オルセー美術館の彫刻コレクションは、単なる装飾品ではありません。それは、伝統を打ち破り、近代彫刻の扉を開いた「革命家たち」の物語です。

この記事では、前回ご紹介したアカデミックな作品群とは対照的に、人間の内面や感情、そして新たなフォルムの可能性を追求した革新的な彫刻家たちに焦点を当てます。「近代彫刻の父」ロダン、そして彼に影響を与えた、あるいは対抗したアーティストたちの傑作を通じて、彫刻史の劇的な変化を読み解いていきましょう。

Edgar Degas (1834-1917)

エドガー・ドガは、印象派を代表する画家として知られていますが、実は生涯を通じて熱心に彫刻を制作した、重要な彫刻家でもありました。

ドガは、彫刻を絵画のための習作と位置づけ、特に人物や動物の動きを研究するために用いました。そのため、彼の彫刻の多くは、非常に生き生きとした動きや、瞬間的なポーズを捉えています。

Petite danseuse de 14 ans 

Petite danseuse de 14 ans（14歳の小さな踊り子）は、パリ・オペラ座でバレエを学ぶ少女、マリー・ファン・ゴーテムをモデルにしています。

この作品は、発表当時「醜い」「不道徳だ」といった厳しい批判を受け、その後、ドガは生きてる間に二度と彫刻を公に展示することはありませんでした。しかし、後にこの作品は近代彫刻の傑作として再評価されました。

Auguste Rodin (1840-1917)

オーギュスト・ロダンは、19世紀末から20世紀初頭にかけて活躍したフランスの彫刻家で、近代彫刻の概念を根本から変えたことから「近代彫刻の父」と呼ばれています。

ロダンはパリの国立高等美術学校への入学を3度失敗し、代わりに装飾美術学校で学びました。その後、彫刻家アルベール＝エルネスト・カリエ＝ベルーズの工房で働き、ブロンズやテラコッタの装飾品を制作しました。

彼の作風は、それまでのアカデミックな理想主義や古典主義とは一線を画していました。彼は、人間の内面的な感情、苦悩、情熱といった精神性を、躍動感のある肉体と、荒々しい表面のテクスチャーを通じて表現しました。この革新的なアプローチは、当時の伝統的な芸術観に大きな衝撃を与えました。

Balzac (1897)

Balzac（バルザック）は、フランスの作家オノレ・ド・バルザックを主題に、作成しています。ロダンは、この作品を制作するために約7年もの歳月を費やし、バルザックの生涯と作品を深く研究しました。

ロダンは、伝統的な肖像彫刻のように作家の顔を克明に描写するのではなく、夜会服をまとったバルザックが思考のプロセスに没頭している姿を、まるで布をまとったかのような巨大な塊として表現しました。この作品は、人間の精神性や創造力の本質を、外見の細部よりも重視するという、ロダンの革新的な芸術観を象徴しています。

彼は、この作品を生涯にわたる傑作と見なしていましたが、生前、ブロンズに鋳造されることはありませんでした。彼の死後、1939年に初めてブロンズに鋳造され、後にオルセー美術館の重要な収蔵品となりました。

L’HOMME QUI MARCHE (1907)

L’HOMME QUI MARCHE (歩く人)は、元々別の作品《洗礼者ヨハネ》のために制作された習作の断片から生まれました。ロダンは、その胴体と脚部を組み合わせて拡大し、独立した作品として完成させました。彼は、人物のアイデンティティや物語性よりも、歩行という動作そのもの、すなわち、人体が持つ力と躍動感を表現することに焦点を当てました。

SAINT JEAN-BAPTISTE (1880)

SAINT JEAN-BAPTISTE（洗礼者ヨハネ）は、キリスト教の聖人である洗礼者ヨハネを主題としていますが、従来の理想化された表現とは一線を画しています。ロダンは、この荒々しくも力強い裸体像を通して、聖人の崇高な精神性を肉体的な迫力で表現しました。

Jean d’Aire (1886)

Jean d’Aire (ジャン・デール)は、ロダンの最も有名なグループ彫刻《カレーの市民》を構成する六人の人物のうちの一人です。

《カレーの市民》は、英仏百年戦争中の1347年、英国軍に包囲されたカレー市の市民が、降伏の条件として身代わりを申し出た歴史的な出来事を描いています。ジャン・デールは、その身代わりとなった六人の市民の一人です。

すぐ近くにロダン美術館がありますので、ぜひお時間のある方は立ち寄って見てくださいね。

ロダン美術館についてはこちらで詳しくご紹介させて頂いております。

パリのロダン美術館 見どころ＆所要時間！地獄の門や庭園を解説【地図付】

「ロダンの考える人」を知らない人は、まずいないと言っても過言ではないと思います。そんな世界的に有名な彫刻を創り出した「ロダンの美術館」がパリの中心地にあります。ルーブル美術館をはじめとする有名な美術館は、沢山の有名作品が鑑賞できるので、ぜひ...

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2024.12.28

Auguste Renoir (1841-1919)

オーギュスト・ルノワールは、印象派を代表する画家として知られていますが、晩年には彫刻家としても活動しました。彼の彫刻は、重度のリウマチにより筆を持つことが困難になった時期に制作されたものです。

ルノワールは、自らの手で彫刻を制作することができなかったため、1913年から1918年まで、若い彫刻家リシャール・ギノ（Richard Guino (1890-1973)）と協力しました。彼はギノに口頭で指示を出し、ギノがその指示に従って粘土を形作るというユニークな共同作業によって、ルノワールの頭の中のビジョンが立体化されました。

Eau (1917)

Eau (水)は、ルノワールの晩年の絵画に見られる、豊かで丸みのあるフォルムがそのまま立体化されており、身体の輪郭は柔らかく、流れるような印象を与えます。この作品は、ルノワールが追求した官能性と生命の喜びを、彫刻という媒体で表現した好例です。

Eau (1916) 左　Coco (1907) 中央　Feu (1916) 右

Coco (ココ)は、子供らしい無邪気さと、生き生きとした表情を捉えたブロンズ像で、ルノワールが家族に向けた温かい眼差しが感じられます。絵画で描かれた柔らかな筆致が、そのまま立体になったかのような、温かみのある作風が特徴です。

Feu (火)は、情熱や生命の炎を思わせます。

これらの作品は、自然の要素を女性像で表現しています。

Jugement de Pâris (1914)

Jugement de Pâris (パリスの審判)は、ギリシャ神話の有名なエピソード「パリスの審判」を主題としています。トロイアの王子パリスが、ヘラ、アテナ、アフロディテの三女神のうち、最も美しい一人を選ぶ物語です。

Madame Renoir (1916)

Madame Renoir (ルノワール夫人)は、ルノワールの生涯にわたるミューズであり、妻であったアリーヌ・ルノワールの胸像です。アリーヌは前年の1915年に亡くなっており、この彫刻は彼女の死後に制作された、愛情に満ちた追悼の作品と言えます。

Albert Bartholomé (1848-1928)

アルベール・バルトロメは、19世紀末から20世紀初頭にかけて活躍したフランスの彫刻家であり、画家でもありました。

バルトロメは、画家としてキャリアを始め、有名な画家エドガー・ドガとも親交がありました。しかし、妻の死をきっかけに彫刻へと転向しました。彼は伝統的なアカデミズム彫刻から離れ、人間の内面的な感情や精神性を探求する象徴主義的な作風を確立しました。彼の作品は、写実的な描写に加えて、見る者に深い感動を与える詩的な雰囲気を兼ね備えています。

La Philosophie, la Vérité et la Nature (1910) 奥

La Musique (1910) 左側、手前

Jean-Jacques Rousseau (1912) 中央、手前

La Gloire (1910) 右側、手前

La Philosophie, la Vérité et la Nature (哲学、真理、自然) 奥は、哲学、真理、自然という三つの抽象的な概念を、三人の女性像で表現した寓意的な作品です。彼女たちは静かに身を寄せ合い、内省的で憂鬱な雰囲気を漂わせています。

La Musique (音楽) 左側、手前は、女性像を主題とした象徴的な彫刻で、バルトロメ特有の静謐で優美なスタイルが表れています。音楽を「抽象概念としての芸術」として擬人化したもので、柔らかい表情や穏やかなポーズを通じて、音楽がもたらす調和や精神性を表現しています。

Jean-Jacques Rousseau (ジャン＝ジャック・ルソー) 中央、手前は、啓蒙思想家ジャン＝ジャック・ルソー（1712–1778）を記念した作品で、落ち着いた表情と端正な造形が特徴です。古典的な様式を基盤にしつつ、人物の知性と精神性を強調するアカデミックな仕上がりとなっています。

La Gloire (栄光) 右側、手前は、「栄光」を擬人化した女性像で、バルトロメの典型的なアカデミックな様式が表れています。静かで堂々としたポーズや、気品ある表情を通じて、栄光が持つ崇高さと普遍性を象徴しています。

Jules Desbois (1851-1935)

ジュール・デボワは、19世紀後半から20世紀初頭にかけて活躍したフランスの彫刻家です。

デボワは、はじめ画家を目指しましたが、後に彫刻家へと転向しました。彼はロダンのもとで働き、《地獄の門》などの制作に協力しました。その作風は、ロダンのような力強い表現と、内面的な苦悩や人間の死生観といった主題を追求する象徴主義的な傾向が特徴です。特に、病や老い、そして死をテーマにした作品は、見る者に強烈な印象を与えます。

Torse d’homme (1934)

Torse d’homme (男のトルソ)は、頭部と四肢を欠いた男性の胴体のみを表現したものです。この断片的な表現は、デボワが師事したオーギュスト・ロダンの作風から強く影響を受けています。

François Pompon (1855-1933)

フランソワ・ポンポンは、20世紀初頭に活躍したフランスの彫刻家です。

ポンポンは、若い頃にロダンの工房で働いていましたが、後にロダンのような人間的な感情を表現する作風から決別しました。彼は、動物の動きや生命感を、極限まで無駄を削ぎ落とした滑らかな曲線と簡潔な形で表現することに専念しました。

Ours blanc (1923-33)

Ours blanc (シロクマ)は、ポンポンの最も有名かつ代表的な作品です。彼はこの彫刻で、従来の写実的な動物表現を脱し、動物の本質を極限まで単純化された滑らかなフォルムで表現しました。

Ours blanc (1923-33)

シロクマの毛並みや筋肉の細部はすべて削ぎ落とされ、光が美しく反射する流れるような曲線と、純粋な形のみで構成されています。この簡潔さは、シロクマの穏やかな動きと、力強い存在感をより際立たせています。

Anders Zorn (1860-1920)

アンダース・ゾーンは、19世紀末から20世紀初頭にかけて活躍したスウェーデンの画家、彫刻家、版画家です。

アンダース・ゾーンは、優れた画家として有名ですが、実は彫刻家としても非常に才能がありました。彼は、絵画と同様に、彫刻でも生命力あふれる作品を数多く残しています。

Figure pour une fontaine II (1911)

Figure pour une fontaine II（噴水のための像II）は、噴水装飾のための女性裸体像 として制作されました。水との調和を意識した流れるようなポーズと、ゾーン特有の写実的で生命感あふれる肉体表現が特徴です。

Aristide Maillol (1861-1944)

アリスティド・マイヨールは、フランスの彫刻家、画家、版画家です。

マイヨールは、はじめ画家としてキャリアをスタートさせましたが、後に彫刻に転向しました。彼の彫刻作品の多くは、女性の裸体をモチーフにしており、単純化されたフォルムと量感、そして静謐な雰囲気が特徴です。ロダンとは対照的に、感情的な表現や劇的な動きを排し、安定感と調和を追求しました。彼の作品は、古代ギリシャの彫刻を思わせるような、力強くも穏やかな美しさを持っています。

ブールデル、ロダンの影響（全く違う方向を選んだこと）や、同時代の画家たち、シャバンヌ、ゴーギャンなどの影響を強く受けています。

1964年、当時の文化大臣アンドレ・マルローの意向により、チュイルリー公園に彼の多くの作品が展示されています。

La Méditerranée (1923-27)

La Méditerranée (地中海)は、座った女性の裸体をモチーフにしています。彼女は片方の膝を立てて座り、腕をその上に置く、瞑想的なポーズをとっています。ロダンのように感情を激しく表現するのではなく、単純化されたフォルムと重厚な量感によって、安定感と静謐な雰囲気が表現されています。この作品は、マイヨールが追求した「新しい古典主義」の理想を完璧に具現化したものと評されます。

この作品のタイトル「地中海」は、マイヨールの故郷であるフランス南部の地中海地方の穏やかで温かい気候と、古代ギリシャ・ローマ文化の美を象徴していると解釈されています。

Etude pour la Montagne (1935) 左側から

Femme assise les jambes allongées (1923)

Torse de femme (1900)

Baigneuse debout (1900)

Eve à la pomme (1899)

Femme assise sur ses talons (1900)

Danseuse (1896)

Etude pour la Montagne (習作モンターニュ) は、マイヨールが1934年に出会った若きモデル、ディナ・ヴィエルニーをモデルとしています。女性の裸体像がうつ伏せになり、片肘をついて頭を支えるという特徴的なポーズをとっています。このポーズは、山脈の起伏を思わせる力強い量感と、安定した構成を表現しており、マイヨールの芸術的特徴がよく表れています。

Femme assise les jambes allongées (脚を伸ばして座る女)は、ポルト=ヴァンドルの戦没者記念碑のための習作として、制作した彫刻です。

Torse de femme (女性のトルソ)は、頭部と四肢を欠いた女性の胴体のみで構成されています。

Baigneuse debout (水浴びをする女（立つ姿）)は、装飾的な象徴主義から脱却し、簡潔で量感のある、記念碑的な表現へと移行する転換点を示しています。

Eve à la pomme (リンゴを持つイヴ)は、聖書に登場するイヴをモチーフにしており、リンゴを持つ女性の裸体を表現しています。しかし、従来のイヴ像のような物語性や劇的な感情表現は抑えられ、代わりに肉体そのものが持つ量感と静謐な美しさに焦点が当てられています。

Femme assise sur ses talons (踵の上に座る女)は、頭を膝に預けるような内省的なポーズと、身体が持つ重厚な量感が特徴です。このような姿勢をとることで、マイヨールは、簡潔で自立した、力強いフォルムを生み出しています。

Danseuse (踊り子)は、象徴主義やアール・ヌーヴォーの影響下にあった時代の作風をよく示しています。

Jeune fille à la draperie (1921)

Jeune fille à la draperie (ドレープをまとった若い娘)は、彼の代表作である裸婦像と同様に、簡潔で力強いフォルムを追求しています。しかし、ここでは、体を部分的に覆うドレープ（布）が、その下の身体の量感と優美な曲線を際立たせる役割を果たしています。

Monument à Cézanne (1912-25)

Monument à Cézanne (セザンヌ記念碑)は、セザンヌの死後に彼の功績を称えるため、フランス政府から依頼されて制作されました。しかし、完成した作品はセザンヌの肖像ではなく、マイヨールの代表的なモチーフである横たわる女性の裸体でした。この造形は、感情的な表現を排し、安定したフォルムと静謐な美を追求したマイヨールの芸術観を象徴しています。

この記念碑は、完成後大きな論争を巻き起こしました。セザンヌの家族や公衆は、画家への敬意を示すものとして、より伝統的な肖像彫刻を期待していました。そのため、女性の裸体像であるこの作品は、追悼にふさわしくないという批判を受け、設置が長年見送られました。

最終的に、この作品は『セザンヌへのオマージュ』として、パリのリュクサンブール公園に設置されました。この作品は、公衆の期待に反しても自身の芸術的信念を貫いたマイヨールの姿勢を示す、重要な作品として知られています。

Désir (1907)

Désir (欲望)は、女性像をテーマにした初期の重要な彫刻作品のひとつです。表情や細部の感情描写は抑えられ、全体の曲線や量感、安定したシルエットが強調されています。

Baigneuse (1902)

Baigneuse (水浴びをする女)は、感情的な物語性や装飾的な要素を排除し、純粋なフォルムと量感に焦点を当てています。力強くも穏やかなポーズは、古代ギリシャ彫刻を思わせる静謐で普遍的な美を表現しています。

Jeunesse (1910)

Jeunesse (青春)は、シンプルで、内側から満ち溢れる生命力と健康的な美しさを感じさせます。マイヨールは、若さや生命の活力を、物語的な表現や過剰な感情に頼ることなく、力強くも滑らかなフォルムと安定感のある構成によって描き出しました。

Le Cycliste (1907)

Le Cycliste (自転車に乗る人)は、マイヨールの全作品の中でも特に珍しい、異色の存在として知られています。自転車という近代的なテーマを扱いながらも、マイヨールは動きの瞬間を捉えるのではなく、男性の肉体の量感と、安定した力強い構成に焦点を当てています。

Emile-Antoine Bourdelle (1861-1929)

エミール＝アントワーヌ・ブールデルは、はじめ家具職人として働き、その後パリに出て彫刻家を志しました。1893年から1908年まで、彼はオーギュスト・ロダンの助手を務め、その影響を強く受けました。しかし、彼はロダンの感情的で内省的な作風とは異なり、より力強く、構造的で、記念碑的な表現を追求しました。彼の作品は、古代ギリシャのアルカイック期や中世のゴシック彫刻からインスピレーションを得ており、力強い単純化とリズム感が特徴です。

Héraklès archer (1909)

Héraklès archer (弓をひくヘラクレス)は、彼の最も有名な彫刻作品です。

ギリシャ神話の英雄ヘラクレスが、弓を引く瞬間の極限の緊張と集中を表現しています。体を大きくひねり、片足で岩に踏ん張るダイナミックなポーズは、筋肉の動きと内なるエネルギーを視覚的に伝えています。

Héraklès archer (1909)

感情的な描写よりも、構造とフォルムの力を重視しました。この作品の力強く、やや誇張された形態は、彼が感銘を受けた古代ギリシャのアルカイック期（古拙期）の彫刻や、中世のゴシック彫刻の影響を明確に示しています。

日本でも国立西洋美術館などに展示されています。

Camille Claudel (1864-1943)

カミーユ・クローデルは、フランスの彫刻家であり、オーギュスト・ロダンの弟子でありながら、独自の芸術的才能とスタイルを確立しました。

クローデルは、若くして彫刻の才能を開花させ、1884年にロダンのアトリエに入りました。彼女はロダンの助手、協力者、そして恋人として、彼の芸術活動に大きな影響を与えましたが、次第にロダンとは異なる独自の表現を追求するようになります。

彼女の作品は、ロダンとは異なり、より個人的で、感情的、そして詩的なテーマを扱いました。愛、苦悩、そして孤独といった深い感情が、彼女の作品に力強く刻み込まれています。しかし、ロダンとの破局や私生活の苦悩から、彼女は精神的に不安定になり、後半生を精神病院で過ごすことになりました。

L’Age mûr (1897)

L’Age mûr (成熟の時代)は、彼女の人生と芸術において最も重要な彫刻作品です。この作品は、ロダンとの関係の破局という、彼女の個人的な苦悩を象徴的に表現しています。

この彫刻は、3体の人物像からなる群像です。

1. 男性の人物: 中心の男性は、恋人の手から逃れ、年老いた女性に導かれています。この男性は、オーギュスト・ロダンを象徴すると解釈されています。
2. 若くひざまずく女性: 後ろでひざまずき、男性にすがるように手を伸ばしている裸の女性は、カミーユ・クローデル自身です。
3. 年老いた女性: 裸の男性を連れ去るように引っ張っている年老いた女性は、ロダンの長年の伴侶であるローズ・ブーレを象徴しています。

この作品は、愛と裏切り、そして時間の経過による絶望を、力強く痛切に描いています。その圧倒的な感情表現は、クローデルの比類ない才能を示すと同時に、彼女の人生の悲劇性を物語っています。

Etude II pour Sakountala (1886) 左側から

Tête de vieille femme, étude pour l’Âge mûr (1890)

Torse de Clotho (1893)

L’Hiver (1890) Auguste Rodin 

La Misère (1893-94) Jules Desbois

Etude II pour Sakountala (シャクンタラーのための習作II) は、ひざまずく男性が、女性をそっと抱きしめるという、親密な瞬間を捉えています。このテーマは、古代インドの叙事詩『シャクンタラー』から着想を得ており、記憶をなくした王が、愛するシャクンタラーと再会する物語を象徴しています。この作品は、クローデルとロダンの関係が最も親密だった時期に制作されており、二人の情熱的で愛に満ちた関係を映し出していると解釈されています。

Tête de vieille femme, étude pour l’Âge mûr (老婆の頭部、習作)は、「成熟の時代」に登場する年老いた女性の頭部の習作です。

Torse de Clotho (クロトのトルソ・習作)は、ギリシャ神話に登場する「運命の三女神（モイラ）」の一人、クロトの胴体（トルソ）を表現しています。クロトは人生の糸を紡ぐ役割を担う女神ですが、クローデルは彼女を、理想化された美ではなく、深い苦悩と運命に翻弄される人間の姿として描いています。

L’Hiver (冬) Auguste Rodin は、寒さに身を震わせる女性の裸体を描いています。女性は肩をすくめ、寒さから身を守るように縮こまっており、そのポーズ全体から孤独や辛さが伝わってきます。

La Misère (貧困) Jules Desboisは、貧困というテーマを、人間が直面する絶望や苦悩として、容赦なく生々しく表現しています。

まとめ

いかがでしたか。 ロダン、クローデル、マイヨール、そしてルノワールやドガなど、この個性豊かな彫刻家たちは、それぞれが独自の道を切り開きました。彼らの作品は、単なる人やモノの形を写し取ったものではなく、作者自身の感情や哲学を深く反映しています。

オルセー美術館の彫刻は、同じ時代に制作されたものでも、伝統的な美を追求した作品と、革新的な表現を試みた作品が隣り合って展示されています。ぜひ次回は、それぞれの作品を比較しながら、近代彫刻がたどった驚くべき進化の過程を肌で感じてみてください。

今回も最後までお読みいただきありがとうございました。

オルセー美術館に展示されている彫刻作品については、以下の記事で詳しく解説させて頂いております。

• オルセー美術館の彫刻が面白い！19世紀アカデミズム彫刻の見どころを徹底解説
• オルセー美術館の彫刻が面白い！ロダンと革新者たちが切り開いた近代彫刻の世界

今回は、「Eurostar公式アプリ」を使って、ユーロスター（タリス）を予約する方法をご紹介させて頂きます。

2023年10月に、「Thalys（タリス）」がユーロスターに統合されたため、非常に使い勝手の良かった「タリスアプリ」が利用出来なくなりました。

そのためスマートフォンで従来のタリスを予約するには、ユーロスターアプリを利用しなくてはならなくなりました。

シンプルで簡単に予約が出来るアプリですので、どなたでも安心して利用することが出来ると思います。

それでは早速ご紹介させて頂きます。

Eurostar公式アプリのダウンロード

‎Eurostar Trains

‎Eurostar and Thalys have joined forces under the Eurostar name and a single new-look app. Discover the very best deals,...

apps.apple.com

App Store

Eurostar Trains – Apps on Google Play

Book tickets to travel Europe

play.google.com

Google Play

まずは上記のリンク先から、お手持ちのスマートフォンに該当するアプリをダウンロードしてください。

Eurostar App Download

上手くアクセス出来ない場合は、上記のサイトからアクセスしてください。

ユーロスターのアプリが表示されたら、「入手」をタップします。

ダウンロードが完了したら、「開く」をタップします。

アプリの起動

アプリを立ち上げると、最初にクッキーポリシー等の同意画面が表示されますので、「OK」をタップします。

アプリが表示されました。

画面を下にスワイプします。

予約

出発地・目的地・日時・人数の指定

トップページの下にある「Book a journey」、または画面の一番下にある「Book」をタップします。

旅程の入力画面が表示されました。

ご利用される駅、日時、人数を指定します。

ここでは例として、「12月13日、パリからブリュッセルまで、大人1人」の条件を入力してみます。

「１adult」の部分をタップすると、年齢に応じて人数を指定することが出来ます。

すべての入力が完了したら、「Search」をタップします。

列車の選択

「Standard」、「Comfort」、「Premium」の３種類の料金が表示されました。

それぞれの特徴は以下になります。

画面を下にスワイプして、ご希望の時間を選択してください。

ここでは、８時１８分発、「Comfort：€60」を選択します。

予約の条件が表示されますので、問題がなければ、「Select」をタップします。

帰りの列車が表示されますので、同様に利用予定の列車を探します。

画面を下にスワイプします。

17時13分発の「Comfort：€60」をタップします。

詳細が表示されますので、内容を確認して「Select」をタップします。

チェックアウト

選択した列車に間違いがなければ、画面を下にスワイプします。

旅行者の情報を入力します。

名前とメールアドレスを入力します。

電話番号は国別番号（+81）を選択してから、「090～」の最初の「0」を除いた番号を入力してください。

「Contact details」を入力します。

メールアドレスと電話番号は先程同じもので構いません。

「Reason for this travel」は今回の旅の目的です。

該当するものを選択してください。

ディスカウントコードを入力します。

ほとんどの方は空白のままで結構です。

支払い方法を選択します。

「Apple Pay」、「Debit / Credit Card」、「Paypal」の中から選択してください。

チェックボックスにチェックを入れます。

上のボックスはニュースレター等を受け取るかどうかの確認なので、どちらでも構いません。

下のチェックボックスは、ユーロスターの利用規約への同意になりますので、必ずチェックが必要です。

チェックを入れたら、最後に「Buy with ~」をタップします。

以上で購入の手続きは完了です。

アカウントの開設

アカウントを開設しておくと、予約の手順がスムーズになるだけでなく、E-ticketを利用する時も大変便利です。

またポイントプログラムなどもありますので、頻繁に利用する予定のある方は必ず開設しておきましょう。

ホーム画面の下の方にある「Log in or create account」をタップします。

画面一番下にある「Join now」をタップします。

名前とメールアドレス、パスワードの入力画面が表示されますので、入力していきます。

これ以降の手続きやアカウントの詳細については以下の記事をご参照ください。

ユーロスター予約方法完全ガイド｜公式サイトで最安値チケットを購入する手順を画面付きで解説 ロンドン・ブリュッセル行きも楽々予約

2023年10月より、「Thalys（タリス）」の名称で親しまれてきたフランスとドイツ、ベルギー、オランダを結ぶ列車が、「Eurostar（ユーロスター）」に統合されました。それに伴い、タリス公式サイトもユーロスター公式サイトと統合され、フ...

