洋絵画にあまり馴染みがない方も、きっと一度は耳にしたことのある名前が多数登場するでしょう。彼らが描いた世界のきらめきを、ぜひご一緒に辿ってみませんか？

Charles de La Fosse　（1636-1716）

シャルル・ド・ラ・フォッスは、17世紀から18世紀初頭にかけてフランスで活躍した画家です。特にフランス・バロックの最後の巨匠の一人であり、ロココ様式への移行期の重要な画家とされています。

シャルル・ルブラン（フランス王立絵画彫刻アカデミーの創設者の一人）に師事し、ルブランの工房で学んだ後、1658年から1663年までイタリアに滞在し、ローマとヴェネツィアで修行しました。このイタリア滞在中に、彼は特にヴェネツィア派の豊かな色彩表現、ルーベンス、アンニーバレ・カラッチ、そしてコルジョの作品から強い影響を受けました。

彼の画風は、ルブランの厳格な古典主義に、イタリアで培った温かみのある色彩と柔らかな光の効果、そして軽快な筆致を融合させたものです。ルーベンスやヴェネツィア派の影響が強く見られ、より自由で感性的な表現を追求しました。このアプローチは、後にロココ様式へと発展する兆しを示していました。

チュイルリー宮殿、ヴェルサイユ宮殿、アンヴァリッド、パリノートルダム寺院などの装飾を手掛けたことで有名です。

L’Assomption (1682-86)

「聖母被昇天」（L’Assomption）は、キリスト教の伝統的な主題である聖母マリアが肉体と魂を伴って天に挙げられた（被昇天した）とされる出来事を描いたものです。この作品には、彼がイタリアで習得したヴェネツィア派の色彩と、師ルブランから受け継いだフランス・バロックの要素が融合した、彼の成熟期の画風がよく表れています。

Jean-Baptiste Monnoyer　（1636-1699）

ジャン＝バティスト・モンノワイエは、17世紀フランスの画家で、特に花や果物を描いた静物画の分野でその名を知られています。彼はフランスで生まれましたが、晩年はイギリスで活躍しました。

当時のフランス宮廷や貴族に非常に人気があり、ヴェルサイユ宮殿、マリー・アントワネットのプチ・トリアノン、シャンボール城など、フランス各地の王宮や邸宅の装飾のために多くの作品を制作しました。彼の花束の絵は、タペストリーや家具、陶器のデザインにも影響を与えました。

Fleurs et tapis (1665)

「花と絨毯」（Fleurs et tapis）は、彼がフランス静物画の分野で頂点を極めたことを示す代表作であり、その卓越した技術と美意識が凝縮された一作です。

Cavalier Pietro Tempesta　（1637-1701）

カヴァリエーレ・ピエトロ・テンペスタは、本名をピーター・ムリール（Pieter Mulier the Younger）といい、オランダ出身の風景画家です。イタリアで活動したことから「テンペスタ」（嵐、暴風雨を意味するイタリア語）の通称で知られるようになりました。これは、彼が特に劇的な嵐の風景や荒れた海を描くことを得意としたためです。

Marine (1660)

「海景」（Marine）は、彼の得意とする劇的な嵐の海景画の典型的な作品です。

Alexandre-François Desportes　（1661-1743）

アレクサンドル＝フランソワ・デポルトは、フランスの画家で、特に動物画、静物画、そして狩猟の場面を専門としました。

ルイ14世とルイ15世の両国王に仕え、特に国王のお気に入りの猟犬や、王室の狩猟の様子を描くことを依頼されました。

L’Automne(1741)

「秋」（L’Automne）は、「秋」という季節を象徴する要素で構成されています。これには、狩りの獲物（狩猟は秋の主要な活動でした）、秋の果物、野菜などが含まれることが多いです。デポルトは、狩猟犬や撃ち落とされた鳥、あるいは森の動物などをリアルに描き込むことで、その季節の豊かさや自然の恵みを表現しました。

Henri Antoine de Favanne　（1668-1752）

アンリ＝アントワーヌ・ド・ファヴァンヌは、17世紀末から18世紀にかけてフランスとイタリアで活躍した画家です。彼は、フランス・バロックからロココ様式への過渡期を代表する画家の一人として知られています。

パリで生まれ、まずラファエル・コラン（Raphaël Collin）に師事した後、シャルル・ド・ラ・フォッスの重要な弟子となりました。ラ・フォッスから、ヴェネツィア派の色彩やルーベンスの影響を受け継ぎ、優雅で色彩豊かな画風を学びました。