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2024.12.14

まとめ

いかがでしたか。

とても簡単に予約が完了したと思います。

スマートフォンの操作が得意でな方でも問題なく使いこなすことが出来ると思います。

但しユーロスターアプリの問題点は、予約完了前に「座席を確認することが出来ない」ことです。

気にならない方は良いですが、やはり事前に自分の座席が分かっているのは安心材料の一つだと思います。

そこで個人的には同じ列車を予約するにも、フランス国鉄が提供している「SNCF Connect」アプリを利用して予約することをお勧めします。

こちらのアプリですと予約完了前に座席を確認することが出来ますので、意図しない座席を提供される可能性が低くなります。

詳しい使い方については以下の記事をご参照ください。

今回も最後までお読み頂き誠にありがとうございました。

ご予約の際の参考になれば幸いです。

2023年10月より、「Thalys（タリス）」の名称で親しまれてきたフランスとドイツ、ベルギー、オランダを結ぶ列車が、「Eurostar（ユーロスター）」に統合されました。

それに伴い、タリス公式サイトもユーロスター公式サイトと統合され、フランスとドイツ、ベルギー、オランダを移動する列車を利用する際は、ユーロスター公式サイトから予約する必要があります。

ユーロスター公式サイトも残念ながら日本語で予約することが出来ないのですが、予約方法はとても簡単です。

英語が苦手な方も、これからご紹介させて頂く手順通りに進めて頂ければすぐに予約が完了しますので、ぜひ参考にしてみてください。

なお、より簡単に予約を完了させるには、事前にアカウントを開設しておくことをお勧めします。

E-ticketを利用する際や、アプリを利用する時も、ログインするだけで簡単にデータを確認することが出来ます。

大変便利ですので、可能な限り開設しておくようにしてください。

それでは早速ご紹介させて頂きます。

アカウントの開設

メンバーシップの魅力

まず最初にアカウントを開設していきましょう。

アカウントの開設が面倒だと感じる方もいらっしゃると思いますが、アカウントを開設すると以下の特典を受けることが出来ます。

• 1€ごとに1ポイント獲得
• 貯めたポイントを割引チケットや無料チケットに交換
• すべての予約の管理

頻繁に利用する機会のある方には、ポイントプログラムはとても魅力的ですが、あまり利用されない方も、予約の管理が出来るのは大きな魅力です。

メールアドレスとパスワードの登録

ユーロスター公式サイト

ユーロスター公式サイトにアクセスしたら、画面右上にある「Login/Register」をクリックします。

「Join now」と書かれたブルーのボタンをクリックします。

「名前」と「メールアドレス」、「パスワード」を入力します。

「I am 16 years or ever」と書かれた部分にチェックを入れてください。

その下にあるチェックボックスは、ユーロスターに関連するサービスのメールを受け取るかどうかの確認になっていますので、好みでチェックを入れてください。

入力が完了したら最後に「Join now」をクリックします。

画面に6桁のセキュリティコードを入力するように表示されました。

セキュリティコードは先程登録したメールアドレスにEurostarからメールが届いていますので、そちらを確認してください。

メールアドレスに届いたセキュリティコードです。

このコードは有効期限が24時間となっていますので、24時間を過ぎた場合は再度登録し直す必要があります。

先程の画面にこちらのセキュリティコードを入力したら、「Verify」をクリックします。

ログイン

再びログイン画面が表示されますので、「Log in」をクリックします。

ユーロスターのマイページが表示されました。

画面右上に、名前と言語が表示されています。

私の場合はなぜか「Belgique」と表示されていたので、言語を変更します。

「Belgique」の部分をクリックします。

いくつかの国と言語が表示されますので、好みの言語を選択してください。

ここでは「Global」を選択します。

表示がすべて英語になりました。

これで予約の準備は完了です。

公式サイト 予約方法

出発駅の選択

ログインした状態で予約を進めて行きます。

左上にある「Train」をクリックします。

列車の選択画面がプルダウンで表示されました。

まずは出発地を選択します。

今回は「パリ北駅」から「ブリュッセル南駅」までのチケットを購入したいと思います。

デフォルトでは「London St Pancras Int’l」と表示されていると思いますので、こちらをクリックします。

候補となる駅が表示されますので選択します。

ここでは「Paris Gare du Nord」を選択します。

到着駅の選択

出発地が「Paris Gare du Nord」に変更されました。

続いて到着地を選択します。

先程と同様に「To」の部分をクリックします。

「Brussels Midi / Zuid」を選択します。

日付けの選択

到着地が「Brussels Midi / Zuid」に変更されたら、次に日付を選択します。

日付の部分をクリックするとカレンダーが表示されますので、出発日を選択します。

ここでは「12月13日」をクリックします。

続いて帰る日を選択します。

「Add return」をクリックするとカレンダーが表示されますので、同様に日にちを選択します。

ここでは同日の「12月13日」をクリックします。

人数の選択

最後に「利用人数」を選択します。

年齢ごとに選択することが出来ますので、該当する場所をクリックして人数を調整してください。

すべての項目が正しく入力されたら最後に「Search」をクリックします。

列車の選択

検索結果が表示されました。

一番上の赤い枠線の中には、「出発地と行き先」、「日付け」、「人数」が表示されています。

内容を変更したい場合は、一番右にある「Edit search」をクリックして変更します。

真ん中の赤い枠線の中には、指定した日にちの前後の最低運賃が表示されています。

日程の選択に余裕がある方は、クリックすると日付けが変更されます。

一番下の赤い枠線の中には、時刻と車両クラスごとの運賃が表示されています。

それぞれのクラスの違いは以下になります。

例として、「Paris08:18 ⇒ Brussels09:47」の「Comfort」を選択してみます。

「€60」をクリックすると詳細が表示されますので、内容を確認して「Select」をクリックします。

次に帰りの列車を選択します。

タイトルが「Select return」になっているのを確認してください。

また、右側にあるカートに行きの列車が表示されているを確認してください。

間違いがなければ、帰りの列車を同様に選択してください。

「Brussels17:13 ⇒ Paris18:35」の「€60」を選択して、「Select」をクリックします。

チェックアウト

チェックアウト画面が表示されますので、必要事項を埋めていきます。

旅行者の詳細ですが、ログインしていますので、「名前」、「メールアドレス」は自動で入力されていると思います。

電話番号は未入力になっていると思いますので、「国番号（+81）」を選択してから電話番号の最初の「0」を除いた数字を入力してください。

「Contact details」は、予約内容に変更があった場合などの連絡先になります。

メールアドレスは自動で入力されていると思いますので、先程と同様に「電話番号」を入力してください。（現地でSIMカードを購入して現地の電話番号が振り分けられている方は、購入後に変更しておいた方が良いでしょう）

「Reason for this travel」は今回の旅の目的になります。

該当するものを選択してください。

「Use a discount code or vouchers」は、もし何かしらのクーポンをお持ちでしたらこちらに入力してください。

通常は空白のままになると思います。

支払い情報を入力します。

クレジットカード、またはデビットカードの番号を入力してください。

「PayPal」をお持ちの方はチェックを入れて詳細を入力してください。

「Billing address」を入力します。

請求書の住所になりますが、ご使用になられたクレジットカードまたはデビットカードに登録されている住所を入力するようにしてください。

最後に「I accept the Eurostar Terms and Conditions」にチェックを入れて、「Buy Now」をクリックすれば購入は完了です。

まとめ

いかがでしたか。

英語が苦手な方でも特に問題なく予約を完了することが出来たと思います。

タリスがユーロスターと統合されることにより、今回ユーロスター公式サイトで予約を進めて見ましたが、1つだけ気になることがありました。

それは「座席の指定が出来ないこと」です。

タリス公式サイトで直接的な座席指定は出来なかったのですが、予約の完了前に座席を確認することが出来ました。

そのため座席が気に入らない場合などは、再度予約の手順をやり直すことにより座席を変更することが出来ました。

座席に関して、ユーロスターの公式サイトを確認したところ、ロンドン発着の列車は座席の変更が出来ることは確認出来たのですが、それ以外の路線については詳しい説明が見当たりませんでした。

もしこの記事を御覧頂いた方の中で、予約完了後に座席を変更することが出来た方がいらっしゃいましたらお知らせ頂けると助かります。

なお、フランス国鉄の公式サイトである「SNCF Connect」でユーロスター（タリス）を予約すると、予約完了前に座席を確認することが出来ます。

事前に座席の場所が分かっているのは気分的にも安心感があるので、個人的には「SNCF Connect」で予約することをお勧めします。

「SNCF Connect」を利用した予約方法については以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。

合わせてご参照ください。

最新版 SNCF ConnectでEurostar（タリス）を予約しよう 使い方完全ガイド

2023年10月より、「Thalys（タリス）」の名称が、「Eurostar（ユーロスター）」に変更されました。それに伴いタリス公式サイトもユーロスター公式サイトに統合されています。ユーロスター公式サイトでの予約方法は別の記事にてご紹介させ...

tabiparislax.com

2024.04.27

今回も最後までお読み頂き誠にありがとうございました。

ユーロスター予約の際の参考になれば幸いです。

今回ご紹介させて頂くのは、「ギュスターブ・モロー美術館」になります。

名前のとおり、ギュスターブ・モローの作品が展示されている美術館になります。

ギュスターブ・モローについて、すでにご存知の方は改めて説明する必要はないかもしれませんが、念のため簡単に説明させて頂くと、19世紀のフランス、印象派が活躍していた時代と同時期に活躍した、象徴主義を代表する画家になります。

モローは新古典主義の画家である「François Édouard Picot」に教わり、友人でもあったロマン主義の「Théodore Chassériau」の影響を強く受けています。

またイタリアに渡り、ルネサンス期の巨匠たちの作品を模写していました。

（特にミケランジェロからは多くの影響を受けたと言われています）

モローの作品のそのほとんどが、聖書やギリシャ神話などを題材とし、それまでも多くの画家に描かれていたシーンを、神秘的で幻想的に表現しています。

Musée Gustave Moreau ギュスターブ・モロー美術館

基本情報

Musée Gustave Moreau ギュスターブ・モロー美術館

住所：14 Rue Catherine de la Rochefoucauld, 75009 Paris, フランス

営業時間：10:00 ~ 18:00

定休日：火曜日

最寄り駅：Trinité (M12), Saint Georges (M12), Pigalle (M12, M2)

入館料

常設展

一般：7€

割引：5€

特別展開催中

一般：9€

割引：7€

所要時間

館内はそれほど広くないですが、所狭しと作品が展示されています。

通常の鑑賞であれば1時間ほどあれば見て回れると思います。

ゆっくり鑑賞される方でも2時間はかからないと思います。

歴史

1852年、モローが定住。2階と3階をアトリエにする。

1898年、モロー死去。

1903年、美術館として一般公開。ジョルジュ・ルオーが初代館長を1922年まで務める。

2011年から14年まで改装工事を行う。

2015年、再オープン。

外観

モロー美術館は、オペラとモンマルトルの中間地点にあります。

メトロの駅からもアクセスが良いので、どなたでも訪れることが出来ます。

美術館は裏通りにあり、周囲と溶け込んでいますので、意外と分かりにくいかもしれません。

入り口の扉に小さな看板がありますので、見落とさないようにしてください。

館内

館内に入ると受付がありますので、チケットを購入してください。

すぐにパリらしい階段がありますので、2階へと進みます。

外観とは違って歴史を感じる館内です。

2階

細い廊下の先に、様々な作品が展示されています。

当時の様子が再現されている部屋の壁に、モローの作品や、モローにまつわるものが展示されています。

作品はもちろん、部屋自体も見どころが沢山あります。

テーブルや椅子、棚、食器類など、どれを見ても感嘆させられます。

こちらはおそらく寝室になると思います。

日が差し込む明るい部屋です。

螺旋階段

建物の見どころの一つでもある螺旋階段。

3階から4階へ向かう際に利用します。

柔らかく美しいシルエットです。

階段から望む3階の様子です。

3階　コレクション

LES CHIMÈRES (1884)
キメラ

イタリア・ヴェネツィア派の画家である「ヴィットーレ・カルパッチョ（1465-1525)」の作品「一万人の殉教」に影響を受けて描いた作品です。

ギリシア神話に登場する合成獣キマイラを、単独ではなく複数で描いています。様々な姿形のキマイラたちが、夢のような、あるいは悪夢のような風景の中に存在しています。キマイラは、欲望、幻想、悪夢、あるいは人間の内面の葛藤など、様々な象徴的な意味合いを持つ存在として描かれています。モローは、神話的なモチーフを通して、人間の精神世界を探求しました。

未完の作品になります。

FLEUR MYSTYQUE

《FLOR MYSTICA》（神秘の花）は、キリストの受難と聖母マリアの純潔を象徴的に描いた水彩画です。この作品は、聖母の姿がユリの花と一体化しているように描かれており、画面全体が神秘的で象徴的な雰囲気に包まれています。

Hélène à la porte Scée (1880-82)
スケア門のヘレン

ホメロスの叙事詩『イリアス』に登場するトロイアの美女ヘレンが、トロイアの城門であるスケア門に立つ姿を描いています。多くの画家がヘレンの美しさを描くのに対し、モローは、戦争を引き起こした悲劇のヒロインとしての、憂いや倦怠感を漂わせるヘレンを描いています。

La Licorne

モローにとって、一角獣は単なる神話上の生き物ではなく、純粋、処女、神秘、そして精神性の高い象徴でした。

Naissance de Vénus
ヴィーナスの誕生

《Naissance de Vénus》（ヴィーナスの誕生）は、他の画家の同名の作品とは一線を画す、モロー独自の解釈が光る水彩画です。

愛と美の女神ヴィーナスが海から生まれるというギリシャ神話の場面を描いています。モローは、この古典的な主題を、官能的な美しさではなく、精神的で神秘的な世界観で表現しました。

ルネサンス期の画家たちが描いた「ヴィーナスの誕生」が肉体的な美を強調するのに対し、モローはヴィーナスの横顔を俯き加減に描くことで、観る者に瞑想的な印象を与えます。

Tyrtaeus
テュルタイオスの戦争の歌

《Tyrtaeus》（テュルタイオス）は、紀元前7世紀頃のスパルタ出身の詩人テュルタイオスが、メッセニア戦争で敗北を重ねていたスパルタ軍を、勇気を鼓舞する詩で奮い立たせ、勝利に導いたという伝説に基づいています。モローは、この物語を、言葉や芸術が持つ精神的な力を象徴的に描いています。

《Tyrtaeus》の主題となっている、スパルタ人がテュルタイオスをアテネから迎え入れ、彼の詩によって士気を高めて勝利したという物語は、古代ギリシャの旅行家で地理学者であるパウサニアスの著作『ギリシア案内記』の中で語られています。

パウサニアスのこの記述は、テュルタイオスが単なる詩人ではなく、神の託宣によってスパルタの窮地を救った人物として描かれる重要な根拠となっています。モローは、この物語を通じて、芸術や精神的な力が現実の世界に与える影響を象徴的に表現しようとしました。

LES PRÉTENDANTS
求婚者たち

《LES PRÉTENDANTS》（求婚者たち）は、ホメロスの叙事詩『オデュッセイア』の第22巻、特にオデュッセウスが帰還し、ペネロペに求婚していた男たちを皆殺しにする場面を描いています。

この巻は「大虐殺」とも呼ばれ、物語の中でも最も劇的で暴力的なクライマックスです。モローは、この古典的な物語の最も血なまぐさい場面を、単なる写実的な描写ではなく、象徴主義的な解釈で描いています。画面中央には光が射し込む、ある種の「神聖さ」や「理想」を暗示する空間が描かれ、混沌とした暴力的な死体と対比させることで、物語の背後にある精神的なテーマを強調しているのです。

1860年から亡くなるまで、精力的に描き続けた作品です。

4階 room 1　コレクション

Jupiter and Semele (1894-95)
ゼウスとセメレ

モロー作品の集大成とも言われています。ローマ神話（ギリシア神話のゼウスに対応）の主神ユピテルと、人間の王女セメレの悲劇的な愛の物語を描いています。

雷に打たれたセメレがゼウスによってその力を喪失する場面を描いています。

背景：セメレは、ユピテルの愛を受け、神の子ディオニュソスを身ごもります。しかし、嫉妬深いユピテルの妻ユノ（ヘラ）の策略により、セメレはユピテルに、彼が妻に見せるのと同じ真の神の姿を見せてほしいと懇願してしまいます。神の真の姿は強烈な輝きを放ち、人間のセメレは耐えきれず、雷に打たれて焼け死んでしまいます。

Le Triomphe d’Alexandre le Grand (1875-90)
アレキサンダー大王の勝利

《Le Triomphe d’Alexandre le Grand》（アレクサンドロス大王の勝利）は、史上最強の征服者と称される古代マケドニアの王、アレクサンドロス大王の勝利を描いたものです。

紀元前326年のヒュダスペス河の戦いで、アレクサンドロス大王がインド北西部のポロス王を破った場面を描いていると解釈されています。

この戦いは、アレクサンドロス大王の遠征における最大の難所の一つでした。増水したヒュダスペス川を渡河し、戦象を擁するポロス王の強力な軍隊を打ち破った、彼の軍事的才能を示す重要な出来事です。

モローは、この史実を単に再現するのではなく、彼の想像力と象徴主義を通して、アレクサンドロスの勝利を精神的な旅の到達点として描きました。そのため、作品には歴史的な正確さよりも、モロー独自の幻想的なビジョンが色濃く反映されています。

4階 room2　コレクション

Fée aux griffons
グリフォンの妖精

強力な守護獣であるグリフォンと、神秘的な力を持つ妖精という、想像上の生き物同士の組み合わせが、非現実的で夢のような情景を生み出しています。

Orphée sur la tombe d’Eurydice
エウリュディケの墓の上のオルフェス

1890年にモローの伴侶であったデュルーの死による悲しみの中で、この作品を描いています。

オルフェウスの話の中でも、最も悲痛な場面を描いていて、オルフェウスの顔はモロー自身を描いていると言われています。

LES LICORNES
ユニコーン

《LES LICORNES》（一角獣たち）は、モローが繰り返し描いた「純粋さ」や「神秘性」といったテーマを象徴する重要な作品です。

伝説の生き物である一角獣（ユニコーン）は、古くから処女だけが捕らえることができるとされてきました。この作品は、その伝説を元に、穏やかで神秘的な風景の中で、複数の貴婦人と一角獣が戯れる様子を描いています。

LA VIE DE L’HUMANITÉ (1886)
人間の一生

《LA VIE DE L’HUMANITÉ》（人類の生）は、モローの芸術家としての哲学と世界観を凝縮した多翼祭壇画形式の傑作です。この作品は、3列に並べられた9枚の作品からなっており、一番上には天使に運ばれるキリストが描かれています。

モローが約7年かけて構想した大作で、人類の歴史と運命を、「アダムとイブ」、「カインとアベル」、「オルフェウスとミューズ」の3つの主要な物語を軸に描いています。作品は9つのパネルに分かれており、それぞれが人類の3つの時代、人生の3つの段階（少年期、青年期、壮年期）、そして一日の3つの時間（朝、昼、晩）を象徴しています。

各パネルは独立した物語であると同時に、全体として一つの壮大なテーマを構成しています。上段の「アダム」は人類の純粋な黄金時代を、中段の「オルフェウス」は詩と苦悩の白銀時代を、そして下段の「カイン」は労働と堕落の鉄の時代を象徴しています。

旧約聖書とギリシャ神話という異なる源泉から主題を引用し、それらをモロー独自の神秘的な世界観の中で融合させています。最上部には、人類の運命を見守る「贖罪主イエス」が描かれています。

いくつかのパネルは未完成のまま残されています。これは、モローが「人生の旅路には完成がない」という哲学的な意図を込めたものだと解釈されています。

まとめ

いかがでしたか。

象徴主義を代表するモローの作品ですが、好みが分かれるかもしれません。

当時流行していたスタイルとはやや異質の作品が多いのですが、夢や神秘性など、人間の内面を描こうとした姿勢は後の画家たちに大きな影響を与えていきます。

なお、ご紹介させて頂いた作品は、展示されている作品のほんの一部になります。

美術館には、絵画を始め、デッサンや水彩画など合計14000点の作品が所蔵されていると言われています。

その全てが展示されているわけではありませんが、本当に沢山の作品が展示されていますので、飽きることなく鑑賞することが出来ると思います。

今回も最後までお読み頂きありがとうございました。

「象徴主義」に関してもっと詳しく知りたい方は以下の記事をご参照ください。

象徴主義とは？ギュスターヴ・モローやルドンなど代表画家と特徴を徹底解説

19世紀末、現実世界から離れ、人間の内面や精神世界を象徴的なイメージで表現しようとした芸術運動を「象徴主義」と言います。ギュスターヴ・モローやピュヴィ・ド・シャヴァンヌを先駆けとして、オディロン・ルドン、グスタフ・クリムトなど、個性豊かな画...

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2025.03.20

今回はアメリカにおける現代美術の推移を中心にご紹介させて頂きます。

第二次世界大戦が始まると、多くの芸術家が、ヨーロッパからアメリカ、特にニューヨークに避難しました。

戦争後、ヨーロッパは都市の復興へ力を注がなくてはならなくなり、ドイツの占領下であったパリもその例外ではありませんでした。

そのため、芸術の中心の舞台はパリからニューヨークへと移ることになるのです。

「抽象表現主義」は、第二次世界大戦後のアメリカ、特に1940年代頃からニューヨークで発展しました。

シュルレアリスムからの影響を多く受けています。

「ポップアート」は、1950年代半ばから1960年代後半まで、アメリカとイギリスで起こった芸術運動です。

（アメリカでは1960年代からアンディ・ウォーホル、ロイ・リキテンスタインらの有名アーティストの登場により盛んになります）

この運動は、大量生産品や大衆文化のイメージを作品に組み込むことによって、それまでの美術界に挑戦するスタイルです。

「コンセプチュアル・アート」は、作品のコンセプトやアイデアが技術や物質的なものよりも優先されるスタイルです。

この運動の最初の作品と言われているのが、デュシャンの「レディ・メイド」になります。

1960年代から1970年代が活動のピークになります。

Abstract expressionism 抽象表現主義

抽象表現主義は、第二次世界大戦後の1940年代後半から1950年代にかけて、主にニューヨークを中心に発展した美術運動です。具象的な表現を避け、感情や内面性を抽象的な色彩や形態、筆致によって直接的に表現しようとするのが特徴です。

主な特徴:

• 非具象性: 具体的な対象を描写せず、色、線、形そのものが表現の主体となります。
• 感情の直接的な表出: 画家の内面にある感情やエネルギーを、自由で即興的な筆致によってキャンバスに直接的に表現しようとします。
• 大きな画面: 巨大なキャンバスを用いることが多く、観る者を作品の世界に没入させる効果を狙います。
• オールオーバー: 画面全体を均質な密度で覆うような構成が見られます。中心となる焦点を持たないのが特徴です。
• アクション・ペインティングとカラーフィールド・ペインティング: 大きく分けて、激しい筆致や絵具の飛沫を特徴とするアクション・ペインティング（ジャクソン・ポロックなど）と、色面そのものの広がりによって静謐な感情や精神性を表現するカラーフィールド・ペインティング（マーク・ロスコなど）の二つの傾向があります。

Mark Tobey (1890-1976)

マーク・トビーは、20世紀アメリカの画家であり、抽象表現主義の先駆者の一人とされています。彼の作品は、東洋の書道や哲学、特に禅の影響を受けた繊細で瞑想的な抽象表現が特徴です。

主な特徴:

• 「ホワイト・ライティング」: トビーの最も有名なスタイルであり、暗い背景の上に白い細い線が複雑に絡み合う独特の技法です。これは、光、エネルギー、そして都市の喧騒などを表現すると言われています。
• 東洋の影響: 中国の書道や日本の禅の精神に深く影響を受け、筆の運びや空間の捉え方にそれが表れています。1934年には中国と日本を訪れ、禅寺での滞在や書道の研究を行いました。
• 精神性と瞑想: 彼の作品は、単なる抽象表現にとどまらず、精神的な探求や内面的な瞑想を反映していると考えられています。
• 北西派: ワシントン州シアトルを拠点に活動した画家グループ「北西派」の主要メンバーの一人であり、他のメンバーに大きな影響を与えました。

Unknown journey (Voyage inconnu) (1965-66)

抽象的な線やシンボリックな形状が密集し、動的かつ霊的なエネルギーを感じさせます。トビーは、書道や東洋の哲学、瞑想的な状態にインスパイアされ、絵画を通じて無意識的な探求や精神的な旅を表現しようとしました。

Mark Rothko (1903-1970)

マーク・ロスコは、ラトビア出身のアメリカの画家であり、抽象表現主義、特にカラーフィールド・ペインティングの代表的な作家の一人です。彼の作品は、鮮やかな色彩の長方形が画面に配置された、シンプルでありながら強烈な感情を喚起する抽象画で知られています。

主な特徴:

• カラーフィールド・ペインティング: ロスコは、感情や精神性を表現するために、形を単純化し、色彩そのものの力に焦点を当てました。彼の作品は、薄く塗られた色の層が重なり合い、内側から光を放つような独特の質感を持ちます。

N° 14 (Browns over Dark) (1963)

深いブラウン色と暗い背景が重なり合い、色の層が静かに広がっています。

ロスコは、色彩の対比や層を使って感情的な深さや精神的な体験を表現しました。《N° 14》もその一例で、色が視覚的にキャンバス全体に広がり、見る者に強い印象を与えます。

Jean Hélion (1904-1987)

ジャン・エリオンは、フランスの画家であり、初期には幾何学的抽象の主要な推進者でしたが、後に具象的な絵画へと回帰したことで知られています。彼の作風の変化は、20世紀美術における抽象と具象の間のダイナミズムを示す興味深い事例です。

主な特徴:

• 初期の幾何学的抽象: 1930年代には、モンドリアンやデオ・ファン・ドエスブルフらの影響を受け、純粋な形態と色彩による幾何学的抽象絵画を制作しました。彼は、抽象美術の国際的な運動である「アプストラクシオン・クレアシオン（Abstraction-Création）」のメンバーとしても活動しました。
• 具象への回帰: 第二次世界大戦中にドイツ軍の捕虜となり、脱走後の経験が彼の作風に大きな変化をもたらしました。1940年代後半から、日常の事物や人物を、独特のユーモラスで時に風刺的な視点で描く具象絵画へと転換しました。

Composition orthogonale (1930)

《Composition orthogonale（直交構成）》（1930）は、彼が抽象芸術へと傾倒していた初期の時期を代表する作品です。

この作品では、直線と矩形が交差する幾何学的な構成によって、秩序とバランスが強調されています。色彩は抑制されつつも、形のリズムと構造が視覚的に緊張感を生み出しており、ネオ・プラスティシズムやバウハウスの影響が見られます。

Barnett Newman (1905-1970)

バーネット・ニューマンは、アメリカの画家であり、抽象表現主義の中でも特にカラーフィールド・ペインティングの重要な人物の一人です。彼の作品は、広大な単色の色彩の平面と、垂直に走る細い線「ジップ（zip）」によって特徴づけられます。

主な特徴:

• カラーフィールド・ペインティング: ニューマンは、感情や形といった従来の要素を極限まで削ぎ落とし、色彩そのものと画面のスケールによって観る者に直接的な体験を与えることを追求しました。
• 「ジップ」: 彼の作品に頻繁に登場する垂直の線は「ジップ」と呼ばれ、画面を分割すると同時に、色彩の広がりの中で独特の緊張感とリズムを生み出します。この「ジップ」は、人間存在の断片や、宇宙における一条の光といった様々な解釈がなされています。

Not There-Here (Pas là, ici) (1962)

シンプルな構図の中に緊張感と存在感が込められ、縦の線（ジップ）は空間を区切るだけでなく、「ここにいる」という感覚＝人間の存在と意識の場を強く意識させます。タイトルの「Not There–Here（あちらではなく、ここ）」は、物理的・精神的な「今ここ」の体験に焦点を当てたニューマンの思想を反映しています。

Jackson Pollock (1912-1956)

ジャクソン・ポロックは、20世紀アメリカの画家であり、抽象表現主義の中でも特にアクション・ペインティングの代表的な人物として知られています。彼の革新的な「ドリッピング」という技法は、絵画の概念を大きく変え、その後の現代美術に多大な影響を与えました。

主な特徴:

• ドリッピング（Dripping）: ポロックの最も有名な技法で、キャンバスを床に広げ、筆や棒、缶などを使って絵具を滴らせたり、撒き散らしたりすることで、予測不可能でダイナミックな線と色彩の絡み合いを生み出しました。
• アクション・ペインティング: 彼の制作スタイルは、単に絵具を塗る行為を超え、身体全体を使った激しい動きそのものが表現となる「アクション・ペインティング」の典型とされます。画家の身体性とエネルギーが直接的に作品に反映されるのが特徴です。
• オールオーバーな画面構成: 画面全体に均質な密度で絵具が施され、中心となる焦点を持たない「オールオーバー」な構成も彼の作品の特徴の一つです。

The Deep (La Profondeur) (1953)

《The Deep（ラ・プロフォンドゥール／深淵）》は、彼の晩年に描かれた重要作で、アクション・ペインティングからより内省的な表現へと向かう過程を示しています。

この作品は、黒と白を基調にした抽象的構成で、中央に白い裂け目のような形が広がり、その周囲を黒が包み込むように覆っています。絵具の流れや滲みは依然としてポロックらしいですが、色彩の制限と構図の静けさが、深淵・喪失・内面世界といったテーマを暗示しています。

Ellsworth Kelly (1923-2015)

エルズワース・ケリーは、アメリカの画家、彫刻家、版画家であり、ハードエッジ・ペインティング、カラーフィールド・ペインティング、そしてミニマリズムと関連付けられるアーティストです。彼の作品は、装飾的な要素を排し、線、色、そして形態を強調した、シンプルで力強い抽象表現が特徴です。

主な特徴:

• ハードエッジ・ペインティング: 明確な輪郭線で区切られた、均一で鮮やかな色彩の平面を用いるのが特徴です。筆致や質感といった要素は極力抑えられます。
• カラーフィールド・ペインティング: 大きな色面を画面全体に広げ、色彩そのものの持つ力や、それらが隣り合うことで生まれる効果を探求しました。
• ミニマリズムとの関連: ケリーの作品は、形態の単純さや素材の直接性において、ミニマリズムの先駆的な役割を果たしたとされています。

Dark Blue Panel (Panneau bleu sombre) (1985)

深い青一色のパネルが壁面を静かに占め、形・色・空間の関係に対するケリーの鋭い感覚が表れています。具象性を排し、色そのものの存在感と鑑賞者との直接的な対話を重視するこのアプローチは、ケリーの美学の核心です。

《Dark Blue Panel》は、見る者に空間や知覚の変化を体験させると同時に、シンプルさの中に潜む力強さと詩情を示す一作となっています。

湾曲したエッヂとピンチコーナーが空間を拡張しています。

Black White (Noir Blanc) (1988)

明快な形態と強いコントラストが際立ち、色と形の純粋な視覚的関係がテーマとなっています。黒と白の面が静かに並置されることで、均衡・緊張感・空間意識が生まれ、鑑賞者に繊細な感覚の変化を促します。

Green Relief (Relief vert) (2007)

鮮やかな緑色の有機的な形態が壁から突き出し、見る者の視点や光のあたり方によって印象が変化します。単なる絵画ではなく、建築空間と対話する色と形の存在を創出しています。

White Over Black III (2015)

黒い背景の上に白い形が重なる構造となっており、色の対比と形の配置が生む視覚的なリズムと奥行きが特徴です。タイトルが示す通り、「白が黒の上にある」という単純な構造が、色の存在感や重力感、空間との関係性を強く印象づけます。

「White Over Black III」は、生前最後の作品の一つです。

pop art ポップアート

ポップアートは、1950年代半ばにイギリスで誕生し、1960年代にアメリカで隆盛を迎えた現代美術のムーブメントです。大衆文化や大量消費社会をテーマに、身近なイメージや素材を用いて、従来の芸術の概念を問い直しました。

主な特徴:

• 大衆文化の引用: 漫画、広告、雑誌、映画、テレビ、日用品など、大衆的なイメージやアイコンを作品に取り込みました。
• 鮮やかな色彩と大胆な表現: 明るく、目を引く色彩や、商業デザインのような明快で直接的な表現を用いました。
• 反芸術の精神: 伝統的な美術の価値観や、抽象表現主義のような内面的な表現に対する反発として生まれました。
• 複製技術の利用: シルクスクリーンなどの版画技術を積極的に用い、作品の大量生産や複製を試みました。
• ユーモアとアイロニー: 大衆文化をシニカルな視点から捉えたり、ユーモラスに表現したりする作品も見られます。

Andy Warhol (1928-1987)

アンディ・ウォーホル（Andy Warhol, 1928-1987）は、20世紀アメリカの美術家であり、ポップアートの最も重要な人物の一人です。商業デザイナーとしてのキャリアを経て、大量生産・大量消費社会のイメージを繰り返し用いた作品で世界的な名声を得ました。

主な特徴:

• 大量生産と複製: シルクスクリーンという版画技法を多用し、同じイメージを繰り返し複製することで、芸術のオリジナル性や唯一性といった概念を問い直しました。
• 大衆文化のアイコン: マリリン・モンロー、エルヴィス・プレスリー、毛沢東、キャンベルスープ缶、コカ・コーラの瓶など、大衆文化の象徴的な人物や商品を作品のモチーフとしました。
• 商業主義との融合: 自身のスタジオを「ファクトリー」と名付け、作品を大量生産するスタイルは、芸術と商業主義の境界線を曖昧にしました。
• セレブリティ文化への関心: 有名人の肖像を数多く制作し、現代社会における名声やイメージの役割を探求しました。

Big Electric Chair (Grande chaise électrique) (1967)

誰も座っていない電気椅子が中央に静かに置かれ、その不在と沈黙が逆に見る者に強烈な緊張感や不安を与えます。ポップアート特有のシルクスクリーン技法と、鮮やかで時に毒々しい色使いによって、死刑という重いテーマと大衆的なイメージの軽さが衝突する構造になっています。

1960年代のアメリカでは、死刑論争や死刑に関する抗議運動が行われていました。

Ten Lizes (1963)

シルクスクリーン技法によって複製されたハリウッド女優エリザベス・テイラーの顔は、アイコンとしてのテイラー像を浮かび上がらせつつ、繰り返しの中で個性の消失やイメージの消費を暗示します。印刷のズレや色のムラもそのまま残されており、マスメディア時代の名声の儚さや不安定さを象徴しています。

Jasper Johns (1930- )

ジャスパー・ジョーンズは、アメリカの画家、彫刻家、版画家であり、ロバート・ラウシェンバーグと共にネオ・ダダやポップアートの先駆者として重要な役割を果たしました。

主な特徴:

• 日常的なモチーフの再提示: アメリカ国旗、標的、数字、アルファベット、地図など、誰もが見慣れた日常的な記号や物体を作品の主題としました。これらのモチーフを、本来の意味や文脈から切り離して提示することで、鑑賞者にその見方や認識を問いかけました。
• エンカウスティーク（蝋画法）: 溶かした蝋と顔料を混ぜて描く古代の技法であるエンカウスティークを多用し、独特の質感と深みのある画面を作り出しました。

Figure 5 (1960)

《Figure 5》は「5」をモチーフにした作品で、記号・象徴・視覚の意味に対する探求を表す代表作の一つです。

この作品では、「5」の数字が重なり合いながら大きく描かれ、その背後にはストロークや色の層が見え、手作業の痕跡が強調されています。

Erró (1932- )

エッローは、アイスランド出身の画家であり、ポップアートとシュルレアリスムの要素を融合させた、独特で風刺的な作品で知られています。彼の作品は、漫画、広告、政治的なイメージ、歴史的な絵画など、様々な既存のイメージをコラージュのように組み合わせ、過剰でユーモラスな、時に批判的な世界観を構築しています。

Mao à San Marco (1975)

毛沢東の肖像とサン・マルコ広場という二つの異なる文化的・歴史的要素を結びつけた作品です。エロは、この作品で毛沢東という政治的アイコンを取り上げ、彼の肖像をポップアート的なスタイルで再構築しています。

Antonio Henrique Amaral (1935-2015)

アントニオ・エンリケ・アマラルは、ブラジルの画家、版画家、ドローイング作家です。サンパウロで生まれ、シュルレアリスムとポップアートの要素を融合させた作品で知られています。

主な特徴:

• バナナのモチーフ: 彼の最も有名な作品群は、熟したバナナや腐敗したバナナを強烈な色彩と写実的な描写で描いたものです。これらの作品は、豊穣、欲望、腐敗、そしてブラジルの社会や政治状況に対するメタファーとして解釈されています。

O Salvador (Le Sauveur) (1966)

「O Salvador（救世主）」は、当時のブラジルの政治状況、特に1964年に始まった軍事独裁政権下における社会の期待や失望といった感情を反映していると言われています。

Conceptual art コンセプチュアルアート

コンセプチュアルアート（Conceptual art）は、1960年代後半に登場した現代美術の動向で、作品の概念やアイデアそのものが、従来の美術作品の持つ物質的な形態や美的価値よりも重要であると主張します。

主な特徴:

• アイデアの重視: 作品の物理的な表現は二次的なものであり、アーティストが提示するコンセプトやアイデアが作品の本質とされます。
• 言語やテキストの活用: 言葉、文章、図表、指示書などが作品の一部として、あるいは作品そのものとして用いられることがあります。
• 非物質性: 伝統的な絵画や彫刻のような物質的な形態を持たない作品も多く存在します。パフォーマンス、イベント、記録、思考などが作品となり得ます。
• 鑑賞者の思考を喚起: コンセプチュアルアートは、鑑賞者に作品の背後にあるアイデアや概念について考えさせることを目的とします。
• 反芸術の傾向: 従来の美術の価値観や制度に対する批判的な視点を持つ作品も多く見られます。

François Morellet (1926-2016)

フランソワ・モレレは、フランスの前衛芸術家で、幾何学的抽象や光と空間の実験を重視した作品で広く知られています。彼は、計算とランダム性を組み合わせることで、視覚的な秩序と混乱を生み出し、現代美術に新しい視覚的言語を提供しました。

モレレの作品は、直線や格子、点の配置に基づくシンプルな形態にフォーカスし、数学的な原則や規則性を利用して、視覚的な錯覚や動きを引き起こします。彼は、光のインスタレーションやモーターを使った動的なアートにも取り組み、アートと技術の融合を探求しました。

Du jaune au violet (1956)

色彩の変化と幾何学的構造を探求した作品です。この作品では、黄色から紫への色の移行が特徴的で、モレレの関心であった色と形の関係が表現されています。

Bernar Venet (1941- )

ベルナール・ヴネは、フランスの現代美術家であり、コンセプチュアル・アートの初期の重要な人物の一人です。彼は、数学、科学、哲学といった分野の概念を美術に取り込み、特に直線（Straight Lines）、不定の線（Indeterminate Lines）、そして弧（Arcs）といったシンプルな幾何学的要素を用いた大規模な彫刻作品で国際的に知られています。

主な特徴:

• コンセプチュアル・アートの先駆: 1960年代後半には、絵画制作を放棄し、数学や科学の図表、定理、方程式などを直接提示するコンセプチュアルな作品を制作しました。芸術の物質性よりもアイデアを重視する彼の姿勢は、当時の美術界に大きな影響を与えました。
• 数学と科学の導入: 数学的な概念や記号、科学的な図解などを作品に取り込むことで、芸術の領域を拡張し、知的な探求を促しました。

Relief carton (1965)

《Relief carton》では、段ボールの質感や折り目がそのまま視覚的な要素として表現されており、形態が非常にシンプルでありながら、素材の物理的特性がもたらす陰影やテクスチャーが作品の重要な部分となっています。ヴネは、構造の純粋な美しさと素材の素朴さを強調することで、アートにおける素材と形態の対話を探求しています。

まとめ

戦争は人的、経済的被害を多く引き起こしますが、当然芸術の世界にも大きな影響を及ぼします。

ポンピドゥー・センター・コレクションとして沢山の作品をご紹介させて頂きましたが、第一次世界大戦と第二次世界大戦を契機に、思想やスタイルが大きく変わっていることに気が付かれたかと思います。

現代美術に限ったことではありませんが、絵画鑑賞の際、歴史的な背景を想像しながら鑑賞すると、より深く楽しめるのではないでしょうか。

国立近代美術館のコレクションについては以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• ポンピドゥー・センター コレクション｜ピカソとシャガール：フランス近代美術の二大巨匠
• 色彩の爆発と造形の革新：フォーヴィスム、キュビスム、オルフィスム – ポンピドゥー・センター・コレクション
• ポンピドゥー・センター：表現主義、青騎士、未来派 – カンディンスキーと革新の絵画
• ポンピドゥー・センター：シュプレマティスム、デ・ステイル、形而上絵画 – 抽象美術の多様性
• ポンピドゥー・センターで見る前衛芸術の衝撃 ダダイスムとシュルレアリスム
• ポンピドゥー・センター：アンフォルメル、タシスム、CoBrA、ヌーヴォー・レアリスム – 戦後美術の多様な展開
• 内面と大衆文化、そして概念の探求：抽象表現主義、ポップアート、コンセプチュアル・アート – ポンピドゥー・センター・コレクション

今回は、第2次世界対戦以降の芸術運動に焦点を当てていきます。

戦争が芸術運動に与えた影響は大きく、特にドイツの占領下になったパリでは様々な運動が展開されていきます。

「アンフォルメル」は1940年代半ばから、フランスを中心に起こった運動です。

第2次世界対戦の影響もあり、人間自体を否定するような激しい抽象絵画です。

「タシスム」はフランス語の「染み」が由来となる様式の一つで、アンフォルメルの一部でもあります。

叙情的抽象も流れの一部として捉えることも出来ます。

これら2つの様式には、マチューが大きく関与しています。

「コブラ」は、1948年に誕生しました。

西洋の芸術様式に影響を受けていない、原始の文化や東洋の書道、民族芸術などにモデルを求めていました。

活動は1951年に終了してしまいますが、その後の芸術運動に大きな影響を与えています。

「ヌーヴォー・レアリスム」は、一般的には1960年、Pierre Restany（ピエール・レスタニ）とYves Klein（イヴ・クライン）がフランスで結成したグループと言われています。

（運動自体は、1948年頃から始まっていました。）

イヴ・クラインが1962年に亡くなると、運動は収束してしまいます。

ヌーヴォー・レアリスムをポップアートと同じように考えることもあります。

Art informel アンフォルメル

アンフォルメル（Art Informel）は、第二次世界大戦後の1940年代後半から1950年代にかけて、主にヨーロッパで興った抽象芸術の潮流です。「非定型な芸術」「形態なき芸術」という意味を持ち、幾何学的抽象とは対照的に、感情や衝動を直接的に表現する、自由で非定型な抽象を特徴とします。

主な特徴:

• 自由な筆致と素材感: 筆跡、絵具の厚塗り、引っ掻き、滴下など、画家の身体性を強く感じさせる自由で即興的な筆致が重視されます。砂や石膏など、絵具以外の素材が用いられることもあります。
• 感情や内面の表出: 理性的な構成よりも、画家の内面的な感情や衝動を直接的に表現しようとします。
• 偶然性と素材の重視: 制作過程における偶然性や、絵具や素材そのものが持つ特性を積極的に活かします。
• 不定形な形態: 明確な形や輪郭を持たない、不定形な形態が特徴です。
• 多様な表現: タシスム（筆触主義）、マティエール（素材主義）、リリカル・アブストラクション（抒情的抽象）など、様々な表現様式を含みます。

Jean Dubuffet (1901-1985)

ジャン・デュビュッフェは、フランスの画家、彫刻家であり、アンフォルメルの主要な人物の一人ですが、その中でも独自の強烈な個性を放ちました。彼は、伝統的な美の概念を否定し、「アール・ブリュット（生の芸術）」の概念を提唱・擁護したことでも知られています。

主な特徴:

• アール・ブリュットの提唱: 専門的な美術教育を受けていない人々による、既成の芸術の規範にとらわれない、独創的で力強い表現を「アール・ブリュット」と名付け、その価値を認め、自身の制作にも大きな影響を受けました。
• 粗野で異質な素材の活用: 砂、瀝青、石、ガラスの破片など、絵画の伝統的な素材ではない、粗野で異質な素材を積極的に作品に取り入れ、独特の質感を生み出しました。
• 子供の絵や落書きのような表現: 洗練された技巧とは対照的な、稚拙でプリミティブな、子供の絵や落書きのような自由な表現を重視しました。
• 反美学の姿勢: 従来の美の基準や価値観を徹底的に批判し、醜さや異質なものの中に新たな美を見出そうとしました。
• 多様なシリーズ展開: 「ウールルプー（Hourloupe）」シリーズのように、独特の線と色彩で埋め尽くされた、迷路のような抽象的な世界を展開するなど、生涯にわたり様々なシリーズを制作しました。