1693年にはローマ賞を受賞し、その後イタリアに留学。ローマでは古代美術やルネサンス、バロックの巨匠たちの作品を学び、特にカラッチ兄弟やコルジョ、グエルチーノから影響を受けました。ヴェネツィアにも滞在し、ティツィアーノやパオロ・ヴェロネーゼの色彩感覚を吸収しました。

Eliezer et Rebecca (1693)

エリ・エゼルとリベカ」（Eliezer et Rebecca）は、旧約聖書の「創世記」に記されている物語を題材としています。アブラハムが、息子イサクの妻を見つけるため、忠実な老僕エリ・エゼルを使者として故郷へ送ります。エリ・エゼルは、泉で出会った若い女性リベカの親切心と謙虚さに感銘を受け、彼女こそがイサクの妻となるべき女性だと確信する、という重要な場面です。

Gherardo Poli　（1675-1749）

ゲラルド・ポーリは、イタリアの画家で、主に17世紀末から18世紀にかけてフィレンツェで活躍しました。彼の画風は、フィレンツェ派の伝統と、同時代のロココ様式の影響が融合したものです。

Architecture en ruine avec la commedia dell’arte 

「廃墟の建築とコメディア・デッラルテ」（Architecture en ruine avec la commedia dell’arte）は、フィレンツェ派の伝統と、当時のロココ様式の優美さが融合した特徴を持っています。

画面の背景には、古代ローマ風の壮大な建築物の廃墟が描かれていると推測されます。これらの廃墟は、過ぎ去った栄光や、時の移ろいといったヴァニタス（虚栄）のテーマを暗示している場合があります。前景には、コメディア・デッラルテ（16世紀イタリアに起源を持つ即興仮面劇）の登場人物たちが描かれていると考えられます。

Architecture en ruine avec Jupiter tonnant (1730)

「廃墟の建築と雷鳴を轟かすユピテル」（Architecture en ruine avec Jupiter tonnant）は、先ほどと同様に、背景には廃墟が描かれています。前景にはローマ神話の最高神であるユピテルが、雷（稲妻）を手にしている彫刻が描かれています。

神話と風景、建築という異なるジャンルを見事に融合させ、その洗練された筆致と構図で観る者を引き込む、彼の代表作の一つです。

Fantaisie d’architecture en ruine avec Bellérophon frappant la chimère

「ベレロフォンがキマイラを打つ廃墟の建築ファンタジー」（Fantaisie d’architecture en ruine avec Bellérophon frappant la chimère）は、背景に廃墟が描かれています。前景には、ギリシャ神話の英雄ベレロフォンが、空を飛ぶ有翼の馬ペガサスに乗り、火を吐く怪物キマイラと戦う劇的な場面が彫刻として描かれています。

Gherardo Poli, Fantaisie d’architecture en ruine avec la naissance de Vénus (1730/1735)

「ヴィーナスの誕生を伴う廃墟の建築ファンタジー」（Fantaisie d’architecture en ruine avec la naissance de Vénus）は、背景に廃墟が描かれています。前景にはローマ神話の愛と美の女神ヴィーナスが誕生する場面が彫刻として描かれています。

François Lemoyne　（1688-1737）

フランソワ・ルモワーヌは、18世紀前半のフランス・ロココ初期を代表する画家です。彼は、フランス絵画がバロックからロココへと移行する重要な時期に活躍し、「フランスのベルニーニ」とも称されるほどの卓越した才能を発揮しました。

パリで生まれ、ボローニャ派の巨匠グイド・レーニの様式に影響を受けたルイ・ガレの工房で学びました。その後、1718年にローマ賞を受賞し、イタリアに留学。ローマではラファエロやコレッジョ、そしてベルニーニやピエトロ・ダ・コルトーナといったバロックの巨匠たちの作品を熱心に研究しました。特に、壮大な天井画や装飾画の技術を磨きました。

ヴェルサイユ宮殿の「ヘラクレスの間」の天井画を手掛けたことでも知られています。

La Continence de Scipion (1727)

「スキピオの禁欲」（La Continence de Scipion）は、古代ローマの歴史家ティトゥス・リウィウスの『ローマ建国史』に記されている有名なエピソードを題材としています。第二次ポエニ戦争中、ローマの将軍スキピオ・アフリカヌスが新カルタゴ（現在のカルタヘナ）を征服した際、捕虜となった美しい女性を彼女の婚約者と結婚させ、さらに彼女の持参金まで返還したという物語です。