Michel Tapié soleil (1946)

デュビュッフェがアール・ブリュットに触発され、粗い質感や非洗練な形態を用いて創作しています。

抽象的なフォルムが強調され、伝統的な絵画の形式から逸脱しています。

Michel Tapiéという批評家に対するオマージュとして、彼の名前とともに太陽（soleil）のイメージが作品に表れています。

Wols (1913-1951)

ヴォルスは、ドイツ生まれの画家、写真家であり、アンフォルメルの重要な先駆者の一人として知られています。本名はアルフレート・オットー・ヴォルフガング・シュルツェ・バタイユ（Alfred Otto Wolfgang Schulze Battaille）。

主な特徴:

• アンフォルメルの先駆: 第二次世界大戦後のパリで活動し、感情や内面性を直接的に表現する、自由で即興的な抽象表現を探求しました。そのスタイルは、後のアンフォルメルに大きな影響を与えました。
• 即興的で繊細な筆致: 細い線や滲み、かすれなどを多用し、繊細でありながらも不安定で内省的な雰囲気を醸し出す独特の画風を持ちます。
• 物質感の探求: 絵具の質感や偶然の効果を重視し、インクを滴らせたり、引っ掻いたりするなど、様々な技法を試みました。
• 写真家としての活動: 画家として活動する以前は写真家としても活動しており、その経験が後の絵画表現に影響を与えたとも言われています。
• 孤独と苦悩の表現: 生涯を通して経済的な困窮や精神的な苦悩を抱え、その経験が作品に反映され、孤独や不安、生の脆弱さを感じさせる表現となっています。
• 短い生涯と晩年の評価: 40歳という若さで亡くなりましたが、死後その革新的な表現が高く評価され、アンフォルメルの重要な画家として位置づけられました。

Aile de papillon (1947)

Aile de papillon（蝶の羽）をテーマにした作品で、流動的な線と柔らかな形態が組み合わさり、軽やかで繊細な印象を与えます。

即興的な筆致と、偶然的な効果を取り入れて、自然の美しさや微細な変化を捉えようとしています。

ただし本人は特定のグループに属して活動することはありませんでした。

Pierre Soulages (1919-2022)

ピエール・スーラージュ（1919-2022）は、フランスの画家であり、20世紀後半から21世紀にかけて活躍した抽象画家です。「黒の画家」として知られ、黒一色の中に光の反射や質感の変化を探求する独自のスタイルを確立しました。特に、1979年以降に展開した「ウルトラブラック（Outrenoir）」と呼ばれるシリーズは、黒の深みとそこから生まれる光の表現で国際的に高い評価を得ています。彼の作品は、世界中の110以上の美術館に230点以上収蔵されています。

Peinture 200 x 220 cm, 22 avril 2002

構成は五つの水平な帯状の要素からなり、各要素の間や側面の余白に白が配置されています。​これにより、左右の視線の移動が促され、全体に不安定な均衡感を与えています。​また、白を縁に限定し、黒のマットな質感を強調することで、錯覚的な奥行きを排除しています。

ZAO Wou-Ki (1920-2013)

ザオ・ウーキー（趙無極、1920-2013）は、中国生まれのフランスの画家です。東洋の精神性と西洋の抽象表現を融合させた独自の画風で国際的に高い評価を得ました。パリに移住後、抽象絵画を探求し、色彩豊かでダイナミックな作品を制作しました。ミロやジャコメッティとも親交があり、フランス芸術アカデミーの会員も務めました。

18.10.59 – 15.02.60 (1959-60)

ザオ・ウーキーの特徴である力強い筆致と色彩の爆発が見られます。​この作品では、振動する力と重なり合う空間が広がり、彼の内面的な風景や感情が表現されています。

アンフォルメルの影響を受けて、1951年頃から抽象画を描くようになります。

04.05.64 (1964)

Tachisme タシスム

タシスムは、1940年代後半から1950年代にかけてフランスを中心にヨーロッパで流行した抽象絵画の一様式です。フランス語の「tache（しみ、汚れ）」に由来し、筆跡の自発性や、絵具の滴り（ドリッピング）、走り書きのような筆致を特徴とします。

幾何学的抽象に対する反動として現れ、無意識的な表現や偶然性を重視する点が特徴です。「熱い抽象」とも呼ばれ、感情や激しさを表現する手段として用いられました。

タシスムはアンフォルメルの流れの中の一部として考えられる場合もあります。

Jean Fautrier (1898-1964)

ジャン・フォートリエは、20世紀フランスの重要な画家・彫刻家です。タシスム（Tachisme）の最も重要な作家の一人として知られています。

彼の作品は、厚塗り（オート・パット）と物質感を強調した独特のテクスチャーが特徴です。特に第二次世界大戦中に制作された「人質（Otage）」シリーズは、戦争の悲劇と人間の苦悩を、抽象的でありながら強烈な存在感をもって表現しており、彼の代表作として広く知られています。

L’écorché (1944)

「人質（Otages）」シリーズの中に含まれる作品です。

この作品は、ナチス占領下のフランスでレジスタンスの人々が拷問・殺害されたという現実に触発されており、「皮を剥がれた人間」という意味のタイトルが示すように、暴力や苦痛、存在の不条理を抽象的かつ物質的な表現で描いています。

Femme douce (1946)

この作品では、女性の顔や身体が柔らかく抽象化され、穏やかで静かな存在感を放っています。戦時中の「人質」シリーズで見られた暴力的で重苦しい表現とは対照的に、《Femme douce》では、より穏やかで優しい感情が滲み出るような色彩とマチエール（絵肌）が使われています。

Hans Hartung (1904-1989)

ハンス・ハルトゥングは、ドイツ生まれのフランスの画家であり、タシスム（Tachisme）およびリリカル・アブストラクション（叙情的抽象）の重要な先駆者の一人です。

彼の作品は、力強いジェスチャーと即興性を特徴とし、長く鋭い線や引っ掻き傷のような筆致、インクの飛沫などを多用しました。初期には具象的な作品も制作しましたが、1930年代以降は抽象へと移行し、独自のスタイルを確立しました。

T 1956-14 (1956)

彼の特徴的なリリカル・アブストラクション（抒情的抽象）のスタイルを示す代表的な作品のひとつです。

この作品では、鋭く勢いのある筆致や線が画面全体にダイナミックに広がっており、色彩は比較的抑えられながらも、強いエネルギーと緊張感が感じられます。

Jean Messagier (1920-99)

ジャン・メサジェは、20世紀フランスの画家、彫刻家、版画家、そして詩人です。彼はリリカル・アブストラクション（叙情的抽象）の主要な指導者の一人であり、タシスム（Tachisme）やアンフォルメル（Informel）といった芸術運動にも関連付けられます。

メサジェの初期の作品は具象的でしたが、1940年代後半には自然の要素を抽象化した独自のスタイルへと発展しました。彼の作品は、大胆な筆致、鮮やかな色彩、そして自由奔放な形態を特徴とし、自然への深い愛情と詩的な感性が感じられます。

Accès à l’été (1957)

《Accès à l’été（夏への入り口）》は、彼の自然や季節の感覚を抽象的に表現した作品のひとつであり、軽やかで詩的な色彩感覚が特徴です。

この作品では、柔らかく明るい色彩と自由な筆致が画面に広がり、まるで夏の訪れを感じさせるような開放感と生命力が表現されています。

La Conquête de la Franche-Comté par le mois de juin (1969)

《La Conquête de la Franche-Comté par le mois de juin（6月によるフランシュ＝コンテの征服）》は、彼の詩的かつ自然への賛美に満ちた作風が際立つ大作です。

タイトルには、彼が生涯愛した故郷フランシュ＝コンテ地方と、生命力あふれる6月という季節が象徴的に結びつけられており、作品全体に自然のエネルギーと季節の高揚感が溢れています。画面には鮮やかな色彩が躍動し、抽象的なフォルムと自由な筆致が、まるで風や光、花々の揺らぎを視覚化しているかのようです。

Lyrical abstraction　叙情的抽象

叙情的抽象（Lyrical Abstraction）は、1940年代後半から1950年代にかけてヨーロッパ、特にフランスで発展した抽象絵画の潮流の一つです。感情、感覚、詩情といった内面的な経験を、自由で流動的な筆致や色彩によって表現することを重視します。

タシスム（Tachisme）やアンフォルメル（Informel）と 密接に関連していますが、より繊細で優美な色彩や、音楽的なリズムを感じさせる表現が特徴とされることが多いです。激しい感情の爆発というよりは、内省的で穏やかな感情や、自然の抒情性を抽象的な形で表現しようとする傾向があります。

Georges Mathieu (1921-2012)

ジョルジュ・マチューは、フランスの画家で、アンフォルメルやリリカル・アブストラクション（抒情的抽象）の先駆者として知られています。

彼の作品は、即興的でスピード感あふれる筆致、ダイナミックな線と構図を特徴とし、しばしば大きなカンヴァスに対してパフォーマンス的に描くスタイルをとりました。その絵画は「書」の影響も受け、しばしば東洋的な美意識と結びつけて語られます。

Hommage au maréchal de Turenne (1952)

《Hommage au maréchal de Turenne（テュレンヌ元帥へのオマージュ）》は、彼の初期の代表作のひとつであり、リリカル・アブストラクションの様式が確立されつつある時期の重要な作品です。

この作品は、17世紀フランスの名将テュレンヌ元帥に捧げられたもので、歴史的人物や出来事を抽象的に描くというマチュー特有のアプローチが表れています。画面には、激しい筆致、勢いのある線、そしてエネルギーの爆発のような構成が見られ、即興性と感情の高まりが強く感じられます。

Jean Degottex (1918-1988)

ジャン・デゴテックスは、20世紀フランスの画家であり、タシスム（Tachisme）やリリカル・アブストラクション（叙情的抽象）といった流れに関わる重要な作家の一人です。

デゴテックスの作品は、極めてミニマルでストイックな傾向を持つことで知られています。

彼の特徴的なスタイルは、抑制された色彩、繊細でありながら力強い単一の線、あるいはかすれたような筆跡によって、静寂や瞑想を誘うような空間を生み出す点にあります。絵具を薄く塗り重ねたり、素材の質感を活かしたりするなど、物質性への意識も感じられます。

Ecriture (1963)

《Écriture（書／書くこと）》（1963）は、彼の「筆跡＝表現」から「筆跡の消去＝無」へと向かう芸術的探求を象徴する作品です。

この作品は、文字や意味を持たない筆致によって構成されており、東洋の書道や禅の思想を感じさせます。彼は筆による即興的な動きや痕跡を重視しながらも、そこに個人の感情を乗せることを排し、むしろ「無」や「空」といった概念に近づこうとしました。

Frédéric Benrath (1930-2007)

フレデリック・ベンラスは、フランスの画家です。彼は、リリカル・アブストラクション（叙情的抽象）の重要な一員として知られています。

ベンラスの作品は、繊細で透明感のある色彩と、流れるような優美なフォルムが特徴です。彼は、水彩のような滲みやぼかしといった技法を油彩に取り入れ、光や空気感、そして夢のような詩的な雰囲気を表現しました。

Les Correspondances (1956)

《Les Correspondances（相互の関連）》（1956）は、複雑で重層的な筆致と色の組み合わせが使用されており、異なる要素が視覚的に「関連し合う」様子が表現されています。

CoBrA コブラ

CoBrA（コブラ）は、1948年にパリで結成された、デンマーク、ベルギー、オランダの若い芸術家たちによる国際的な前衛美術グループです。グループ名は、参加国の首都であるコペンハーゲン (Copenhagen)、ブリュッセル (Brussels)、アムステルダム (Amsterdam) の頭文字を組み合わせたものです。

CoBrAの芸術家たちは、第二次世界大戦後のヨーロッパにおける既存の芸術規範やアカデミズムに反発し、自由で実験的な表現を追求しました。彼らの特徴的なスタイルは、子供の絵のような奔放さ、原始美術や民俗芸術からの影響、そして即興的で力強い筆致にあります。鮮やかな色彩と、動物や人間をモチーフにした、時にグロテスクでユーモラスな形象がよく見られます。

無意識や感情を直接的に表現することを重視し、共同制作や実験的な素材・技法の探求も積極的に行いました。シュルレアリスムの理念を受け継ぎつつも、より直接的で肉体的な表現へと向かったと言えます。

Pierre Alechinsky (1927- )

ピエール・アレシンスキーは、ベルギー出身の画家・版画家で、戦後ヨーロッパの前衛芸術運動「コブラ（CoBrA）」の中心メンバーとして知られています。

彼の作品は、自由奔放な線描、鮮やかな色彩、即興的な筆致を特徴とし、しばしば文字や図像、抽象と具象が混在するユーモラスでエネルギッシュな世界を展開します。東洋の書や日本の墨絵にも強い関心を持ち、1950年代には来日し、日本の書道家たちとの交流も行いました。

Sous le feu (1967)

《Sous le feu（火の下）》は、作品全体には爆発的なエネルギーや衝動的な動きが表現され、赤や黒、オレンジなどの強烈な色彩が使われています。線や形が乱雑に交差し、焦点が定まらないような構図が見る者に不安や危機感を与え、まさに「火」や「戦争」のような破壊的な力を感じさせます。

Svavar Gudnason (1909-1988)

スヴァヴァル・グズナソンは、アイスランドの画家であり、COBRA（コブラ）グループの重要なメンバーの一人です。彼は、アイスランドにおける抽象表現主義の先駆者としても知られています。

力強い色彩と自由奔放な筆致が特徴で、感情やエネルギーを直接的に表現しようとする姿勢が見られます。COBRAグループの理念である、子供の絵のような純粋さやプリミティブな表現への関心も彼の作品に反映されています。

Griman (1949)

抽象化された形状と強い線が、物理的な風景と精神的な世界の相互作用を描いています。

Carl-Henning Pedersen (1913-2007)

カール＝ヘニング・ペダーセンは、デンマークの画家であり、COBRA（コブラ）グループの創設メンバーの一人として国際的に知られています。

彼の作品は、鮮やかで幻想的な色彩、童話や神話の世界を思わせる独特の形象が特徴です。太陽、鳥、蛇、仮面、幾何学的な模様などが、自由奔放な筆致で描かれ、夢のような詩情と生命力に満ちています。

Gul kvinde ved havet (Femme jaune au bord de la mer) (1949)

《Gul kvinde ved havet（海辺の黄色い女）》は、彼の幻想的かつ詩的なスタイルを象徴する作品のひとつです。

この絵には、鮮やかな黄色の女性像が海辺に立つ姿が描かれ、夢のような色彩と形態によって、神話的・象徴的な世界が表現されています。

Asger Jorn (1914-1973)

アサガー・ヨルンは、デンマークの画家、彫刻家、陶芸家、そして著述家であり、COBRA（コブラ）グループの主要な創設メンバーの一人です。また「シチュアシオニスト・インターナショナル」の創設者の一人になります。

ヨルンの芸術は、実験的で多様な表現を特徴とし、絵画、彫刻、版画、タペストリー、陶芸など、様々なメディアを横断しました。

Tête de turc (1967)

タイトルの「Tête de turc」はフランス語で「いけにえ」や「標的にされる人」を意味し、この作品には歪んだ顔や激しい筆致、原始的で表情豊かな形態が描かれています。

Constant Nieuwenhuys (1920-2005)

コンスタント・ニーウェンホイス、通称コンスタントは、オランダの画家、彫刻家、グラフィックアーティスト、作家、そして音楽家です。彼は、COBRA（コブラ）グループの創設メンバーの一人として国際的に知られています。

コンスタントの初期の作品は、COBRAグループの精神を反映した、自由奔放で実験的なスタイルが特徴です。子供の絵のような純粋さ、力強い色彩、そして即興的な筆致が見られます。

L’animal sorcier (1949)

《L’animal sorcier（魔法使いの動物）》は、幻想的で奇妙な生き物が鮮やかな色彩と自由な線で描かれており、まるで子どもの絵のような素朴さと野生的なエネルギーに満ちています。

Karel Appel (1921-2006)

カレル・アペルは、オランダの画家、彫刻家、詩人であり、COBRA（コブラ）グループの主要な創設メンバーの一人として国際的に高く評価されています。

アペルの作品は、強烈な色彩、厚塗りによる荒々しい質感、そして力強く奔放な筆致が特徴です。子供の絵のようなプリミティブな表現と、感情を直接的にぶつけたような激しさが同居しています。人物や動物をモチーフにした形象は、しばしば大胆に変形され、生命力や根源的なエネルギーを観る者に伝えます。

抽象画にとどまらず、カラフルで立体的な作品も製作しました。

La Promenade (1950)

《La Promenade（散歩）》（1950）は、原色に近い強烈な色彩と厚く塗り重ねられた絵の具、そして粗く単純化された人物や動物のような形態が描かれ、まるで子どもの絵のような自由さを感じさせます。タイトルの「散歩」とは裏腹に、画面は動的で奔放なエネルギーに満ちており、日常的な行為を神話的・原始的な表現へと昇華しています。

Egill Jacobsen (1910-1998)

エギル・ヤコブセンは、デンマークの画家であり、COBRA（コブラ）グループの重要なメンバーの一人です。

ヤコブセンの作品は、鮮やかで強烈な色彩と、抽象的でありながらも生物的なフォルムが特徴です。彼の描く形象は、しばしば仮面や図像を連想させ、原始的なエネルギーや神話的な雰囲気を漂わせています。自由奔放な筆致と、厚塗りのテクスチャーも彼の作品の特徴の一つです。

Maskedans i Brunt (Danse des masques, marron) (1943)

《Maskedans i Brunt（仮面の踊り、茶色）》は、彼の代表的なモチーフである仮面と踊る人物像を通じて、幻想的かつ儀式的な世界観を描いた作品です。

この作品では、単純化された形と装飾的な色彩を用いて、仮面をつけた人物たちが踊る様子が茶色を基調に表現されており、神話やプリミティブな文化への関心がうかがえます。

Maske (Masque) 1936

《Maske（仮面）》は、彼の仮面シリーズの初期を代表する作品であり、後のコブラ運動への布石となる重要作です。

この作品では、仮面のように平面的で装飾的な顔が描かれ、鮮やかな色彩と単純化された形態によって、非西洋的な美術や原始芸術への関心が表れています。

Nouveau Réalisme ヌーヴォー・レアリスム

ヌーヴォー・レアリスム（Nouveau Réalisme）は、1960年に美術評論家ピエール・レスタニとアーティストたちによってフランスで提唱された前衛芸術運動です。日本語では「新しい現実主義」と訳されます。

この運動は、現代社会の現実＝都市・消費・大量生産文化をアートに取り込むことを目指し、既製品（レディメイド）や廃材、広告、日用品などの現実素材を使った作品が多く生み出されました。

Mimmo Rotella (1918-2006)

ミモ・ロテッラは、イタリアの画家であり、デコラージュという技法のパイオニアとして国際的に知られています。ヌーヴォー・レアリスムの重要なメンバーであり、ポップアートの国際的な動向とも関連付けられます。

ロテッラの最も有名な作品は、街頭に貼られた広告ポスターを剥がし、それを重ね合わせたり、破いたりすることで新たなイメージを作り出すデコラージュです。彼はこの技法を1950年代半ばに開発し、「引き剥がされたポスターの詩」とも称される、都市の痕跡や社会の断片を芸術的に再構築する作品群を生み出しました。

Avventuroso (1961)

《Avventuroso（冒険的）》は、彼の代表的技法である「デコラージュ（剥ぎ取り）」を用いた作品で、都市の壁に貼られた広告ポスターを剥がし再構成することで、新たな美を生み出すというアプローチが特徴です。

この作品では、破れた紙片、文字、映画や商品広告の断片が層状に重なり合い、偶然性の中に力強い構成美が生まれています。タイトルの「Avventuroso（冒険的）」は、まさにその制作過程と、視覚的に展開される都市のエネルギーや混沌を象徴しています。

Jacques Villeglé (1926-2022)

ジャック・ヴィルグレは、フランスの画家であり、デコラージュの創始者の一人として、ミモ・ロテッラと共に国際的に知られています。

ヴィルグレの芸術は、都市の風景、特に街頭に貼られた剥がれかけた広告ポスターを素材とすることに特徴があります。彼は、これらのポスターを収集し、意図的に手を加えることなく、そのままカンヴァスに貼り付けたり、重ね合わせたりすることで作品を制作しました。この手法は、「アッサンブラージュ（assemblage）」や「デコラージュ（décollage）」と呼ばれます。

ABC (1959)

《ABC》（1959）は、彼の代表的な技法である「アフシュ（affiches lacérées／引き裂かれたポスター）」によって制作された作品で、都市の壁に貼られたポスターを実際に剥がし取り、それを再構成することで生まれたものです。

この作品では、文字や色彩、広告の断片がランダムに現れつつも、視覚的なリズムや構成の美しさが感じられます。タイトルの《ABC》は、アルファベットの最初の3文字を意味し、言語やコミュニケーションの始まりを象徴すると同時に、都市空間に氾濫する言葉やイメージへのヴィルグレの関心を示しています。

Arman (1928-2005)

アルマン（Arman, 1928-2005）は、フランス生まれのアメリカの彫刻家・画家であり、ヌーヴォー・レアリスムの主要なメンバーの一人として国際的に知られています。

彼の最も特徴的な作品は、「アキュミュレーション（Accumulation）」と呼ばれる、同一の大量の物体を透明なプレキシガラスの箱や容器に集積させたものです。例えば、時計、楽器、絵具チューブ、ゴミなど、日常的なオブジェクトが整然と、あるいは無秩序に集められ、その量と反復によって新たな視覚的インパクトを生み出します。

アルマンは、物体の持つ固有の美しさや、大量に集積されることによる量感、そして社会における消費文化などをテーマに作品を制作しました。また、物体を破壊したり切断したりして再構成する「コラージュ・ア・ラ・カスール（Colère）」と呼ばれるシリーズも制作しています。

楽器を使った作品を数多く製作しているのは、チェロ演奏者の父親とキュビスムの影響と言われています。

Chopin’s Waterloo (1962)

《Chopin’s Waterloo（ショパンのワーテルロー）》は、彼の代表的な「破壊のアッサンブラージュ（Accumulation/Destruction）」シリーズに属する作品です。

この作品では、壊されたピアノや楽器の破片が集積されており、タイトルにある「ショパン」と「ワーテルロー（敗北の象徴）」が対比的に結びつけられ、ロマン主義的音楽とその崩壊、芸術の神聖性の解体がテーマになっています。

Martial Raysse (1936- )

マルシャル・レイスは、フランスの現代美術家であり、ヌーヴォー・レアリスムの重要なメンバーの一人として知られています。

彼の初期の作品は、大量生産されたプラスチック製品やけばけばしいネオンなど、当時の消費社会の産物を直接的に取り入れた、鮮やかでポップな色彩が特徴でした。彼はこれらの日常的なオブジェクトを組み合わせたり、ペイントを施したりすることで、独特の視覚的なインパクトを持つ作品を生み出しました。

特に有名なのは、「Made in Japan」シリーズに代表される、安価なプラスチック玩具や日用品をネオン管と組み合わせた作品です。これらの作品は、当時の大量消費社会や広告文化を鮮やかに反映しており、ポップアートの先駆けとしても評価されています。

Tableau métallique : portrait à géométrie convexe (1964)

《Tableau métallique : portrait à géométrie convexe（金属画：凹凸幾何学的肖像）》は、ポップアートと前衛的な表現を融合させた作品で、金属素材や反射的な表面を使用し、視覚的に動的で現代的な感覚を創出しています。

この作品では、幾何学的な形状と凹凸のある金属表面を駆使して、肖像画を表現しています。金属の反射や光の変化により、作品は見る角度によって異なる印象を与え、視覚的な変化や時間の経過を感じさせるような効果を生み出しています。

Gérard Deschamps (1937- )

ジェラール・デシャンは、フランスの現代美術家であり、ヌーヴォー・レアリスム（Nouveau Réalisme、新しい現実主義）の重要なメンバーの一人として知られています。

デシャンの作品は、大量生産された安価な消費財、特にカラフルな布地、水着、ビーチ用品、おもちゃなどを素材として用いることに特徴があります。彼はこれらの日常的なオブジェクトを収集し、積み重ねたり、組み合わせたり、吊るしたりすることで、視覚的に強烈で、時にユーモラスなインスタレーションを制作します。

彼の作品は、当時の消費文化や大衆文化を反映しており、その過剰さや魅力、そして儚さを提示していると解釈できます。鮮やかな色彩と、素材の持つ質感、そしてそれらが集積されることによって生まれる量感が、独特のエネルギーを生み出しています。

Les Chiffons de La Châtre – Corsets roses (1960)

ピンク色のコルセットを中心に、布やその他の家庭用品がアートに取り入れられています。デシャンは、消費社会の物質文化や女性の衣類、日常生活の中の使い捨て文化に対する批評を込めて、これらの「不要なもの」を芸術として再構築しました。

まとめ

どの運動も名前こそ違いますが、第2次世界対戦後の世界で、新しい芸術スタイルを模索する画家たちの苦悩が見受けられると思います。

当時の社会情勢を思い浮かべながら鑑賞すると、また違った楽しみが感じられるのではないでしょうか。

国立近代美術館のコレクションについては以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• ポンピドゥー・センター コレクション｜ピカソとシャガール：フランス近代美術の二大巨匠
• 色彩の爆発と造形の革新：フォーヴィスム、キュビスム、オルフィスム – ポンピドゥー・センター・コレクション
• ポンピドゥー・センター：表現主義、青騎士、未来派 – カンディンスキーと革新の絵画
• ポンピドゥー・センター：シュプレマティスム、デ・ステイル、形而上絵画 – 抽象美術の多様性
• ポンピドゥー・センターで見る前衛芸術の衝撃 ダダイスムとシュルレアリスム
• ポンピドゥー・センター：アンフォルメル、タシスム、CoBrA、ヌーヴォー・レアリスム – 戦後美術の多様な展開
• 内面と大衆文化、そして概念の探求：抽象表現主義、ポップアート、コンセプチュアル・アート – ポンピドゥー・センター・コレクション

今回ご紹介させて頂くのは、「ダダイズム」、「シュルレアリスム」になります。

ついに絵画のスタイルは無意識の世界に突入します。

ダダイズムは、1916年頃から20年前半にかけて、絵画の世界にとどまらず、様々な分野に広がっていきます。

多くの広がりを見せたダダイズムですが、その本質は「それまでの芸術の否定」です。

ダダイズムが多くの国に広まっていったのは、第一次世界大戦の勃発が大きく影響しています。

ただし、「それまでの芸術の否定」だけでは新しいものは生まれません。

ダダイズムの抱えていた大きな問題の解決に向かおうとしたのが、シュルレアリスムになります。

シュルレアリスムがはっきりと認識されるのは、1924年ブルトンによる「シュルレアリスム宣言」が出版されたことによります。

ダダイズムが「破壊」であれば、シュルレアリスムは「生産」ということになります。

無意識の世界にあるものをどうすれば形に出来るのか模索したのが、シュルレアリスムになります。

Dadaïsme ダダイズム

ダダイズムは、第一次世界大戦中にスイスのチューリッヒで生まれた芸術運動です。戦争の悲惨さや社会の矛盾に対する強烈な批判精神を持ち、「反芸術」を標榜しました。

主な特徴:

• 既成概念の否定: 従来の芸術や社会の常識、理性、秩序などを徹底的に否定しました。
• 無意味・不条理の肯定: 論理的な意味や美しさを持たない、ナンセンスで不条理な表現を重視しました。
• 偶然性・即興性: 意図的な制作を避け、偶然や即興性を作品に取り入れました。
• 多様な表現: 絵画、彫刻だけでなく、詩、音楽、演劇、写真、パフォーマンスなど、多様な表現方法を用いました。
• コラージュやレディ・メイド: 新聞や雑誌の切り抜きを組み合わせたコラージュや、既製品をそのまま作品として提示するレディ・メイドといった手法が用いられました。

Francis Picabia (1879-1953)

フランシス・ピカビアは、フランスの前衛芸術家であり、そのキャリアを通して印象派、キュビスム、ダダ、シュルレアリスムなど、様々な芸術運動に関わりました。

主な特徴:

• 変幻自在なスタイル: ピカビアの最大の特色はその多岐にわたるスタイルです。初期の印象派から始まり、キュビスム、そしてダダの主要な人物となり、その後シュルレアリスムにも短期間関わりました。晩年は抽象的な作風に戻るなど、常に新しい表現を追求しました。
• ダダの主要人物: マルセル・デュシャンやマン・レイと共に、ニューヨークとパリにおけるダダ運動の初期の重要な推進者でした。機械的な形態を人間に見立てた「メカノモルフ」と呼ばれる独特の作品群は、ダダのユーモアと反芸術の精神を体現しています。
• 出版活動: 自身の雑誌「391」を創刊し、ダダの思想や自身の芸術を発表する場としました。
• 挑発的な姿勢: 既存の芸術や社会の価値観を挑発するような、反骨精神に満ちた作品を制作しました。

Pompe (1922)

この時期のピカビアは、ダダイスムの影響下で人間の内面や感情、官能性を機械の図式で表現するスタイルを確立しており、「Pompe」もその流れにあります。「Pompe（ポンプ）」は性的・エネルギー的な隠喩と解釈されています。

ニューヨーク・ダダのメンバーであったことから、ダダイズムに分類されることが多いかもしれません。

Raoul Hausmann (1886-1971)

ラウル・ハウスマンは、オーストリア生まれの芸術家であり、ベルリン・ダダの創設メンバーの一人として最もよく知られています。

主な特徴:

• ベルリン・ダダの主要人物: ジョン・ハートフィールドやハンナ・ヘッヒらと共にベルリン・ダダを牽引し、その思想と活動の中心的な役割を果たしました。「ダダゾーフ（ダダ哲学者）」とも呼ばれました。
• フォトモンタージュの創始者の一人: 当時恋人だったハンナ・ヘッヒと共に、写真や印刷物を切り貼りして新たなイメージを作り出すフォトモンタージュの技法を開発しました。これはダダの反芸術的な精神や社会批判を表現する強力な手段となりました。
• 視覚詩と音響詩: 文字の配置やタイポグラフィーを視覚的に捉えた「ポスター詩」や「文字詩」を制作し、自ら朗読するパフォーマンスも行いました。音響的な要素と視覚的な要素を組み合わせた表現を追求しました。
• 機械的な頭部 (Der Mechanische Kopf): 頭部に様々なオブジェを取り付けた彫刻作品『機械的な頭部』は、ハウスマンの代表作であり、人間の理性や思考を機械的に捉えたダダの思想を象徴しています。

Gelbes Pferd (Cheval jaune) (1916)

馬の具象的な姿は描かれず、抽象的で幾何学的な形態によって構成されています。

Marcel Duchamp (1887-1968)

マルセル・デュシャンは、フランスの芸術家であり、20世紀美術において最も影響力のある人物の一人とされています。ダダとシュルレアリスムの双方に関わりながらも、どちらの運動にも完全に属することなく、独自の革新的な道を切り開きました。

主な特徴:

• 「レディ・メイド」の提唱: 日常の既製品をそのまま芸術作品として提示する「レディ・メイド」の概念を創案しました。代表作には、小便器にサインをした『泉』や、自転車の車輪をスツールに取り付けた『自転車の車輪』などがあります。これは「芸術とは何か」という根源的な問いを投げかけ、従来の芸術の概念を大きく揺るがしました。
• 反芸術の精神: ダダの精神を受け継ぎ、伝統的な美意識や技巧主義を否定し、知的で概念的なアプローチを重視しました。
• 大ガラス (Le Grand Verre): 長年にわたり制作された巨大な作品『彼女の独身者たちによって裸にされた花嫁、さえも』は、彼の芸術観を集約した複雑で謎めいた作品です。
• チェスへの情熱: 後年は芸術活動から徐々に離れ、チェスに情熱を注ぎ、プロのチェスプレイヤーとしても活動しました。
• 概念芸術の先駆者: デュシャンの思考と作品は、後の概念芸術（コンセプチュアル・アート）に決定的な影響を与えました。作品の視覚的な美しさよりも、その背後にあるアイデアやコンセプトを重視する芸術の潮流を生み出すきっかけとなりました。

Neuf Moules Mâlic (1914-15)

ニューヨーク・ダダの中心的な人物として知られているマルセル・デュシャン。

20世紀の芸術に多大な影響を及ぼしましたが、30代半ば以降はほとんど作品を制作していない芸術家です。

In Advance of the Broken Arm (En prévision du bras cassé) (1915-1964)

「骨折に備えて」は物理的な加工はほぼ加えず、タイトルと文脈によって意味を付加しています。

アートとは何か？という問いを投げかける作品でもあります。

Fresh Widow (1920-64)

「Fresh Widow」は、言葉遊びで “French Window（フレンチ・ウィンドウ）” をもじったものになります。

また「Fresh Widow」は「新しい未亡人」を意味し、第一次世界大戦後の喪失や社会的影響を示唆しています。

単なる言葉遊び以上に、戦争、視覚、ジェンダー、記憶など多層的なテーマを含み、見ること・見えないことの意味を問いかける重要な作品とされています。

Surréalisme シュルレアリスム

シュルレアリスム（Surréalisme）は、第一次世界大戦後の1920年代にフランスを中心に興った芸術・思想運動です。アンドレ・ブルトンが提唱した文学運動を起源とし、その後、絵画、彫刻、写真、映画など、幅広い分野に影響を与えました。

主な特徴:

• 無意識の探求: 人間の理性や意識によって抑圧された無意識の世界（夢、潜在意識、衝動など）こそが、創造性の源泉であると考えました。
• 現実を超えるもの (Surréel): 日常的な現実を超えた、非現実的で幻想的な世界を表現しようとしました。
• 自動記述（オートマティスム）: 理性的なコントロールを排し、無意識のままに言葉やイメージを書き出す、描くといった手法を重視しました。
• 夢の解釈: フロイトの精神分析の影響を受け、夢を重要な表現の源泉と捉え、その分析やイメージを作品に取り入れました。
• オブジェの発見と創造: 日常的なオブジェに予期せぬ意味や機能を付与したり、異質なオブジェを組み合わせたりすることで、シュルレアリスム的な効果を生み出しました。
• コラージュやデカルコマニーなどの技法: 偶然性や無意識の働きを利用した様々な表現技法が用いられました。

Alberto Savinio (1891-1952)

アルベルト・サヴィニオは、イタリアの多才な芸術家です。本名はアンドレア・フランチェスコ・アルベルト・デ・キリコ（Andrea Francesco Alberto de Chirico）で、形而上絵画の巨匠ジョルジョ・デ・キリコの弟としても知られています。

主な特徴:

• 多岐にわたる才能: 画家としてだけでなく、作家、劇作家、作曲家、ジャーナリスト、エッセイスト、舞台美術家としても活動しました。
• シュルレアリスムとの関連: 兄ジョルジョ・デ・キリコと共に形而上絵画の先駆者とされ、その後シュルレアリスムの運動にも深く関わりました。しかし、どちらの運動にも完全に属することなく、独自の幻想的で知的な世界観を展開しました。

Le Songe (1930)

Le Songe（夢）は、人間と動物、オブジェが奇妙に融合した夢幻的な世界を描いています。

タイトルにふさわしく、無意識や記憶、神話的イメージを想起させる構成となっています。

Joan Miró (1893-1983)

ジョアン・ミロは、スペイン（カタルーニャ地方出身）の20世紀を代表する画家、彫刻家、版画家です。シュルレアリスムの重要なメンバーの一人でありながら、既存のどの流派にもとらわれない、独特の詩的で抽象的な画風を確立しました。

主な特徴:

• 夢と無意識の世界: シュルレアリスムの影響を受け、夢や無意識の世界から湧き出るイメージを自由に表現しました。
• 有機的なフォルムと記号的な要素: 太陽、月、星、鳥、女性など、自然や生命の要素を単純化・記号化し、伸びやかで有機的なフォルムで描きました。
• 明るく鮮やかな色彩: 青、赤、黄、緑などの鮮やかな原色を多用し、画面に生き生きとしたリズム感を与えました。
• 自由な線と軽快な筆致: 子供の落書きのような自由で伸びやかな線と、軽快な筆致が特徴です。

L’Addition (1925)

「L’Addition」（勘定）というタイトルに反し、現実の論理（”勘定”）を詩的・超現実的に解体し、夢のような視覚言語へと変換しています。日常と無意識、秩序と無秩序のあいだの緊張感を描いています。

Peinture (1927)

人物・星・動物・身体の断片などを思わせる詩的で自由な図像で、明確な物語性や具象性を排し、夢・無意識・宇宙的リズムを表現しています。

タイトルの「Peinture（絵画）」は、ミロが純粋な絵画の可能性を追求した姿勢の表れと言われています。

Sans titre (été 1929)

絵画というより視覚的な詩／夢の断片のような構成になっています。ミロが追求していた「夢の論理」や「自動記述的イメージ」の具現化し、言葉の意味や物語を排し、直観・無意識・感覚に訴えかける作品となっています。

Bleu I (1961)

ミロにとって完璧な背景を描くために、ただ色を塗るだけでなく、心技体、筆の動き、手首の動き、呼吸などを整え描いた作品です。

3部作の1作目で、ミロが到達した「究極に削ぎ落とされた表現」の象徴であります。

青は「夢・無限・自由」を象徴する色であり、描くというより「宇宙に印を残すような行為」と評されています。

Bleu II (1961)

ランダムに見える黒い点（石）も日本の禅寺の庭のように、規律をもって配置されています。

三部作の中でも最も動きと詩的リズムが強く、音楽的・舞踊的とも言われる作品です。

Bleu III (1961)

「Bleu I」と比較すると、黒い線の描き方が異なります。

三部作の中で最も静けさと余白が強調された構成となっています。

André Masson (1896-1987)

アンドレ・マッソンは、フランスの画家であり、初期シュルレアリスムの重要なメンバーの一人です。

キュビスムの影響を受けていました。

主な特徴:

• 自動記述（オートマティスム）の探求: 初期には、理性によるコントロールを極力排除し、無意識の流れに身を任せて描く自動記述の手法を積極的に探求しました。これはシュルレアリスムの重要な表現方法の一つです。
• 激しく動きのある線と形態: マッソンの作品は、奔放でエネルギーに満ちた線と、有機的で変幻自在な形態が特徴です。
• 闘争や変容のテーマ: 人間や動物の闘争、変容、エロティシズムといった、根源的なエネルギーや衝動をテーマとした作品が多く見られます。
• 砂や接着剤などの異素材の導入: 絵具に砂や接着剤などの異素材を混ぜたり、画面に直接貼り付けたりすることで、テクスチャーや偶然性を強調しました。
• シュルレアリスムからの離脱と回帰: 一時期シュルレアリスムの教条主義的な側面に反発してグループを離れましたが、後に再び関わるなど、複雑な関係を持ちました。
• 第二次世界大戦中の亡命: 第二次世界大戦中はアメリカ合衆国に亡命し、その経験が作品に影響を与えました。

Les Villageois (1927)

村人という主題を通して、日常と無意識の境界を探る作品です。

マッソンの特徴である「自動記述（オートマティスム）」の実践によって、無意識の衝動や記憶の断片が作品に反映されています。

タイトルの「村人たち」は、共同体の象徴であると同時に、人間の原始的な欲望や暴力性も内包している可能性があると言われています。

Gérard Schneider (1896-1986)

ジェラール・シュナイダーは、スイス生まれのフランスの画家であり、タシスム（抽象表現主義の一種で、筆触や素材感を重視する傾向）の主要な人物の一人として知られています。

主な特徴:

• リリカル・アブストラクション（抒情的抽象）の代表: シュナイダーの作品は、感情や内面性を自由な色彩と筆致で表現するリリカル・アブストラクションの代表的な例とされます。
• 力強くダイナミックな筆致: 大胆で力強い筆の運びと、鮮やかな色彩のコントラストが特徴です。感情の爆発やエネルギーが画面全体から感じられます。
• 即興性と身体性: 作品制作においては、計画性よりも即興性や身体的な動きが重視されました。絵具を叩きつけたり、塗り広げたりするような、ジェスチャーペインティングの要素も持ち合わせています。
• 抽象的な形態と色彩の探求: 具体的な対象物を描くのではなく、色彩や形態そのものが持つ表現力を追求しました。
• タシスムの推進: 第二次世界大戦後のパリで興ったタシスムの運動において、重要な役割を果たしました。素材の質感や偶然性、画家の身体性を重視するその傾向を体現しています。

Opus 15C (1956)

力強い線と動的な筆致によって構成される抽象的な形態です。

タイトルの「Opus」は、シュナイダーが音楽的構造を絵画に取り入れ、抽象的なメロディーやリズムを視覚化したことを示唆しています。

Jindrich Styrsky (1899-1942)

イジルド・スティルスキーは、チェコの画家、写真家、詩人、編集者、美術理論家であり、チェコにおけるシュルレアリスムの重要な先駆者かつ中心人物の一人です。

主な特徴:

• 多様な表現: 絵画、写真、詩、挿絵、舞台美術、編集など、多岐にわたる分野で才能を発揮しました。
• 初期のポエティズムからシュルレアリスムへ: 1920年代には、ヴィーチェスラフ・ネズヴァルらと共にチェコの前衛芸術運動「ポエティズム」を牽引しました。その後、1930年代にはシュルレアリスムへと移行し、チェコ・シュルレアリスムの確立に大きく貢献しました。
• エロティシズムと夢の探求: シュルレアリスム期には、エロティシズムや夢、無意識の世界をテーマとした作品を多く制作しました。
• 独特の幻想的なイメージ: 現実と非現実が交錯するような、独特の幻想的で詩的なイメージを作り出しました。
• フォトモンタージュの活用: 写真においても、シュルレアリスム的な視点からフォトモンタージュの技法を積極的に用い、奇妙で魅力的な作品を生み出しました。
• 理論家としての活動: 美術理論家としても活動し、チェコにおける前衛芸術の発展に貢献しました。

Le gilet de Maïakovski (1939)

マヤコフスキーの悲劇的な生涯を踏まえた、失われた存在への追悼を表し、衣服は人の不在を際立たせる「抜け殻」としての象徴となっています。

赤いベストは、ロシア未来派の詩人「ウラジーミル・マヤコフスキー」を表しています。

Yves Tanguy (1900-1955)

イヴ・タンギーは、フランス生まれの画家であり、シュルレアリスムの重要なメンバーの一人です。18歳の時に、キリコに影響を受けて初めて絵画を描くようになりました。

主な特徴:

• 夢のような風景: タンギーの作品は、独特の夢のような、あるいは深海の底のような、非現実的な風景を描いています。広大な空間に、有機的でありながら奇妙な形をした物体が、まるで静止したまま漂っているような光景が特徴です。
• 無意識からの形象: 独学で絵画を始めたタンギーは、初期から理性的なコントロールを排し、無意識から湧き出るイメージを自由に描きました。
• 細密な描写と不気味な静けさ: 描かれる物体は細密に描写されていますが、その配置や全体的な雰囲気は不気味な静けさをたたえています。
• シュルレアリスムへの参加: アンドレ・ブルトンに認められ、1925年にシュルレアリスム運動に参加しました。彼の描く幻想的な世界は、シュルレアリスムの探求する無意識の世界観と深く共鳴しました。

Le Phare (1926)

現実には存在しない、滑らかで乾いたような荒涼とした超現実的な地形に、抽象的な生物のような形態やオブジェが、静止した時間の中に浮かんでいます。

灯台（Phare）は、明確に描かれていなくても、象徴的な存在として不穏さや導きのイメージを想起させています。

タンギーにとって灯台は、精神的な指針や記憶の灯として描かれています。

作品は、幼少期を過ごしたブルターニュの思い出を描いています。

Léon Tutundjian (1906-1968)

レオン・チュチュンジャンは、アルメニア生まれのフランスの彫刻家、画家であり、シュルレアリスムの運動に関わった芸術家の一人です。主に彫刻家として活動していました。

Sans titre (1927) 左　
Formes bleues (1926) 右

「Sans titre (1927) 左」は、バランスのとれた画面構成になっていて、造形的な緊張感と秩序を感じさせる作品になっています。「無題」というタイトルにより、純粋な視覚体験や形式美に焦点を当てています。

「Formes bleues (1926) 右」は、青を基調とした柔らかく有機的な形態が浮遊するように配置されています。

Balthus (1908-2001)

バルテュスは、フランスの画家です。本名はバルタザール・ミシェル・クロソウスキー・ド・ローラ（Balthasar Michel Klossowski de Rola）。ピカソに「20世紀最後の巨匠」と言わしめたことで知られています。日本との関わりも深く、出田節子と結婚しています。

主な特徴:

• 独特の具象表現: 20世紀のモダンアートが抽象化に向かう中で、古典的な技法を用いながらも、夢のような、あるいはどこか不穏な雰囲気を持つ独特の具象絵画を描きました。
• 少女像の多さ: 思春期の少女を題材とした作品が多く、その描写は時にエロティックで物議を醸しました。しかし、バルテュス自身は自身の作品をポルノグラフィーとは一線を画すものと主張していました。
• 静謐さと緊張感: 彼の描く画面は、静けさの中に潜在的な緊張感や物語性を秘めています。時間や感情が止まったかのような、不思議な感覚を与えます。

La Toilette de Cathy (1933)

ルネサンス的な構成や明暗表現が使われ、時代錯誤的な静けさが漂う作品です。

「嵐が丘」にインスピレーションを受け、文学と自伝の回想を混ぜて表現されています。

La Chambre turque (1965-66)

作品は1964年にローマにあるヴィラ・メディチの館長になったことにより、トルコの部屋をモチーフとしてオリエンタリズムを再定式化しています。

トルコ風の部屋は、夢・欲望・記憶の舞台として描かれています。

Grande composition au corbeau (1983-86)

スイス・ヴォー州のロシニエールで制作した最後の作品の一つと言われています。

中央に黒いカラス（corbeau）が登場する、象徴的な室内シーンが描かれ、人物、動物、家具などが静止した舞台のように配置され、時間が止まったような印象を与えます。

絵画空間そのものが、夢・記憶・寓意の層を重ねたような「精神の劇場」となっています。

Francis Bacon (1909-1992)

フランシス・ベーコンは、アイルランド生まれのイギリス人画家であり、20世紀において最も重要な具象画家の一人とされています。抽象絵画が主流となった第二次世界大戦後の美術界において、人間の孤独、苦悩、暴力性などを、歪んだ肉体や孤立した人物像を通して強烈に描き出しました。

主な特徴:

• 強烈な具象表現: 歪み、引き伸ばされ、変形した人間の肉体を、生々しく、時にグロテスクに描きました。
• 孤立した人物像: 檻のような空間や、何もない背景の中に人物を単独で配置することが多く、孤独や不安感を強調しました。
• 感情の激しい表出: 叫びや苦悶の表情、身体のねじれなどによって、人間の内面の激しい感情を表現しました。
• 三連画（トリプティク）の多用: 複数の画面を組み合わせた大作を多く制作し、物語性や時間的な流れを示唆しました。
• 古典絵画からの影響: ベラスケスの肖像画や、磔刑図といった古典的な主題を、独自の解釈で描き直しました。

Van Gogh in a landscape (Van Gogh dans un paysage) (1957)

ベーコンがゴッホをテーマにした作品で、ゴッホの精神的な苦悩や孤独感を表現し、ベーコン特有の歪んだ人体や暴力的な色使いが特徴的です。

ゴッホの姿が風景の中に溶け込むように描かれ、彼の芸術家としての孤独や精神的な苦痛を象徴的に表現しています。

Wilhelm Freddie (1909-1995)