Charles Antoine Coypel　（1694-1752）

シャルル・アントワーヌ・コワペルは、18世紀フランスの画家、劇作家、文筆家です。彼は、コワペル家という有名な芸術家一家の出身で、父は画家アントワーヌ・コワペル、祖父はノエル・コワペルという、いずれも王立絵画彫刻アカデミーで要職を務めた画家でした。

彼は父アントワーヌ・コワペルのもとで絵画を学び、幼い頃からその才能を示しました。1715年に王立絵画彫刻アカデミーの会員となり、1733年には教授、そして1747年にはアカデミーの学長（Premier Peintre du Roi）にまで昇進し、フランス美術界のトップに君臨しました。

コワペルは、歴史画、神話画、肖像画など多岐にわたるジャンルを手がけました。彼の画風は、家族から受け継いだフランス・バロックの伝統と、同時代のロココ様式の優雅さが融合したものです。ヴェルサイユ宮殿の装飾を手掛けたことでも有名です。

また、コワペルは画家としてだけでなく、文筆家としても才能を発揮しました。彼は劇作家として戯曲を書き、批評家としても活動し、18世紀フランスの宮廷文化と知識人層の両方で重要な役割を果たしました。ルイ15世の寵妃ポンパドゥール夫人とも親交がありました。

La destruction du palais d’Armide (1737)

「アルミードの宮殿の破壊」（La destruction du palais d’Armide）は、イタリアの詩人トルクァート・タッソによる叙事詩『解放されたエルサレム』（Jerusalem Delivered）に登場する有名なエピソードを題材としています。イスラムの女魔術師アルミードが、キリスト教の騎士リナルドを誘惑し、魔法の宮殿に閉じ込めますが、彼の仲間が駆けつけ、リナルドを目覚めさせて宮殿を破壊する、という劇的な場面です。この物語は、愛と義務、誘惑と信仰の葛藤を描いたもので、ロココ期に好まれた主題の一つでした。

Carle van Loo　（1705-1765）

カルル・ヴァン・ローは、18世紀フランスのロココ様式を代表する画家の一人です。彼は、有名な芸術家一家であるヴァン・ロー家（父は画家のルイ＝ヴァンサン・ヴァン・ロー、兄はジャン＝バティスト・ヴァン・ロー）の出身で、その才能は早くから開花しました。

トゥーロンで生まれ、父から絵画の手ほどきを受け、後にローマの兄ジャン＝バティスト・ヴァン・ローのもとで学びました。ローマでは、当時の古典主義的な美術やルネサンスの巨匠たち、そしてバロックの作品に触れ、その基礎を築きました。彼は1727年にローマ賞を受賞しています。

彼は、フランソワ・ブーシェやジャン＝オノレ・フラゴナールといったロココの巨匠たちと並び称される存在であり、18世紀フランス絵画の黄金期を牽引した中心人物の一人です。

L’Ivresse de Silène (1747)

「シレノスの酩酊」（L’Ivresse de Silène）は、ギリシャ神話に登場するシレノス（Silenus）を主題としています。シレノスは、ディオニュソス（バッカス）の従者であり、賢者であると同時に、常に酩酊している老いたサテュロスとして描かれます。彼は通常、ロバに支えられたり、酔いつぶれて横たわっていたりする姿で表現され、周囲にはサテュロスやマイナス（狂乱の女信者）といったディオニュソスの信者たちが集い、酒宴を楽しむ様子が描かれます。

Francesco Giuseppe Casanova　（1727-1803）

フランチェスコ・ジュゼッペ・カサノヴァは、18世紀に活躍したイタリアの画家、版画家です。有名な冒険家ジャコモ・カサノヴァの弟でもあります。

彼は主に戦闘場面（バトル・シーン）の専門家として知られています。若い頃にヴェネツィアで学び、特にジョヴァンニ・アントニオ・グアルディや、戦闘画家フランチェスコ・シモニニの工房で修行しました。その後、パリ、ドレスデン、ウィーンなどヨーロッパ各地で活動し、各国の宮廷でその才能を発揮しました。特に、フランスではアカデミー会員となり、サロンにも出展するなど高い評価を受けました。

Promenade  en barque (1788)