ヴィルヘルム・フレディは、デンマークの画家であり、シュルレアリスムの重要な人物の一人です。特に挑発的でエロティックな作品で知られています。

主な特徴:

• 初期シュルレアリスムへの参加: 1930年代初頭からシュルレアリスム運動に参加し、その影響を強く受けました。
• エロティシズムとタブーの探求: 性的なテーマを露骨に扱い、当時の社会的なタブーに挑戦するような作品を制作しました。
• 夢や無意識の視覚化: シュルレアリスムの理念に基づき、夢や無意識の世界から湧き出るイメージを、鮮やかな色彩と奇妙な形態で表現しました。
• 挑発的なオブジェクトと組み合わせ: 日常的なオブジェクトを予期せぬ組み合わせで配置し、性的あるいは心理的な意味合いを付与しました。

Nonnens bøn (La prière de la religieuse) (1937)

Nonnens bøn（修道女の祈り）は、修道女が祈りを捧げる姿を描き、肉体的な形態が奇妙に歪められています。信仰と欲望、精神と肉体の葛藤を表現しており、祈りという行為が単なる宗教的儀式を超え、身体的・心理的な解放を象徴しています。

Les tentations de Saint Antoine (1939)

Les tentations de Saint Antoine（聖アントワーヌの誘惑）は、聖アントワーヌが誘惑に苦しむシーンを描いており、肉体と精神の葛藤がテーマになっています。

宗教的なテーマを通じて、欲望と信仰、肉体と精神の関係を深く掘り下げています。

当時はポルノグラフィーとして扱われていました。

Matta (1911-2002)

ロベルト・マッタは、チリ生まれの画家であり、シュルレアリスムから抽象表現主義への橋渡しをした重要な芸術家の一人です。

主な特徴:

• 初期はシュルレアリスムに参加: 1930年代にパリでアンドレ・ブルトンと出会い、シュルレアリスム運動に加わりました。
• 「心理的形態」の探求: 初期の作品では、「心理的形態 (Psychological Morphology)」と呼ばれる、内面的な心理状態や感情を抽象的な色彩と流動的な形で表現しました。
• オートマティスムの重視: 無意識の流れを重視するオートマティスムの手法を用い、自由で即興的な描画を行いました。
• アメリカへの亡命と抽象表現主義への影響: 第二次世界大戦中にアメリカへ亡命し、ジャクソン・ポロックやアーシル・ゴーキーら、後の抽象表現主義の画家たちに大きな影響を与えました。

Le Poète (Un poète de notre connaissance) (1944-45)

Le Poète (Un poète de notre connaissance)（詩人（私たちの知っている詩人））は、詩人の内面的な世界を描いた作品で、彼の精神的な過程や創造的な力を視覚的に表現しています。

幻想的な形態と生動感あふれる色彩が特徴で、詩人が感じる深層的な思考や感情の流れが抽象的に描かれています。

Simon Hantaï (1922-2008)

シモン・ハンタイは、ハンガリー生まれのフランスの画家であり、20世紀後半の抽象絵画において重要な存在です。特に「プリヤージュ（pliage）」と呼ばれる独特の折り畳み技法を用いた作品で知られています。

主な特徴:

• プリヤージュ（折り畳み）の技法: キャンバスを意図的に折り畳んでから彩色し、乾いた後に広げることで、予測不可能で独特な色彩と空白のパターンを生み出す技法を開発しました。この技法は、偶然性と画家の意図が複雑に絡み合う、革新的なものでした。
• 抽象表現の探求: 具体的な形象を描かず、色彩、形態、そして何よりもプリヤージュによって生まれる痕跡そのものが表現となる、独自の抽象絵画を追求しました。
• ミニマリズムとの関連: 折り畳みと彩色というシンプルな行為から生まれる画面は、ミニマリズムの要素も内包していると評されます。
• 色彩の豊かさと繊細さ: 鮮やかでありながらも、どこか抑制の効いた色彩感覚が特徴です。プリヤージュによって生まれる色の重なりや滲みが、繊細なニュアンスを生み出します。

Meun (1968)

白地と鮮やかな色彩のコントラストが強調され、画面にリズミカルなパターンが現れています。

制作時に拠点としていたフランスの村「ムアン（Meun）」の名がシリーズ名になっています。

Hervé Télémaque (1937-2022)

エルヴェ・テレマックは、ハイチ生まれのフランスの画家であり、ヌーヴェル・フィギュラシオン（新具象）の重要な人物の一人です。

テレマックは、自身のルーツであるハイチの文化と、ヨーロッパやアメリカの現代美術の動向を融合させ、独自の視覚言語を確立しました。彼のカラフルで多様なイメージが織りなす世界は、観る者の想像力を刺激します。ヌーヴェル・フィギュラシオンの代表的な画家として、その革新的な試みは高く評価されています。

Objets usuels, pour Vincent van Gogh ? (1970)

Objets usuels, pour Vincent van Gogh ?（日常的な物体、フィンセント・ヴァン・ゴッホへ？）は、カラフルで象徴的な形態がゴッホの内面的な世界に通じ、視覚的に新たな解釈を提供しています。

テレマックは日常の物体を通じて、ゴッホの精神的な葛藤や孤独感を表現し、アートと日常生活を繋げることで、彼の作品に新たな意味をもたらしています。

Art Concret アート・コンクリート

アート・コンクリート（Art Concret）は、1930年頃にテオ・ファン・ドゥースブルフによって提唱された抽象芸術の潮流です。「具体的な芸術」という意味を持ち、主観的な感情や象徴性を一切排除し、純粋な幾何学的要素（線、面、色彩）のみによって構成される芸術を目指しました。

主な特徴:

• 純粋な幾何学的抽象: 円、正方形、直線といった基本的な幾何学的形態と、原色などの限定された色彩のみを用います。
• 主観や感情の排除: 作家の個人的な感情や、自然や現実世界の模倣といった要素を完全に排除します。
• 知的で論理的な構成: 数学的な原理や論理に基づいて、厳密に構成された画面が特徴です。偶然性や即興性も否定されます。
• 装飾性の否定: 美的な装飾や効果を目的とせず、要素そのものの純粋な関係性を示そうとします。
• 普遍性の追求: 個人的な表現を超え、普遍的で客観的な美の創造を目指しました。

Otto Carlsund (1897-1948)

オットー・カールスンドは、スウェーデンの前衛芸術家、キュレーター、美術評論家です。キュビスム、ピュリスム、新造形主義、そしてアート・コンクリートといった様々な芸術運動に関わりました。

フェルナン・レジェとアメデエ・オザンファンに師事したオットー・カールスンドは、オザンファンのスタイルにより大きな影響を受けました。その後、建築家ル・コルビュジエのプロジェクトに携わるようになりました。

主な特徴:

• アート・コンクリートの初期メンバー: 1929年にテオ・ファン・ドゥースブルフ、ジャン・ヘリオン、レオン・チュチュンジャンらと共にアート・コンクリートを結成し、翌年には共同宣言を発表しました。
• 純粋な抽象: 感情や象徴性を排し、幾何学的な形態と純粋な色彩による抽象表現を追求しました。

Komposition för Elevator (Composition pour escalier) (1926)

Komposition för Elevator（エレベーターのための構成）は、機械的な構造や動的な要素を強調し、エレベーターや階段などの機能的な構成を抽象的に表現しています。

この作品はキュビスムの影響を強く受けていますが、構成主義の影響を強く受けていくようになります。

まとめ

1924年、詩人アンドレ・ブルトンの「シュルレアリスム宣言」によって誕生したシュルレアリスムですが、1968年ブルトンの死によって分裂していくことになります。

なお、シュルレアリスム自体は現在も引き続き活動が行われています。

国立近代美術館のコレクションについては以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• ポンピドゥー・センター コレクション｜ピカソとシャガール：フランス近代美術の二大巨匠
• 色彩の爆発と造形の革新：フォーヴィスム、キュビスム、オルフィスム – ポンピドゥー・センター・コレクション
• ポンピドゥー・センター：表現主義、青騎士、未来派 – カンディンスキーと革新の絵画
• ポンピドゥー・センター：シュプレマティスム、デ・ステイル、形而上絵画 – 抽象美術の多様性
• ポンピドゥー・センターで見る前衛芸術の衝撃 ダダイスムとシュルレアリスム
• ポンピドゥー・センター：アンフォルメル、タシスム、CoBrA、ヌーヴォー・レアリスム – 戦後美術の多様な展開
• 内面と大衆文化、そして概念の探求：抽象表現主義、ポップアート、コンセプチュアル・アート – ポンピドゥー・センター・コレクション

今回ご紹介させて頂くのは、「シュプレマティスム」と「デ・ステイル」そして「形而上絵画」になります。

シュプレマティスムは、マレーヴィチを中心とした芸術運動であり、抽象性を徹底した運動になります。

同時期に起こっていて「ロシア構成主義」や「バウハウス」などに大きな影響を与えています。

デ・ステイルは、モンドリアンを中心とした芸術運動で、オランダで発祥しました。

モンドリアンの提唱した「新造形主義」が活動の中心になりますが、モンドリアン自身は1925年に脱退してしまいます。

形而上絵画は、キリコが中心となって提唱された、「見ることの出来ないものを描く」イタリアのスタイルです。

Suprématisme シュプレマティスム

シュプレマティスム（Suprematism）は、20世紀初頭にロシアで生まれた芸術運動で、特に絵画の分野において、その後の抽象芸術に大きな影響を与えました。以下にその概要をまとめます。

概要:

• 創始者:
  • カジミール・マレーヴィチによって創始されました。
• 特徴:
  • 単純な幾何学形態（正方形、円、三角形、十字形など）を用いて、非対象の純粋な感覚を表現することを追求しました。
  • 対象の再現性を否定し、芸術の根源的な要素に迫ろうとしました。
  • 「絶対主義」「至高主義」とも訳され、芸術における絶対的な純粋性を目指しました。
  • 内面性や精神性を表現するカンディンスキーらの「熱い抽象」に対して、「冷たい抽象」と呼ばれることがあります。

Kasimir Malévitch (1879-1935)

カジミール・マレーヴィチは、20世紀初頭にロシアで活躍した画家であり、抽象絵画の先駆者として知られています。以下に、彼の生涯と業績を簡潔に紹介します。

生涯と業績

• 初期:
  • ウクライナのキエフ近郊で生まれ、モスクワで美術教育を受けました。
  • 当初は印象派や象徴主義の影響を受けた作品を制作していました。
• シュプレマティスムの創始:
  • 1910年代に入ると、キュビスムや未来派の影響を受け、独自の抽象絵画のスタイルを確立しました。
  • 1915年に「シュプレマティスム（絶対主義）」を宣言し、幾何学的な形態と純粋な色彩による非対象の絵画を追求しました。
  • 代表作である「黒の正方形」や「白の上の白」は、シュプレマティスムの理念を象徴する作品です。
• ロシア・アヴァンギャルドの旗手:
  • ロシア革命後の社会では、美術教育や舞台美術など、幅広い分野で活動しました。
  • ロシア・アヴァンギャルドの中心的役割を担い、構成主義など、その後の芸術運動に大きな影響を与えました。
• 晩年:
  • スターリン体制下では、抽象絵画が退廃芸術として弾圧され、マレーヴィチも具象絵画の制作を余儀なくされました。
  • 1935年にレニングラード（現在のサンクトペテルブルク）で死去しました。

Croix [noire] (1915)

『Croix noire（黒い十字）』は、マレーヴィチが提唱した「シュプレマティスム（至高主義）」の代表的な例の一つです。

この絵画は、白い背景に黒い十字という非常にミニマルな構成で、形と色を通じて感情や精神性を追求することを目的としています。また「黒い十字架」の輪郭をわずかに歪ませることで緊張を和わらげています。

具象性を完全に排除したこの作品は、当時の伝統的な絵画観に対するラディカルな挑戦であり、芸術における抽象表現の可能性を大きく切り開きました。

簡潔に言えば、『Croix noire』は、純粋な形と色を用いて人間の内面的世界を表現しようとした、前衛芸術の重要作品です。

Carré noir (1923-1930)

『Carré noir（黒い正方形）』は、白い背景の上に黒い正方形が描かれた非常にシンプルな構成で、具体的なモチーフを排除し、「純粋な感覚」や「精神性の表現」を目指しています。1915年の初版『黒の正方形』から改良・再制作されたバージョンで、1923〜1930年にかけて描かれました。

マレーヴィチにとって黒い正方形は、絶対的な記号であり、無限の空間を表すものになります。

絵画を「表現」から「概念」へと転換させた、20世紀美術史における画期的な抽象作品です。

Croix noire (1923-26)

『Croix noire（黒い十字）』は、白い背景に黒い十字が描かれ、形と色のみで構成されたミニマルなデザインが特徴です。

[Sensation du danger] (1930-31)

『Sensation du danger（危険の感覚）』は、スターリン主義を象徴する窓のない２つの家から逃走している人物を描いています。

血の付いた剣は、芸術家だけでなく、一般の農民にまで向けられていることを表しています。

当時の政権に対する強い避難を描いています。

[Le Cheval blanc] (1930-31)

『Le Cheval blanc（白い馬）』は、白い馬と静かな農村風景が描かれており、構図や色使いにはシュプレマティスムで培われた抽象的な感覚が残されています。抑圧的な政治状況下で、マレーヴィチは象徴的なモチーフを用いて精神性や希望、自由を表現しようとしたと考えられています。

スターリン主義への避難を込めて描いています。

De Stijl デ・ステイル

デ・ステイル（De Stijl）は、1917年にオランダで創刊された雑誌名、および同誌を中心に活動した芸術家グループの名称です。オランダ語で「様式」を意味し、絵画、建築、デザインなど幅広い分野で活動しました。

概要:

• 創設:
  • テオ・ファン・ドゥースブルフを中心に、ピエト・モンドリアン、ヘリット・リートフェルトなどが参加しました。
• 理念:
  • 第一次世界大戦後の混乱から、新たな調和と秩序を生み出すことを目指しました。
  • 水平線と垂直線、そして赤・青・黄の三原色と白・黒・グレーの無彩色を用いた、幾何学的で抽象的な表現を追求しました。
  • 絵画、建築、デザインなど、あらゆる芸術分野の統合を目指しました。
• 特徴:
  • 徹底的な抽象化と単純化
  • 幾何学的形態の追求
  • 三原色と無彩色の使用
  • 非対称な構成

Piet Mondrian (1872-1944)

ピエト・モンドリアンは、オランダ出身の画家で、20世紀美術における抽象絵画の発展に大きく貢献しました。

生涯と業績

• 初期:
  • オランダで生まれ、アムステルダムの美術学校で伝統的な絵画技法を学びました。
  • 初期の作品は、風景画など具象的なものでしたが、徐々に抽象的な表現へと移行していきました。
• キュビスムの影響:
  • パリに移住後、キュビスムの影響を受け、対象を幾何学的な形に分解する試みを始めました。
• デ・ステイルへの参加:
  • テオ・ファン・ドゥースブルフらと「デ・ステイル」運動に参加し、極限まで幾何学化・単純化された水平線と垂直線、そして赤・青・黄の三原色と白・黒・グレーの無彩色のみを用いる独自の抽象絵画を確立しました。
• 新造形主義:
  • モンドリアンは、自身の芸術理論を「新造形主義」と呼び、普遍的な美の表現を追求しました。
  • 代表作である「コンポジション」シリーズは、新造形主義の理念を体現した作品です。
• 晩年:
  • 第二次世界大戦の影響でニューヨークに移住し、ジャズのリズムや都市の活気に触発された作品を制作しました。
  • 「ブロードウェイ・ブギウギ」などの晩年の作品は、より自由で動的な表現を見せています。

Composition en rouge, bleu et blanc II (1937)

『Composition en rouge, bleu et blanc II（赤・青・白の構成 II）』は、赤・青・白の三色と黒い直線のみを使い、画面を垂直・水平の格子状に構成しています。シンプルながら緻密なバランスにより、秩序、調和、普遍性を表現しようとしています。

New York City (1942)

アメリカ移住後に制作した作品で、彼の晩年のスタイルの転換点を示す重要作です。

垂直・水平のラインが細かく交差し、鮮やかな色のラインがリズミカルに配置されています。従来の新造形主義の厳格な構成から離れ、ニューヨークの街並みやジャズのリズムにインスピレーションを受けた、より自由で動的な構成が特徴です。

黒いグリッドを赤、青、黄色に置き換え、ニューヨークの活気さを表しています。

Theo Van Doesburg (1883-1931)

テオ・ファン・ドゥースブルフは、オランダの画家、建築家、デザイナー、理論家であり、「デ・ステイル」運動の創設者の一人として知られています。

生涯と業績

• デ・ステイル運動の創始:
  • 1917年に、ピエト・モンドリアン、ヘリット・リートフェルトらとともに雑誌「デ・ステイル」を創刊し、同名の芸術運動を推進しました。
  • デ・ステイルの理念である、水平線と垂直線、三原色と無彩色を用いた幾何学的抽象表現を提唱し、絵画、建築、デザインなど幅広い分野で実践しました。
• 多才な活動:
  • バウハウスとの交流や、ダダ運動への参加など、同時代の様々な芸術運動と関わり、影響を与え、また影響を受けました。
• 要素主義への移行:
  • 晩年には、要素主義に移行します。要素主義は、斜線の導入や、より複雑な幾何学的構成を特徴とし、デ・ステイルの発展に新たな方向性を示しました。

Composition X (1918)

直線や矩形、限られた色（主に白・黒・グレー・原色）を用いて、自然の形態を排除しつつ、秩序と調和を探求しています。

作品は、妻の肖像画からインスピレーションを得て描かれたものと言われています。

Peinture pure (1920)

赤・青・黄の三原色と黒い直線、白地のみを用い、水平・垂直の構成によって、自然や感情から切り離された「純粋な視覚的秩序」を追求しています。

ドゥースブルフは「中心点が絵の外側にある完全に平面的な構図」を描いたとしています。

Georges Vantongerloo (1886-1965)

ジョルジュ・ヴァントンゲローは、ベルギー出身の彫刻家、画家、理論家であり、抽象芸術の発展に大きく貢献した人物です。

生涯と業績

• 初期:
  • アントウェルペン王立芸術学院で学び、当初は具象的な彫刻を制作していました。
• デ・ステイルへの参加:
  • 1917年にテオ・ファン・ドゥースブルフと出会い、「デ・ステイル」運動に参加しました。
  • デ・ステイルの理念である、幾何学的抽象表現を彫刻や絵画で追求しました。
• 抽象芸術の探求:
  • ヴァントンゲローは、数学的な理論に基づいた抽象彫刻を制作し、空間と形態の関係性を探求しました。
  • 彼の作品は、純粋な形と色彩による、静かで調和のとれた空間構成を特徴としています。
• 晩年:
  • パリに移住し、抽象芸術の発展に貢献しました。
  • 「セルクル・エ・カレ」や「アプストラクシオン・クレアシオン」といった、抽象芸術のグループ展に参加し、晩年まで、抽象絵画、抽象彫刻の制作を続けました。

Composition (1917-18)

作品は新造形主義の特徴である、水平-垂直構造と中間色の背景に、原色の平面を描くことにより、バランスのとれたダイナミックな構図を生み出しています。

Friedrich Vordemberge-Gildewart (1889-1962)

フリードリッヒ・フォルデンベルゲ＝ギルデワルトは、ドイツ出身の画家、彫刻家、タイポグラファーであり、20世紀の抽象芸術の発展に貢献しました。

生涯と業績

• 初期:
  • ドイツのオスナブリュックで生まれ、ハノーファーで美術を学びました。
  • 当初は表現主義の影響を受けた作品を制作していました。
• 抽象芸術への傾倒:
  • 1920年代に入ると、デ・ステイルや構成主義の影響を受け、レリーフの要素を統合した幾何学的抽象絵画の制作を始めました。
  • テオ・ファン・ドゥースブルフやクルト・シュヴィッタースらと交流し、抽象芸術のグループ「デア・アブソルート（Der Abstrakten）」を結成しました。

Composition n° 24 (1926)

直線・矩形・円などの幾何学形態と、明快な色彩と構成のバランスが特徴的です。

César Domela (1900-1992)

セザール・ドメラは、オランダ出身の画家、彫刻家、写真家であり、20世紀の抽象芸術の発展に貢献しました。

生涯と業績

• 初期:
  • アムステルダムで生まれ、当初は写真家として活動していました。
  • 1920年代に入ると、デ・ステイルや構成主義の影響を受け、抽象絵画や彫刻の制作を始めました。
• デ・ステイルとの関わり:
  • テオ・ファン・ドゥースブルフと交流し、デ・ステイル運動に参加しました。
  • デ・ステイルの理念である、幾何学的抽象表現を追求し、独自のスタイルを確立しました。

Composition néo-plastique n° 5 L (1926-27)

作品を斜めにすることにより、作品に力強さや広がりを与えています。

Relief n° 20 A – Sonorité (1946-47)

1929年から様々な素材を使うようになったドメラ。

この作品は、二次元の絵画から立体的な作品へと移行する中で制作されたもので、直線や曲線、平面と立体が組み合わさった構成が特徴です。タイトルの「Sonorité」は、「音響」を意味し、視覚的なリズムが音楽的な感覚と結びついていることを示唆しています。白い三角形と黒い円のような形が対峙し、真鍮が全体を結びつけいています。

Peinture métaphysique 形而上絵画

形而上絵画（Peinture métaphysique）は、20世紀初頭にイタリアで生まれた芸術運動で、シュルレアリスムの先駆的な存在として知られています。

概要

• 創始者:
  • ジョルジョ・デ・キリコによって創始されました。
• 特徴:
  • 現実の風景や静物を描きながらも、それらを非現実的で幻想的な空間に配置することで、観る者に不安や神秘的な感情を抱かせます。
  • 遠近法の歪曲、不自然な光と影、マネキンや幾何学的なオブジェの配置などが特徴です。
  • 合理的な説明を超えた、形而上的な世界観を表現しようとしました。

Giorgio De Chirico (1888-1978)

ジョルジョ・デ・キリコは、20世紀を代表するイタリアの画家であり、形而上絵画（Pittura Metafisica）の創始者として知られています。

生涯と業績

• 初期:
  • ギリシャで生まれ、ミュンヘン美術院で絵画を学びました。
  • 象徴主義やドイツロマン主義の影響を受け、独自の幻想的な絵画世界を追求し始めました。
• 形而上絵画の創始:
  • 1910年代に、現実の風景や静物を描きながらも、それらを非現実的で幻想的な空間に配置する形而上絵画を創始しました。
  • 遠近法の歪曲、不自然な光と影、マネキンや幾何学的なオブジェの配置などが特徴的な作品を多く残しました。
• シュルレアリスムへの影響:
  • 形而上絵画は、シュルレアリスムの画家たちに大きな影響を与え、ダリやマグリットなどの作品にその影響が見られます。
• 晩年:
  • 晩年は、古典絵画への回帰や、自身の過去の作品の模倣など、作風が変化しました。

Il Ritornante (1917-18)

イタリアの画家であるキリコは、形而上絵画を立ち上げ、のちのシュルレアリストたちに大きな影響を与えました。

まとめ

マレーヴィチ、モンドリアン、キリコの3人を中心にご紹介させて頂きました。

それぞれの運動は単独としては大きな広がりになりませんでしたが、次の次代の芸術運動である「シュルレアリスム」や「ダダイズム」に大きな影響を及ぼしていきます。

今回も最後までお読み頂きありがとうございました。

国立近代美術館のコレクションについては以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• ポンピドゥー・センター コレクション｜ピカソとシャガール：フランス近代美術の二大巨匠
• 色彩の爆発と造形の革新：フォーヴィスム、キュビスム、オルフィスム – ポンピドゥー・センター・コレクション
• ポンピドゥー・センター：表現主義、青騎士、未来派 – カンディンスキーと革新の絵画
• ポンピドゥー・センター：シュプレマティスム、デ・ステイル、形而上絵画 – 抽象美術の多様性
• ポンピドゥー・センターで見る前衛芸術の衝撃 ダダイスムとシュルレアリスム
• ポンピドゥー・センター：アンフォルメル、タシスム、CoBrA、ヌーヴォー・レアリスム – 戦後美術の多様な展開
• 内面と大衆文化、そして概念の探求：抽象表現主義、ポップアート、コンセプチュアル・アート – ポンピドゥー・センター・コレクション

20世紀初頭、パリで花開いたフォーヴィスム、キュビスム。しかし、その芸術の潮流はフランスだけに留まらず、ドイツ、イタリア、ロシアへと波及し、それぞれの地で独自の進化を遂げました。

ドイツでは画家の内面を強烈に表現する「表現主義」が、イタリアではスピードとダイナミズムを追求する「未来派」が、そしてロシアでは前衛的な「ダイヤのジャック」や「構成主義」が誕生しました。

これらの芸術運動は、一見すると異質なように見えますが、内面世界の探求という共通のテーマを抱えていました。

本記事では、ポンピドゥー・センターが誇るコレクションの中から、これらの芸術運動を代表する画家たちの作品を厳選してご紹介します。

カンディンスキー、キルヒナー、クレー、セヴェリーニなど、時代を切り拓いた巨匠たちの作品を通して、20世紀初頭の芸術の熱狂と革新を体感してください。

German Expressionism ドイツ表現主義

ドイツ表現主義は、20世紀初頭にドイツを中心に起こった芸術運動です。印象主義や自然主義に対する反動として、画家の内面的な感情や精神性を主観的に表現することを重視しました。

特徴:

• 感情の強調:
  • 不安、苦悩、情熱など、人間の内面的な感情を強烈な色彩や歪んだ形態で表現。
• 主観的な表現:
  • 客観的な現実の描写よりも、画家の主観的な解釈や感情を重視。
• 形態の変形:
  • 対象の形態を大胆に変形させ、感情や精神性を強調。
• 強烈な色彩:
  • 感情を表現するために、鮮やかで対照的な色彩を多用。
• 社会批判:
  • 当時の社会の矛盾や不安を批判的に表現する作品も多く見られる。

Alexej von Jawlensky (1865-1941)

アレクセイ・フォン・ヤウレンスキー（1865-1941）は、ロシア帝国出身のドイツで活躍した表現主義の画家です。

特徴:

• 鮮やかで力強い色彩と、単純化された形態による人物表現が特徴です。
• ゴッホ、ゴーギャン、マティスなどから影響を受け、独自の表現を確立しました。
• カンディンスキーやマリアンヌ・フォン・ヴェレフキンらと親交が深く、「青騎士」グループにも参加しました。

Byzantinerin (Helle Lippen) (Byzantine (Lèvres pâles)) (1913)

「Byzantinerin (Helle Lippen)」（ビザンチン女（明るい唇））は、1913年に制作された彼の代表的な作品の一つです。

ビザンチン美術のイコンを思わせる、神秘的で精神性の高い人物像が描かれています。

鮮やかで力強い色彩が用いられており、特に明るい唇が印象的です。

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938)

エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナー（1880-1938）は、ドイツ表現主義を代表する画家の一人です。

特徴:

• 強烈な色彩と大胆な形態:
  • 感情を強烈に表現するために、鮮やかで対照的な色彩と、対象を大胆に変形させた形態を用いました。
• 都市生活の表現:
  • ベルリンなどの都市生活における孤独や不安、緊張感などを表現した作品を多く残しました。
• 版画制作:
  • 絵画だけでなく、版画制作にも力を入れ、多くの優れた作品を残しました。
• 社会批判:
  • 当時の社会の矛盾や不安を、鋭い視点で批判的に表現した作品も多く見られます。

Toilette – Frau vor dem Spiegel (La toilette – Femme au miroir) (1920)

「Toilette – Frau vor dem Spiegel (La toilette – Femme au miroir)」（化粧 – 鏡の前の女性）は、1920年に制作された彼の代表的な作品の一つです。

青を中心とした背景に、歪んだ遠近法、モデルのポーズが鏡に映ったものと違うなど様々な手法を取り入れて描かれています。

女性の孤独や不安、あるいは官能性が表現されていると考えられます。

Liebespaar (Les Amoureux) (1921 – 23)

「Liebespaar (Les Amoureux)」（恋人たち）は、非常にシンプルな構図で描かれています。

恋人たちの表情や身振りを通して、愛情や親密さといった感情が繊細に表現されています。

Max Pechstein (1881-1955)

マックス・ペヒシュタイン（1881-1955）は、ドイツ表現主義の画家であり、特に「ブリュッケ」（橋）グループの主要メンバーの一人として知られています。

特徴:

• 力強い色彩と原始的な形態:
  • 強烈な色彩と、原始美術から影響を受けた単純化された形態が特徴です。
  • タヒチ旅行の経験から、エキゾチックな主題や原始的な表現に魅了されました。
• 装飾的な表現:
  • 装飾的な要素を取り入れた作品も多く、工芸的な才能も発揮しました。
• 版画制作:
  • 絵画だけでなく、版画制作にも力を入れ、多くの優れた作品を残しました。

In den Dünen (Dans les dunes) (1911)

「In den Dünen (Dans les dunes)」（砂丘にて）は、ゴーギャンを思わせるような作品です。

砂丘の風景の中に裸体の人物を描くことで、自然と人間の調和を表現しています。

人物は自然の中に溶け込むように描かれており、原始的な生命力が感じられます。

New Objectivity 新即物主義

新即物主義（しんそくぶつしゅぎ）は、第一次世界大戦後のドイツで興った芸術運動です。表現主義の主観的な感情表現への反動として、客観的で冷静な現実描写を追求しました。

特徴:

• 客観的な現実描写:
  • 感情や主観を排し、現実をありのままに描写することを目指しました。
  • 社会や人間の姿を、冷徹な視点で捉える作品が多く見られます。
• 社会批判:
  • 当時の社会の矛盾や問題を、辛辣な風刺や批判を込めて表現しました。
  • 戦争や社会不安による人々の荒廃した姿などを、容赦なく描き出しています。
• 写実的な表現:
  • 細密な描写や正確な形態把握など、写実的な表現技法を用いました。
  • 現実の細部まで克明に描き出すことで、作品に強いリアリティを与えています。

Otto Dix (1891-1969)

オットー・ディクス（1891-1969）は、第一次世界大戦後のドイツで活躍した画家であり、新即物主義の代表的な作家の一人です。

新即物主義は、表現主義に反するもので、社会の中の無名・匿名として存在している人間に冷徹的な視線で即物的に表現する運動のことになります。

ナチスの台頭により、退廃芸術として運動は衰退していきます。

特徴:

• 冷徹な現実描写:
  • 戦争の悲惨さや社会の矛盾を、容赦ない写実的な描写で表現しました。
  • 感情を排し、客観的な視点で現実を捉えることを重視しました。
• 社会批判:
  • 当時の社会の腐敗や退廃を、辛辣な風刺を込めて描き出しました。
  • 戦争による人々の荒廃した姿や、社会の暗部を克明に描写しています。
• 写実的な技法:
  • 細密な描写や正確な形態把握など、写実的な表現技法を駆使しました。
  • 現実の細部まで克明に描き出すことで、作品に強いリアリティを与えています。

Erinnerungen an die Spiegelsäle von Brüssel
(Souvenirs de la galerie des glaces à Bruxelles)
(1920)

「Erinnerungen an die Spiegelsäle von Brüssel 」（ブリュッセルの鏡の間の思い出）は、1920年に制作された彼の代表的な作品の一つです。

第一次世界大戦後の社会の退廃や腐敗を、辛辣な風刺を込めて表現しています。

細密な描写や正確な形態把握など、写実的な表現技法を駆使しています。

登場人物の姿はグロテスクに歪められており、社会の病んだ雰囲気を強調しています。

Der blaue Reiter　青騎士

「青騎士」（Der Blaue Reiter）は、20世紀初頭のドイツで活動した芸術家グループです。

概要:

• 1911年、ヴァシリー・カンディンスキーとフランツ・マルクを中心に、ミュンヘンで結成されました。
• 表現主義の画家たちによる緩やかなグループで、特定の様式にこだわらず、自由な芸術表現を追求しました。
• 絵画だけでなく、音楽、演劇、舞踊など、さまざまな芸術分野との交流を重視しました。
• 1912年には、同名の芸術年鑑『青騎士』を刊行し、グループの理念や作品を発表しました。
• 第一次世界大戦の勃発により、1914年に活動を停止しました。

特徴:

• 精神性の重視: 物質的な現実よりも、内面的な感情や精神性を表現することを重視しました。
• 抽象絵画の先駆: カンディンスキーを中心に、抽象絵画の発展に大きく貢献しました。
• 色彩の重視: 色彩を感情や精神性を表現するための重要な要素として捉え、鮮やかで力強い色彩を多用しました。
• 多様な芸術の融合: 絵画だけでなく、音楽、演劇、舞踊など、さまざまな芸術分野との交流を重視し、総合的な芸術表現を目指しました。

Vassily Kandinsky (1866-1944)

ヴァシリー・カンディンスキーは、19世紀末から20世紀にかけて活躍したロシア出身の画家であり、抽象絵画の創始者の一人として知られています。

主な特徴:

• 抽象絵画の創始者:
  • 従来の具象絵画から脱却し、色と形のみで感情や精神性を表現する抽象絵画を確立しました。
  • 「絵画における精神的なもの」などの著作で、自身の理論を展開し、後世の芸術家に大きな影響を与えました。
• 色彩と形の表現:
  • 色彩と形に象徴的な意味を与え、音楽のように感情を直接的に表現しようとしました。
  • 特に、黄色、青、赤の三原色を重視し、それぞれの色が持つ感情的な効果を探求しました。
• 多様な作風の変遷:
  • 初期は印象派やフォービズムの影響を受けましたが、次第に抽象的な表現へと移行しました。
  • 「印象」「即興」「コンポジション」といった独自のカテゴリーで作品を分類し、それぞれの段階で異なる抽象表現を試みました。
  • バウハウス時代には、幾何学的な形を用いた作品を多く制作し、晩年にはより自由で幻想的な表現へと回帰しました。
• 「青騎士」グループ:
  • フランツ・マルクとともに「青騎士」グループを結成し、表現主義の運動を推進しました。
  • 「青騎士年鑑」を刊行し、同時代の芸術家たちと交流しながら、新しい芸術の可能性を探求しました。

Improvisation 3 (1909)

「Improvisation 3 (1909)」は、カンディンスキーが抽象絵画へと移行していく初期の段階に制作されたものであり、彼の芸術的な探求を示す重要な作品の一つです。

チュニスの街の橋を、馬と騎手が上に向かって進んでいます。騎手は聖ジョージ（自分自身）をイメージしています。

作品の特徴:

• 即興的な表現:
  • タイトルにある「Improvisation（即興）」は、カンディンスキーが音楽の即興演奏から着想を得て、感情や内面を自由に表現しようとしたことを示しています。
  • この作品では、具体的な対象を描写するのではなく、色彩や形、線などが自由に配置され、音楽のようなリズムや感情の流れが表現されています。
• 色彩の表現:
  • カンディンスキーは、色彩に象徴的な意味を与え、感情を直接的に表現しようとしました。
  • 「Improvisation 3」でも、鮮やかな色彩が用いられ、感情の高まりや精神的な興奮が表現されています。

Impression V (Parc) (1911)

タイトルにある「印象」は、カンディンスキーが自然から受けた印象を、感情や色彩を通して表現しようとしたことを示しています。 この作品では、公園という自然の風景が題材となっていますが、具体的な描写ではなく、色彩や形によって感情や雰囲気が表現されています。

Mit dem schwarzen Bogen (Avec l’arc noir) (1912)

衝突する3つの大陸をロシアの伝統的な馬具である「ドゥーガ」にインスピレーションを得た黒い弓によって緊張状態を保っています。

黒い弧を中心に、様々な色彩や形が自由に配置され、音楽のようなリズムや感情の流れが表現されています。

Bild mit rotem Fleck (Tableau à la tache rouge) (1914)

「Bild mit rotem Fleck (Tableau à la tache rouge) (1914)」（赤い斑点のある絵）は、赤い斑点を中心に、様々な色彩や形が自由に配置され、音楽のようなリズムや感情の流れが表現されています。

Im Grau (Dans le gris) (1919)

「Im Grau (Dans le gris) (1919)」（灰色の中に）は、ロシア革命後のモスクワで制作した、ロシア時代最後の作品の一つです。

灰色を基調としながらも、赤や青、黄などの鮮やかな色彩が用いられ、感情の複雑さや深みが表現されています。

Auf Weiss II (Sur blanc II) (1923)

「Auf Weiss II (Sur blanc II)」（白の上のII）は、バウハウス時代のアパートのダイニングに飾られていた作品になります。

白い背景の上に、様々な幾何学的な形や線、色が配置されています。形と色の相互作用によって、音楽のようなリズムと空間を生み出すことを意図しています。

Akzent in Rosa (Accent en rose) (1926)

「Akzent in Rosa (Accent en rose)」（ピンクのアクセント）は、バウハウス時代の作品になります。

ピンク色を中心に、さまざまな形と色が緻密に配置されています。 形と色の相互作用によって、独特の空間とリズムが生み出されています。

Auf Spitzen (Sur les pointes) (1928)

「Auf Spitzen (Sur les pointes)」（尖端の上で）は、1926年に出版された「Point and Line to Plane（平面上の点と線）」の図法に基づいて描かれています。

水彩画のように扱われた色彩が、作品から軽やかさと無重力の印象を与えることに貢献しています。

Deux points verts (1935)

「Deux points verts (1935)」（二つの緑の点）は、画面の上部中央にある二つの小さな緑色の点が、作品のタイトルにもなっています。

この作品は、バランス、リズム、そして正と負の空間の相互作用といったテーマを探求しているようです。

Bleu de ciel (1940)

「Bleu de ciel (1940)」（空色）は、占領下、ヌイイ＝シュル＝セーヌのアパートで描かれた作品です。

空色を中心とした色彩と形によって、見る人の心に安らぎや希望を与えることを意図していると考えられます。

Accord réciproque (1942)

「Accord réciproque (1942)」（相互協定）は、カンディンスキー、最後から２番目の作品になります。

曲線が巧みに配され、螺旋を思わせる流動感が生み出されているところは、同時期の作品の中で、この作品をよりユニークなものにしています。

画面の地をつかさどる赤をはじめ、暖色と対照的な白が基調をなしている点も特色となります。

色と音をキャンパスに描く集大成と呼べる作品になっています。

Lyonel Feininger (1871-1956)

リオネル・ファイニンガーは、ドイツ系アメリカ人の画家です。

• 生い立ちと初期の活動:
  • ニューヨークでドイツ人の音楽家の両親のもとに生まれ、幼少期から音楽と美術に親しみました。
  • ドイツで美術を学び、初期には風刺画家として活躍しました。
• 作風の確立とバウハウス:
  • キュビスムや未来派の影響を受け、独特の幾何学的で透明感のある作風を確立しました。
  • 青騎士のメンバーであり、1919年からバウハウスで教鞭をとり、パウル・クレーやワシリー・カンディンスキーらと交流しました。
  • 教会の連作は、彼の代表的な作品群として知られています。
• 晩年と評価:
  • ナチスの台頭によりアメリカに帰国し、晩年はアメリカで制作活動を続けました。
  • 彼の作品は、建築的な構造と光の表現が特徴であり、20世紀美術において独自の地位を築いています。

Am Strande (Sur la plage) (1913)

「Am Strande (Sur la plage)」（海岸にて）は、海岸の風景を、幾何学的な形と透明感のある色彩で描いています。

建物、海、空などが、三角形や四角形などの単純な形に分解され、再構成されています。

光の表現が特徴的で、画面全体に独特の明るさと透明感を与えています。

Liebespaar (Les amoureux) (1916)

「Liebespaar (Les amoureux)」（恋人たち）は、キュビスムの影響を受けた作風が特徴です。恋人たちを、幾何学的な形と透明感のある色彩で描いています。人物、木などが、三角形や四角形などの単純な形に分解され、再構成されているのが特徴です。

Marine (1924)

「Marine (1924)」（海景）には、貨物船やヨットが描かれています。

海の風景を、彼の内面的な視点を通して再構築することで、新しい絵画表現を追求しています。

リオネル・ファイニンガーは「海」をテーマにした作品を多く描いています。

Gabriele Münter (1877-1962)

ガブリエレ・ミュンターは、ドイツ表現主義の画家であり、青騎士（ブラウエ・ライター）のメンバーとしても知られています。最後まで青騎士のスタイルを残していました。

• 生涯と活動:
  • ドイツで生まれ、ミュンヘンで絵画を学びました。
  • ヴァシリー・カンディンスキーと深い関係を持ち、彼の作品に大きな影響を与えました。
  • 青騎士のメンバーとして、表現主義運動の発展に貢献しました。
  • 風景画や人物画など、身近な題材を鮮やかな色彩と大胆な筆致で描きました。
  • カンディンスキーの作品を第二次世界大戦中から戦後にかけて守り、後には青騎士の芸術家仲間の作品と自分自身の作品とを広く一般に公開しました。
• 作風の特徴:
  • 単純化されたフォルムと鮮やかな色彩による表現。
  • 素朴で力強い筆致。
  • 内面的な感情や精神性を表現する抽象的な要素。

Drachenkampf (Combat du dragon) (1913)

「Drachenkampf (Combat du dragon)」（竜の戦い）は、神話的なテーマを、ミュンター独特の鮮やかな色彩と大胆な筆致で描いています。

ドラゴンと聖ジョージの戦いは、芸術のビジョンを押し付けるアカデミズムへの反発の象徴として描かれています。

Paul Klee (1879-1940)

パウル・クレーは、20世紀のスイスの画家であり、美術理論家でもあります。

• 生涯と活動:
  • スイスで生まれ、ミュンヘンで絵画を学びました。
  • ワシリー・カンディンスキーらとともに「青騎士（ブラウエ・ライター）」を結成し、表現主義運動に参加しました。
  • バウハウスで教鞭をとり、美術理論家としても活躍しました。
  • 晩年は、故郷のスイスのベルンにて制作活動を行いました。
• 作風の特徴:
  • 子供の絵のような自由な発想と、詩的な表現。
  • 線、形、色彩を組み合わせた、独特の抽象的な絵画。
  • 音楽、文学、哲学など、様々な分野からの影響。

Florentinisches Villen Viertel (Villas florentines) (1926)

「フィレンツェの別荘地」は、クレー独特の幾何学的で詩的な表現で描かれています。

フィレンツェの景観をパッチワークで表現しています。

Rhythmisches (En rythme) (1930)

「Rhythmisches (En rythme)」（リズミカルに）は、絵画的な性質を持ちつつ、作曲のコードを取り入れています。

August Macke (1887-1914)

Frauenkopf in Orange und Braun (Tête de femme orange et marron) (1911)

アウグスト・マッケは、20世紀初頭に活動したドイツの画家です。

• 生涯と活動
  • ドイツ表現主義の画家であり、「青騎士」（ブラウエ・ライター）のメンバーとして知られています。
  • フランツ・マルクとの友情、フランス印象派、フォーヴィスム、キュビスム、そしてイタリア未来派から影響を受けました。
  • 第一次世界大戦の勃発後、従軍し、27歳の若さで戦死しました。
• 作風の特徴
  • 鮮やかで明るい色彩と、光の表現を重視した作風が特徴です。
  • 日常生活の風景や人物を、軽やかで詩的なタッチで描きました。
  • 抽象的な要素を取り入れながらも、親しみやすい表現を追求しました。

Lautenspielerin (Joueuse de luth) (1910)

「Lautenspielerin (Joueuse de luth)」（リュート奏者）は、1911年、第1回青騎士展に出品された作品です。

背景の装飾的な模様と、女性の衣装の色彩が、画面全体に調和とリズムを与えています。

リュートを奏でる女性の姿を通して、音楽的な響きと、色彩の美しさを表現していると考えられます。

Bauhaus バウハウス

バウハウス（Bauhaus）は、1919年にドイツのワイマールに設立された、美術と工芸、デザイン、建築などを総合的に教育した学校です。20世紀のモダンデザインに大きな影響を与え、わずか14年という短い活動期間でしたが、その理念は現代のデザインにも受け継がれています。

Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946)

モホリ＝ナジ・ラースローは、ハンガリー出身の画家、写真家、彫刻家、デザイナーであり、バウハウスの教授としても知られています。

第2次世界大戦中にアメリカに亡命し、「ニューバウハウス」を設立するなど、デザインの分野で大きな貢献をしています。

芸術と技術の融合を追求した芸術家であり、その革新的な作品は、現代の芸術とデザインに大きな影響を与えています。

• バウハウスでの活動:
  • 1923年から1928年まで、バウハウスで基礎課程と金属工房の指導を行い、バウハウスの教育と制作に大きな影響を与えました。
  • 光と動きの実験的な研究を行い、写真、映画、舞台美術など、多岐にわたる分野で革新的な作品を生み出しました。

Composition A.XX (1924)

幾何学的な形と、光の反射や透過を意識した透明感のある色彩で構成されています。

光の絵画シリーズの一部として、「私の作品はすべて光の言い換えである。」とナジ自身が言ったように、光の扱い方が際立った作品です。

Futurismo イタリア未来派

イタリア未来派（Futurismo）は、20世紀初頭にイタリアで起こった芸術運動です。詩人フィリッポ・トンマーゾ・マリネッティが1909年に発表した「未来派宣言」をきっかけに始まりました。

未来派の主な特徴

• 伝統の否定:
  • 過去の芸術や伝統的な価値観を否定し、新しい時代の芸術を創造しようとしました。
• 機械文明の賛美:
  • 自動車、飛行機、機械など、新しいテクノロジーやスピード感、ダイナミズムを芸術に取り入れました。
• 運動と速度の表現:
  • 静的な表現ではなく、動きや速度を表現しようとしました。
  • 時間の概念を重視し、連続的な動きを表現する技法を用いました。
• 暴力と破壊の肯定:
  • 戦争や破壊を、古い社会を破壊し新しい時代を切り開く手段として肯定する過激な思想も持ち合わせていました。

Gino Severini (1883-1966)

ジノ・セヴェリーニは、イタリアの画家であり、未来派の主要メンバーの一人として知られています。

• 未来派への参加:
  • 初期には印象派や分割主義の影響を受けましたが、1910年に未来派宣言に署名し、未来派運動に加わりました。
  • ウンベルト・ボッチョーニやジャコモ・バッラらとともに、未来派の理論と実践を推進しました。
• 作風の変化:
  • 未来派時代には、都市のダイナミズムや動き、速度感を表現する作品を制作しました。
  • 第一次世界大戦後には、キュビスムや古典主義の影響を受け、より静的で構成的な作風へと変化しました。

La danse de l’ours au Moulin Rouge (1913)

「La danse de l’ours au Moulin Rouge (1913)」（ムーランルージュでのくまの踊り）は、パリの有名なキャバレー「ムーラン・ルージュ」での熊の踊りを題材にしています。

未来派の理念である動きや速度の表現が、ダイナミックな構図と色彩によって強調されています。

動き（踊り）だけでなく、音楽や匂いなどあらゆるものを表現しています。

Félix Del Marle (1889-1952)

フェリックス・デル・マルルは、フランスの画家・詩人・理論家であり、20世紀初頭の前衛芸術運動に関与した人物です。初期はキュビスムの影響を受け、その後、未来派やダダイスムに傾倒しました。