「舟遊び」（Promenade en barque）は、彼のキャリアの中でも、風景画や牧歌的な主題を手がけた一面を示す貴重な例です。彼の得意とする劇的な表現とは異なり、より穏やかで叙情的な雰囲気を持つ作品となっています。

Nicolas Henri Jeaurat de Bertry　（1728-1796）

ニコラ＝アンリ・ジョーラ・ド・ベルトリーは、18世紀フランスの画家です。彼は、特に静物画と風俗画の分野で活躍しました。

Memento Mori (1756)

「メメント・モリ」（Memento Mori）は、彼の得意とした「ヴァニタス（虚栄）」の主題、すなわち人生のはかなさや死の不可避性を象徴的に表現したものです。「メメント・モリ」（ラテン語で「死を想え」の意）という言葉自体が、この作品のテーマを直接的に示しています。

まとめ

ナンシー美術館に収蔵されているこれらの作品は、単に美しいだけでなく、それぞれの時代精神や画家たちの個性、そして当時の社会や文化を雄弁に物語っています。特に17世紀から18世紀にかけてのバロックとロココは、フランス絵画が最も華やいだ「黄金時代」とも言えるでしょう。この記事を通じて、シャルル・ド・ラ・フォッスが切り開いたロココへの道筋や、フランソワ・ルモワーヌのようなロココ初期の巨匠たちの世界観に触れていただけたなら幸いです。

もちろん、ナンシー美術館のコレクションはこれらの時代に留まりません。印象派以降の作品も充実しており、実際に現地でその色彩や筆致の豊かさを感じていただくことで、より深く鑑賞を楽しめるはずです。今回の記事が、皆さんがナンシー美術館を訪れる際のささやかな道しるべとなり、新たな芸術との出会いのきっかけとなることを願っています。

ナンシー美術館の概要についてはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館 ルーベンス カラヴァッジョ ドラクロワから印象派 現代美術までフランス最古の美術館へ行こう

ナンシー美術館に展示されている作品については、以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館でルネサンス芸術の輝きを体験！西洋絵画の夜明けを巡る旅
• ナンシー美術館で「知られざる巨匠たち」を発見！マニエリスムの魅惑的な世界を巡る旅
• 17世紀バロックの輝き：ナンシー美術館で出会う巨匠たちの光と影
• 壮麗なるバロックの調べ：ナンシー美術館で巡る17世紀後半の輝き
• ナンシー美術館が誘う、フランス絵画の黄金時代：17世紀バロックからロココの輝きへ
• フランス19世紀絵画の宝庫！ナンシー美術館で出会う巨匠たちの魂・アカデミズム・写実主義・ロマン主義
• 光と色彩の交響曲！ナンシー美術館で巡る新印象派・象徴主義・ナビ派の傑作
• 色彩が躍動する魂の表現！ナンシー美術館で出会うフォーヴィスムとモダニズムの傑作

地下にあるドームコレクションはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ドーム兄弟 コレクション ナンシー美術館の地下にある壮大なガラス作品

宗教画って、ちょっと難しそう…そう思っていませんか？でも、ご安心ください！今回の記事では、フランスの美しいナンシー美術館に所蔵されている、ルネサンス期の珠玉の作品たちを、気軽に楽しめるようにご紹介します。

ペルジーノ、レオナルド・ダ・ヴィンチの弟子たち、タッデオ・ディ・バルトロ、ヨース・ファン・クレーフェ、ルーカス・ファン・レイデンといった画家たちは、まさに西洋絵画が華々しく開花し、その後の多様な芸術が発展する礎を築きました。この時代の流れをなんとなくでも知っておけば、きっと西洋絵画鑑賞が何倍も楽しくなるはずです。

私自身、ヨーロッパの美術館を巡る中で「オーディオガイドはいらないけれど、もう少し簡単な説明が欲しいな」と感じてこの記事を書き始めました。ナンシー美術館をこれから訪れる方、あるいは西洋絵画に少しでも興味がある方の参考になれば幸いです。さあ、一緒に時を超えた芸術の旅に出かけましょう！

Taddeo di Bartolo　（1363-1422）

タッデオ・ディ・バルトロは、イタリアの初期ルネサンス期に活躍したシエナ派の画家です。

彼はシエナで生まれ、画業の多くを故郷シエナで過ごしましたが、ピサ、サン・ジミニャーノ、ペルージャなどイタリア各地でも活動しました。ヴァザーリの『画家・彫刻家・建築家列伝』にもその名が記されています。

Vierge à l’enfant (1396/67) 左側

Francesco Traini (1321-1365) Saint Paul (1344/45) 右側

《聖母子》（Vierge à l’enfant）は、キリスト教美術において最も広く描かれてきた主題の一つである、聖母マリアと幼子イエス・キリストを描いています。

フランチェスコ・トライーニ（Francesco Traini）は、14世紀イタリア、特にピサとボローニャで活動した画家です。《聖パウロ》（Saint Paul）は、おそらくピサのサンタ・カテリーナ教会のために制作された聖ドメニコの多翼祭壇画の一部、あるいはそれと同時代の別の多翼祭壇画の側面パネルとして描かれたと考えられます。

Perugino　（1446-1523）

ペルジーノ（Perugino、本名ピエトロ・ヴァンヌッチ）は、イタリア盛期ルネサンス初期を代表する画家で、特にウンブリア派の主要人物として知られています。

彼の画風は、その優雅で調和のとれた構図、甘美な色彩、そして瞑想的で穏やかな雰囲気が特徴です。人物はしばしば理想化され、静かで端正な表情で描かれ、見る者に深い精神性と安らぎを与えます。

ペルジーノは、初期にはフィレンツェでピエロ・デラ・フランチェスカに師事したと考えられており、彼の作品に見られる空間の明晰さや光の表現にその影響が見られます。

ペルジーノとレオナルド・ダ・ヴィンチは、フィレンツェのアンドレア・デル・ヴェロッキオ（Andrea del Verrocchio）の工房で、ほぼ同時期に修行していました。

システィーナ礼拝堂やバチカン市国などの壁画を描いたことでも有名です。

彼は非常に成功した工房を運営し、特にルネサンスの巨匠ラファエロの師であったことでも有名です。ラファエロは初期の作品でペルジーノの様式を強く受け継ぎ、それをさらに発展させました。

Vierge à l’Enfant avec saint Jean-Baptiste et deux anges (1505)

《洗礼者聖ヨハネと二人の天使を伴う聖母子》（Vierge à l’Enfant avec saint Jean-Baptiste et deux anges）は、聖母マリアが幼子イエスを抱き、その傍らに幼い洗礼者聖ヨハネと二人の天使が描かれた場面を表現しています。この構図は、聖家族の親密な描写と、信仰の象徴的な意味を兼ね備えています。

Francesco de Tatti　（1470-1532）

フランチェスコ・デ・タッティは、イタリアのルネサンス期の画家です。ヴァレーゼで生まれました。

Vierge à l’Enfant accompagnée par deux anges (1512)

《二人の天使を伴う聖母子》（Vierge à l’Enfant accompagnée par deux anges）は、聖母マリアと幼子イエス・キリストを描いたものです。画面には、聖母子を取り囲むように二人の天使が配されており、神聖な雰囲気を高めています。

Joos van Cleve　（1485-1540）

ヨース・ファン・クレーフェは、16世紀前半にアントウェルペン（アントワープ）で活動したフランドルの主要な画家です。本名はヨース・ファン・デル・ベケですが、出身地であるクレーフェにちなんでこの通称で知られるようになりました。

彼は、当時のアントウェルペンで最も成功した画家の一人であり、大規模な工房を経営していました。

Le Mariage mystique de sainte Catherine (1514)

《聖カタリナの神秘の結婚》（Le Mariage mystique de sainte Catherine）は、キリスト教の聖人である聖カタリナ（アレクサンドリアの聖カタリナ）が、幼子イエスと神秘的に結婚する場面を描いたものです。これは、聖カタリナがキリストに霊的に献身する象徴的な出来事であり、中世からルネサンス期にかけて広く描かれた人気の高い主題です。

Wilhelm Stetter　（1487-1552）

ヴィルヘルム・シュテッターは、16世紀のドイツ・ルネサンス期に活動した画家です。ストラスブールで生まれ、同地で亡くなりました。

シュテッターは、単なる画家ではなく、カトリックの司祭でもありました。1512年にバーゼルで叙階され、1509年から1510年頃にはストラスブールの聖ヨハネ騎士団に入団し、1522年にはその教団の管理人を務め、亡くなるまでその職にありました。彼の現存する作品の多くは、この教団のために制作されたと考えられています。

Wilhelm-stetter-la-decollation-de-saint-jean-baptiste (1515)

《洗礼者聖ヨハネの斬首》（Wilhelm-stetter-la-decollation-de-saint-jean-baptiste）は、新約聖書の物語から、洗礼者聖ヨハネがヘロデ王の命により斬首される場面を描いたものです。

Ecce Homo (1521) 左側

La Mise au tombeau (1536) 中央

L’Apparition du Christ à Marie-Madlene (1523) 右側

《エッケ・ホモ》（Ecce Homo）は、新約聖書の福音書に記されたキリストの受難の場面の一つ、「エッケ・ホモ（ラテン語で「見よ、この人だ」の意）」を描いています。これは、ローマ総督ピラトが、鞭打たれ茨の冠をかぶせられたイエス・キリストを群衆の前に引き出し、「見よ、この人だ」と叫び、キリストの処刑を求める群衆の意志を問うた瞬間のことです。

《キリストの埋葬》（La Mise au tombeau）は、イエス・キリストが十字架から降ろされた後、墓へと運ばれる場面を描いています。

《キリストのマリア・マグダレナへの出現》（L’Apparition du Christ à Marie-Madlene）は、イエス・キリストが復活した後に、最初に姿を現したとされるマリア・マグダレナに現れる場面を描いています。

Marinus van Reymerswale　（1490-1546）

マリヌス・ファン・レイメルスワーレは、16世紀前半に活躍したオランダ（ネーデルラント）の画家です。彼は、ゼーラント州のレイメルスワーレで生まれ、アントウェルペンで修行を積んだ後、故郷のゼーラントで活動しました。

Les Compteurs d’argent

《両替商たち》（Les Compteurs d’argent）は、机に向かって金銭を数えたり、帳簿をつけたりしている徴税人や両替商の姿を描いています。これは、マリヌス・ファン・レイメルスワーレが最も得意とした風刺的なジャンル画の典型です。

Giovanni Antonio Sogliani　（1492-1544）

ジョヴァンニ・アントニオ・ソリアーニは、イタリア盛期ルネサンス期に活躍した画家です。主にフィレンツェを拠点として活動しました。ロレンツォ・ディ・クレーディの工房で長年にわたって修行を積み、師の様式に忠実であったとされています。

Tobie conduit par l’ange (1515)

《天使に導かれるトビアス》（Tobie conduit par l’ange）は、旧約聖書外典の「トビト記」に登場するトビアスの旅の物語を描いています。盲目の父トビトの目を癒す薬草を求めて旅に出る息子トビアスが、実は大天使ラファエルである旅の道連れに導かれながら旅をするという、信仰と奇跡の物語です。

Lucas van Leyden　（1494-1533）

ルーカス・ファン・レイデンは、16世紀のネーデルラント（現在のオランダ）を代表する画家であり、特に版画家として非常に高い評価を受けています。

La Passion du Christ

《キリストの受難》（La Passion du Christ）を描いています。

Giampietrino　（1495-1549）

ジャンピエトリーノ（本名はおそらくジョヴァンニ・ピエトロ・リッツォーリ）は、イタリア盛期ルネサンス、特にレオナルド・ダ・ヴィンチのミラノの工房で活動した主要な弟子の一人です。

Christ au roseau

《茨の冠をかぶせられたキリスト》（Christ au roseau）は、イエス・キリストの受難の物語から、ローマ兵に嘲弄され、茨の冠をかぶせられ、王笏の代わりに葦の棒（roseau）を持たされた場面を描いています。

ダヴィンチの画風が色濃く反映されています。特に、スフマート（ぼかし技法）を用いた柔らかな光と影の表現、人物の肌の質感、そして深い瞑想に沈むようなキリストの表情に、影響が見られます。

Maître du Saint-Sang　（1500？）

サン＝サン（聖なる血）の画家（Maître du Saint-Sang）は、16世紀前半（活動時期：1510年頃 – 1520年代半ば）にフランドル、特にブルージュで活動した匿名の画家、または画家集団に与えられた通称です。彼の本名や詳しい経歴は不明です。

Déposition de croix avec Joseph d’Arimathie

アリマタヤのヨセフを伴う十字架降架（Déposition de croix avec Joseph d’Arimathie）は、イエス・キリストが磔刑に処された後、十字架から降ろされる場面を描いています。特に「アリマタヤのヨセフ」が主題名に含まれているように、キリストの遺体を降ろし、埋葬の準備をするヨセフが重要な役割を担って描かれています。これは、キリストの受難の物語における、最も感情的で悲劇的な瞬間のひとつです。

Matthias Gerung　（1500-1570）

マティアス・ゲルングは、16世紀のドイツ・ルネサンス期に活躍した画家であり、特に版画家、そして細密画家（彩飾写本画家）としても知られています。彼はネルトリンゲンで生まれ、ラウインゲンを拠点に活動しました。

彼の師はハンス・シャイフェラインであったと考えられています。

L’enlevement d’Helene (1530/31)

《ヘレネの略奪》（L’enlèvement d’Hélène）は、ギリシア神話の有名なエピソード、パリスによるトロイア戦争の発端となったスパルタ王妃ヘレネの誘拐を描いています。

Jan Sanders van Hemessen　（1500-1566）

ヤン・サンデルス・ファン・ヘメッセンは、フランドル・ルネサンスの主要な画家で、イタリア・ルネサンス絵画に影響を受けた「ロマニスト」と呼ばれるフランドルの画家グループの一員です。

彼はアントウェルペンで活動し、1524年にはアントウェルペン画家組合のマスターとなり、1548年には組合長を務めました。風俗画や宗教画、肖像画を得意とし、力強い構図や写実的な表現が特徴です。彼の娘であるカタリナ・ファン・ヘメッセンも画家として知られています。

Le Christ chassant les marchands du Temple (1556)

「神殿から商人を追い出すキリスト」（Le Christ chassant les marchands du Temple）は、イエスがエルサレムの神殿で商売を行う者たちや両替商を鞭で追い出すという新約聖書の有名なエピソードを描いています。ヘメッセンは、この場面を当時のアントウェルペンの大聖堂を思わせるような壮大な空間に置き換えて表現しています。

特筆すべきは、当時の宗教改革の背景にあるカトリック教会とプロテスタントの対立がこの作品に反映されている点です。イエスが商人たちを厳しく罰する姿は、プロテスタントに対抗するカトリック教会の積極的な行動の寓意として解釈されることがあります。この作品が制作された1556年は、イエズス会がネーデルラントに設立され、カトリックの先鋒となった年でもあり、そのメッセージが込められていると考えられています。

まとめ

ナンシー美術館に所蔵されている、ルネサンス期の魅力的な作品たちをご紹介しました。一人ひとりの画家の生涯や作品背景を深く掘り下げると膨大な情報量になってしまうため、今回はそれぞれの作品のポイントをかいつまんでお伝えしましたが、いかがでしたでしょうか？

もしかしたら、最初は宗教画に苦手意識がある方もいらっしゃるかもしれませんね。でも、たくさんの美術館を訪れて様々な作品に触れていくうちに、きっとその奥深さや美しさに気づき、自然と楽しめるようになるはずです。

今回ご紹介した画家たちは、皆、その後の美術史に多大な影響を与えた重要な存在です。もし少しでもご興味を持たれたら、ぜひご自身でさらに詳しく調べてみてください。そして、ぜひ実際に様々な美術館を訪れて、それぞれの作品を自分の目で見て、比べて鑑賞する体験をしてみてください。きっと新たな発見と感動があるはずです。

最後までお読みいただき、ありがとうございました！この情報が、皆さんの芸術鑑賞の一助となれば嬉しいです。

ナンシー美術館の概要についてはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館 ルーベンス カラヴァッジョ ドラクロワから印象派 現代美術までフランス最古の美術館へ行こう

ナンシー美術館に展示されている作品については、以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。

• ナンシー美術館でルネサンス芸術の輝きを体験！西洋絵画の夜明けを巡る旅
• ナンシー美術館で「知られざる巨匠たち」を発見！マニエリスムの魅惑的な世界を巡る旅
• 17世紀バロックの輝き：ナンシー美術館で出会う巨匠たちの光と影
• 壮麗なるバロックの調べ：ナンシー美術館で巡る17世紀後半の輝き
• ナンシー美術館が誘う、フランス絵画の黄金時代：17世紀バロックからロココの輝きへ
• フランス19世紀絵画の宝庫！ナンシー美術館で出会う巨匠たちの魂・アカデミズム・写実主義・ロマン主義
• 光と色彩の交響曲！ナンシー美術館で巡る新印象派・象徴主義・ナビ派の傑作
• 色彩が躍動する魂の表現！ナンシー美術館で出会うフォーヴィスムとモダニズムの傑作

地下にあるドームコレクションはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

• ドーム兄弟 コレクション ナンシー美術館の地下にある壮大なガラス作品