特に、機械文明や都市のエネルギーに魅了され、力動感あふれる表現を追求しました。

また、ピエール・ル・コルビュジエ（後のル・コルビュジエ）との交流もあり、芸術とテクノロジー、社会との関係に強い関心を持っていました。晩年にはネオ・プラスティシズム（新造形主義）の影響も受け、抽象芸術へと移行していきました。フランス近代美術における多面的な活動家の一人として位置づけられます。

あえて、未来派に分類していますが、本質的には未来派ではないと思われます。

Composition (1947)

幾何学的な形と鮮やかな色彩の組み合わせが特徴です。

Jack of Diamonds & Donkey’s Tail

「ジャック・オブ・ダイヤモンズ」（Jack of Diamonds）と「ドンキー・テール」（Donkey’s Tail）は、20世紀初頭のロシアで活動した前衛芸術家グループの名前です。これらは別々のグループですが、時期やメンバーの重複などから、しばしば関連付けて語られます。

ジャック・オブ・ダイヤモンズ（ブブノヴィ・ヴァレット、Bubnovyj Valet）

• 1910年にモスクワで結成された芸術家グループ。
• ミハイル・ラリオーノフ、ナタリヤ・ゴンチャロワ、ピョートル・コンチャロフスキー、イリヤ・マシコフらが中心メンバー。
• セザンヌやキュビスムの影響を受けつつ、ロシアの民衆芸術やイコン画の要素を取り入れた、力強く大胆な作風が特徴。
• 「ダイヤモンドのジャック」というグループ名は、刑務所の囚人の服にあった模様に由来しています。
• 1912年にグループは分裂し、ラリオーノフとゴンチャロワはグループから離脱しました。

ドンキー・テール（オースリヌイ・フヴォスト、Oslinyj Khvost）

• 1912年にミハイル・ラリオーノフが「ジャック・オブ・ダイヤモンズ」を脱退後に結成したグループ。
• ナタリヤ・ゴンチャロワ、カジミール・マレーヴィチ、ウラジーミル・タトリンらが参加。
• ロシアの民衆芸術や東洋美術の影響を強く受け、より原始的で民族的な表現を追求しました。
• 「ドンキー・テール」というグループ名は、絵画の展覧会にロバの尻尾で描いた絵画を出品したという逸話に由来します。
• ロシア未来主義の先駆けとなるグループでした。

共通点と相違点

• どちらも20世紀初頭のロシア前衛芸術を牽引したグループ。
• メンバーの重複や交流があった。
• 両グループは共に、西洋の前衛芸術とロシアの伝統的な芸術を融合させようとしました。
• 「ジャック・オブ・ダイヤモンズ」はセザンヌやキュビスムの影響が強く、「ドンキー・テール」はロシアの民衆芸術や東洋美術の影響が強いという違いがあります。
• 「ドンキー・テール」は、よりラディカルで実験的な表現を追求しました。

これらのグループは、ロシア・アヴァンギャルドの発展に大きく貢献し、その後の芸術に多大な影響を与えました。

Mikhail F. Larionov (1881-1964)

ミハイル・ラリオーノフは、ロシア帝国（現在のモルドバ）出身の画家であり、ロシア・アヴァンギャルドの重要な人物です。

• 生涯と活動:
  • モスクワ美術学校で学び、初期には印象派やポスト印象派の影響を受けました。
  • ナタリア・ゴンチャロワと共に、ロシアの民俗芸術やイコン画に影響を受けた「ネオ・プリミティヴィズム」と呼ばれる様式を確立しました。
  • 1910年には「ジャック・オブ・ダイヤモンズ」を創設し、ロシア・アヴァンギャルドの発展に貢献しました。
  • 1912年には「ドンキー・テール」を創設し、よりラディカルな芸術表現を追求しました。
  • 1913年には、ロシア初の抽象絵画運動である「レイヨニスム」（光線主義）を提唱しました。
  • 1915年にロシアを離れ、セルゲイ・ディアギレフが主宰するバレエ・リュス(ロシア・バレエ団)の為に舞台美術や、衣装のデザインを担当しました。
  • ロシア革命後は後半生をフランスで過ごしました。
• 作風の特徴:
  • ロシアの民俗芸術やイコン画の要素を取り入れた、力強く大胆な作風。
  • 光の反射や屈折を表現した、抽象的な「レイヨニスム」の創始。
  • 舞台美術、衣装デザインなど多岐にわたる芸術活動。

L’automne (1912)

「L’automne (1912)」（秋）は、原始的で民族的な表現を追求しており、色彩と形態の単純化が見られます。 抽象的な要素を取り入れながらも、風景の中に人物が描かれており、具象と抽象の境界を探求していることが伺えます。

Le printemps (1912)

「Le printemps (1912)」（春）は、春の自然を通して、ロシアの文化や精神性を表現していると考えられます。

ヴィーナス、または異教の女神をパロディとして描くことで、ロシアの体制を侮辱することをためらわない創造の自由を表明しています。

Paysage (1912)

『Paysage（風景）』は、「レイヨニスム（光線主義）」へと向かう過渡期に位置づけられる絵画です。

伝統的な風景が大胆な色彩と装飾的な筆致で描かれており、ラリオーノフ特有のロシア民俗美術や東洋的な感覚が感じられます。

Portrait de V.E. Tatline (1913)

『Portrait de V.E. Tatline（V.E. タトリンの肖像）』は、同時代の芸術家ウラジーミル・タトリンを描いたものです。

この肖像画は、ラリオーノフが提唱した「レイヨニスム（光線主義）」の初期の特徴を示しており、放射状の線や鮮やかな色彩によって、対象（タトリン）を光とエネルギーの流れの中に包み込むように描いています。伝統的な写実的肖像とは異なり、動的で抽象的なスタイルを取り入れることで、タトリンの革新的精神や芸術的エネルギーを象徴的に表現しています。嘲笑する暗示が含まれています。

Natalia Gontcharova (1881-1962)

ナタリヤ・ゴンチャロワは、ロシア帝国（現在のロシア）出身の画家、舞台美術家、衣装デザイナーであり、ロシア・アヴァンギャルドの重要な人物です。

• 生涯と活動
  • モスクワ美術学校で学び、ミハイル・ラリオーノフと共に、ロシアの民俗芸術やイコン画に影響を受けた「ネオ・プリミティヴィズム」と呼ばれる様式を確立しました。
  • 1910年には「ジャック・オブ・ダイヤモンズ」に参加。
  • 1912年にはラリオーノフと共に「ドンキー・テール」に参加。
  • ラリオーノフとともに、ロシア初の抽象絵画運動である「レイヨニスム」（光線主義）を提唱しました。
  • 1915年以降は、セルゲイ・ディアギレフが主宰するバレエ・リュス（ロシア・バレエ団）のために、舞台美術や衣装のデザインを数多く手がけました。
  • 1921年以降は、後半生をパリで過ごしました。
• 作風の特徴
  • ロシアの民俗芸術やイコン画の要素を取り入れた、力強く大胆な作風。
  • 光の反射や屈折を表現した、抽象的な「レイヨニスム」の創始。
  • 舞台美術、衣装デザインなど多岐にわたる芸術活動。

Les lutteurs (1909-10)

『Les lutteurs（レスラーたち）』は、彼女の初期作品の中でも特に力強い表現が見られる作品です。

取っ組み合う男性の肉体が大胆な筆致と鮮やかな色彩で描かれ、フォーヴィスムやポスト印象派の影響を受けながら、動きと力のダイナミズムが強調されています。肉体のボリュームや構図の大胆さから、ゴンチャロワがロシア民俗的なテーマと西欧の前衛技法を融合させていたことがうかがえます。

ゴーギャンの影響を強く受けています。

Nature morte au homard (1909-1910)

『Nature morte au homard（ロブスターのある静物）』は、フォーヴィスムやポスト印象派の影響を色濃く反映した作品です。

この絵画では、ロブスターや果物、その他の静物が鮮やかな色彩と大胆な形状で描かれており、伝統的な静物画に対する前衛的アプローチが感じられます。対象を単純化し、色の強調と構造的な要素を使って視覚的なインパクトを与えています。作品全体にエネルギッシュな筆致が見られ、彼女の前衛的なスタイルと新しい表現への挑戦を示しています。

Pieds foulant le raisin (1911)

『Pieds foulant le raisin（ぶどうを踏む足）』（1911年）は、ロシア未来派運動に深く関与していた時期に制作されました。

ブドウを踏む足の動きを見事に表現しています。農作業の力強さと動きが表現されています。

ゴンチャロワは、身体の力強さやダイナミズムを強調し、物理的なエネルギーを抽象的に捉えようとしています。作品には、色彩の鮮やかさと形態の解体が見られ、フォーヴィスムやキュビスム、未来派の影響が色濃く反映されています。

Le Paon (1911)

『Le Paon（孔雀）』初期の未来派的スタイルを示す作品です。孔雀の羽が大胆な色彩と幾何学的な形態で描かれ、動きと力強さが強調されています。孔雀は不死の象徴として描かれています。

孔雀の羽のパターンが力強く描かれ、視覚的にインパクトのある作品となっており、彼女のデザイン的なアプローチと色彩感覚の卓越性が光ります。

Les ivrognes (1911)

『Les ivrognes（酔っ払い）』は、彼女がロシア未来派運動に関与していた時期の作品です。この作品では、酔っ払っている人物が力強く、ダイナミックに描かれ、エネルギッシュな筆致と前衛的な構図が目立ちます。

ゴンチャロワは、人物の動きや表情を幾何学的に解体し、従来の写実的アプローチを超えて、酔っ払った状態の不安定さやエネルギーを視覚的に表現しています。色彩の鮮やかさと大胆さ、そして動きの強調が、彼女の前衛的なスタイルを象徴する作品です。

『Les ivrognes』は、ゴンチャロワが社会的テーマを取り入れつつ、抽象的な表現を追求した重要な作品となっています。

Dame au chapeau (1913)

『Dame au chapeau（帽子をかぶった婦人）』（1913年）は、肖像画で、彼女の前衛的なスタイルを象徴する作品です。この絵画では、女性の顔と姿が力強く抽象化され、色彩や形態が大胆に使用されています。

女性の姿を従来の写実的な肖像画とは異なり、フォーヴィスムやキュビスム影響を受けて、幾何学的な構造と鮮やかな色彩を駆使して描いています。帽子や顔の表現は、形を単純化し、動的でエネルギッシュな印象を与えます。

Constructivism ロシア構成主義

ロシア構成主義（Constructivism）は、1910年代半ばから1930年代初頭にかけて、ロシア（ソビエト連邦）で興った芸術運動です。

主な特徴

• 社会との融合:
  • 革命後の新しい社会建設に貢献するため、芸術と産業、社会との融合を目指しました。
  • 芸術は、個人の美的欲求を満たすものではなく、社会的な機能を果たすべきであるという考え方。
• 素材の重視:
  • 伝統的な絵画や彫刻を否定し、鉄、ガラス、プラスチックなどの工業的な素材を積極的に使用しました。
  • 素材の特性を生かした、機能的で合理的な造形を追求しました。
• 幾何学的形態:
  • 単純な幾何学的形態を組み合わせた、抽象的な作品が多い。
  • 明快で力強い視覚表現を追求しました。

Antoine Pevsner (1884-1962)

アントワーヌ・ペヴスナーは、ロシア帝国（現在のベラルーシ）出身の彫刻家であり、ロシア構成主義の重要な人物です。ロシア構成主義の命名者の一人と言われています。

• 生涯と活動:
  • モスクワ美術学校で学び、初期にはキュビスムの影響を受けました。
  • 弟のナウム・ガボと共に、ロシア構成主義の理論と実践を推進しました。
  • 1920年には、「現実主義宣言」を発表し、構成主義の理念を明確にしました。
  • 1923年にロシアを離れ、パリで活動しました。
  • 晩年は、フランスで制作活動を続けました。
• 作風の特徴:
  • 鉄、真鍮、プラスチックなどの工業的な素材を用いた、抽象的な彫刻作品。
  • 空間と時間の概念を重視し、動きや光の表現を追求しました。
  • 数学的な計算に基づいて、幾何学的形態を組み合わせた、精緻な構造。
• 評価:
  • ロシア構成主義の主要な彫刻家の一人として、20世紀彫刻に大きな影響を与えました。

Femme déguisée (1913)

『Femme déguisée（仮装した女）』は、初期の絵画作品の一つで、キュビスムやロシア未来派の影響を受けた表現が特徴です。

この作品では、仮装した女性の姿が幾何学的に解体・再構成されており、動きとフォルムが融合したダイナミックな構図となっています。色彩は抑制されつつも構造的で、視覚的リズムを生み出しています。ペヴスナーは後に彫刻家として知られますが、本作には空間や構造への深い関心がすでに表れており、彼のコンストラクティヴィズムへの道を予感させるものとなっています。

まとめ

今回ご紹介させて頂いた中では、「カンディンスキー」が最も多くの画家に影響を与えています。

抽象画の創始者の一人と言われているカンディンスキーは、ロシア生まれということもあり、時代に翻弄され続けます。

しかし時代に翻弄された続けたからこそ、素晴らしい作品が製作され、その経験が時代へと引き継がれていったのかも知れません。

今回も最後までお読み頂きありがとうございました。

国立近代美術館のコレクションについては以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• ポンピドゥー・センター コレクション｜ピカソとシャガール：フランス近代美術の二大巨匠
• 色彩の爆発と造形の革新：フォーヴィスム、キュビスム、オルフィスム – ポンピドゥー・センター・コレクション
• ポンピドゥー・センター：表現主義、青騎士、未来派 – カンディンスキーと革新の絵画
• ポンピドゥー・センター：シュプレマティスム、デ・ステイル、形而上絵画 – 抽象美術の多様性
• ポンピドゥー・センターで見る前衛芸術の衝撃 ダダイスムとシュルレアリスム
• ポンピドゥー・センター：アンフォルメル、タシスム、CoBrA、ヌーヴォー・レアリスム – 戦後美術の多様な展開
• 内面と大衆文化、そして概念の探求：抽象表現主義、ポップアート、コンセプチュアル・アート – ポンピドゥー・センター・コレクション

ポンピドゥー・センターの奥深きコレクション、今回は「フォーヴィスム」「キュビスム」「オルフィスム」という、20世紀初頭の美術界を激震させた三大潮流にスポットを当てます。

印象派、ポスト印象派を経て、芸術はついに抽象表現へと舵を切りました。

色彩の爆発、形態の解体、そして光と色の新たな探求。これらの革新的な試みは、いかにして生まれ、何を残したのでしょうか？

マティスの鮮烈な色彩、ピカソとブラックによる形態の革命、そしてドローネー夫妻が織りなす光と色のシンフォニー。

これらの巨匠たちの作品を紐解きながら、抽象絵画誕生の瞬間を追体験しましょう。

この記事を読み終える頃、あなたはきっと、抽象絵画の奥深さに魅了され、新たな芸術の扉を開いていることでしょう。

さあ、ポンピドゥー・センターの至宝を巡る、時空を超えたアートの旅へ出発です。

Fauvisme フォーヴィスム

フォーヴィスム（野獣派）は、20世紀初頭にフランスで誕生した美術運動で、強烈な色彩と大胆な筆遣いを特徴とします。

1905年のサロン・ドートンヌ展で、アンリ・マティスやアンドレ・ドランらの作品が「野獣（Fauve）のようだ」と批評されたことから、その名がつきました。

フォーヴィストたちは、伝統的な遠近法や写実性を排し、純粋な色彩と自由な表現を追求しました。

彼らは感情を直接キャンバスにぶつけるように描き、自然や人物を大胆にデフォルメしました。

この運動は短命でしたが、後の表現主義や現代美術に大きな影響を与えました。

フォーヴィスムは、色の力で世界を再解釈する芸術の革新であり、今なお多くの人々を魅了し続けています。

Georges Rouault (1871-1958)

ジョルジュ・ルオーはフランスの画家で、表現主義とフォーヴィスムの要素を独自に融合させた芸術家です。

ステンドグラスの修復師としての修行を積んだ経験から、彼の作品には太い黒の輪郭線と鮮やかな色彩が特徴的に現れています。

宗教的主題、サーカスの道化師、売春婦、裁判官などを題材とし、人間の苦悩や精神性を深く探求しました。

カトリックへの強い信仰心を持ち、その宗教観は作品全体を通して明確に表れています。

ルオーの芸術は社会批判的な側面も持ちながら、最終的には人間の尊厳と救済への信仰を表現しています。

彼の暗く重厚な画風は、20世紀美術において独自の位置を占め、後の芸術家たちに大きな影響を与えました。

マティスの友人であり、ギュスターヴ・モローの指導を受けています。

Parade [détail] (1907-10)

「Parade [détail]（パレード [部分]）」は、パステルと水彩を使用することで、アクロバットな動きを表現しています。

ルオーが初期にサーカスをテーマに描いた作品群の一つであり、 彫刻のシルエットのような力強い線描が特徴的です。

Conférencier (1908-10)

「Conférencier（講演者）」は、講師を悲観的に描いています。

ルオー独特の力強い輪郭線と、深い精神性を感じさせる色彩が特徴で、社会に対する批判的な視点が込められています。

L’Accusé (1908)

「L’Accusé（告発された人）」は、法廷での様子を描いています。

ルオー独特の力強い輪郭線と、深い精神性を感じさせる色彩が特徴で、 社会の底辺に生きる人々への共感と、社会に対する批判的な視点が込められています。

Polichinelle (1910)

「Polichinelle（ポルチネッロ）」は、道化師の悲哀や、社会の底辺に生きる人々の姿を、ルオー独特の力強い線描と深い精神性を感じさせる色彩で描いています。

Clown (1910-13)

1903年頃からサーカスをテーマにした作品に取り組んでいました。

この作品もその一環です。

Acrobate (1913)

彫刻のシルエットのような作品です。

アクロバットの動きを、力強い線と暗い色彩で表現しています。

L’apprenti ouvrier (1925)

「L’apprenti ouvrier (1925)（見習い工）」は、ルオーの自画像になります。

労働者階級の姿を通して、人間の尊厳や苦悩を描いています。

Passion (1929-45)

法廷の様子を描いていますが、宗教的な要素が加わり、中央にキリストを描いています。

L’Accusé (1908)と同じ構図で描かれています。

Le clown blessé (1932)

「Le clown blessé (1932)（傷ついた道化師）」は、長年取り組んだサーカスのテーマにおける代表的な作品の1つです。

Albert Marquet (1875-1947)

アルベール・マルケはフランスの画家で、フォーヴィスムの初期メンバーの一人でしたが、のちに独自の穏やかな画風を確立しました。

パリのエコール・デ・ボザールでアンリ・マティスと出会い、親交を深めました。

また、ギュスターヴ・モローの指導を受けていて、デュフィとも友人でした。

初期にはフォーヴィスムの鮮やかな色彩を採用しましたが、徐々により落ち着いた色調と繊細なタッチへと移行していきました。

マルケは特に港や河川の風景画を得意とし、セーヌ川の眺めやフランス各地の港町、また北アフリカなどの旅先で描いた作品が多く残されています。

簡潔な線と抑制された色彩で、風景の本質を捉える優れた能力を持っていました。

彼の作品は、派手さはないものの、光と空気の変化を繊細に表現する大気遠近法と、優れた構図力が特徴です。

静謐さと日常の美しさを見出す彼の視点は、近代風景画における重要な貢献となっています。

La plage de Fécamp (1906)

「La plage de Fécamp (1906)（フェカンの浜辺）」は、ノルマンディー地方のフェカンの浜辺の風景を描いています。

Maurice de Vlaminck (1876-1958)

絵画の手法をほとんど独学で身につけ、初期にはフィンセント・ファン・ゴッホの影響を強く受けた、モーリス・ド・ヴラマンク。

アンリ・マティスやアンドレ・ドランとともに、フォーヴィスム運動の中心的な役割を果たしました。

感情を直接的に表現するような、激しく力強い色彩と筆致が特徴で、対象の形態よりも色彩や筆致によって、感情や内面を表現することを重視しました。

風景画では、自然の力強さや荒々しさを、独特の色彩と筆致で表現しました。

Une rue de Marly-le-Roi (1905-06)

「Une rue de Marly-le-Roi（マルリー＝ル＝ロワの通り）」は、フランス、イヴリーヌ県に位置するマルリー＝ル＝ロワの通りを描いた風景画です。

ヴラマンクの初期の代表作の一つであり、彼の情熱的で力強い表現が際立っています。

La Cuisine (Intérieur) (1905)

「La Cuisine (Intérieur)（台所（室内））」は、ヴラマンクの寝室からインスピレーションを得た作品です。

Les Coteaux de Rueil (1906)

「Les Coteaux de Rueil（リュイユの丘）」は、フランス、オー＝ド＝セーヌ県に位置するリュイユの丘の風景を描いた作品です。

流れる風景と遠近感、強烈な色彩が特徴的な作品です。

Raoul Dufy (1877-1953)

ラウル・デュフィ（Raoul Dufy, 1877-1953）は、フランスの画家であり、フォーヴィスム（野獣派）の代表的な作家の一人です。

「色彩の魔術師」と呼ばれるように、明るく軽やかな色彩と、流れるような線描が特徴的な作品を数多く残しました。

フォーヴィスムに分類されるデュフィですが、他のフォーヴィスムの画家とは少し違った美しい画風が特徴的です。

ル・アーヴル市立美術学校で美術を学び、その後パリの国立美術学校エコール・デ・ボザールへ入学しました。

アンリ・マティスの影響を受け、フォーヴィスムの画家として活動を始めましたが、後に独自の画風を確立しました。

絵画だけでなく、テキスタイル・デザインや舞台美術など、幅広い分野で活躍しました。

明るく軽やかな色彩と、流れるような線描が特徴で、 南仏の風景や競馬場、音楽などをモチーフに、優雅で装飾的な作品を制作しました。

水彩画にも才能を発揮し、タペストリーやステンドグラスなど、装飾芸術の分野でも活躍しました。

La Place Saint-Gervais à Falaise (1906)

「La Place Saint-Gervais à Falaise (1906)（ファレーズのサン＝ジェルヴェ広場）」は、フランス、ノルマンディー地方のファレーズにあるサン＝ジェルヴェ広場を描いた風景画です。

Emile Othon Friesz (1879-1949)

エミール・オトン・フリエス（Émile Othon Friesz, 1879-1949）は、フランスの画家であり、フォーヴィスム（野獣派）の代表的な作家の一人です。

ル・アーヴル出身の画家で、ラウル・デュフィ、アンリ・マティス、アルベール・マルケの友人でした。

後に、フォーヴィスムから離れ、より伝統的な絵画様式へと移行しました。

Arbres à Honfleur (1906-07)

「Arbres à Honfleur（オンフルールの木々）」は、フランス、ノルマンディー地方のオンフルールの風景を描いた作品です。

André Derain (1880-1954)

アンドレ・ドラン（André Derain, 1880-1954）は、フランスの画家であり、フォーヴィスム（野獣派）の中心的役割を果たした作家の一人です。

後に、フォーヴィスムから離れ、より伝統的な絵画様式へと移行しました。

Le Faubourg de Collioure (1905)

「Le Faubourg de Collioure（コリウールの郊外）」は、フランス、ピレネー＝オリアンタル県にあるコリウールの郊外の風景を描いた作品です。

Les Quais de la Tamise (1906-07)

1905年から06年にかけて、渡英した際の作品です。

テムズ川の埠頭の様子を、フォーヴィスム（野獣派）の鮮烈な色彩と大胆な筆致で描いています。

Cubisme キュビスム

キュビスム（Cubisme）とは？

キュビスムは、20世紀初頭にパブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックによって生み出された美術運動です。

伝統的な遠近法や単一の視点を否定し、対象を幾何学的な形に分解し、異なる視点を同時に表現することを特徴とします。

この運動は「分析的キュビスム」と「総合的キュビスム」の二つの段階に分かれます。

前者（1907～1912年）は、対象を細かく分割し、モノクロームに近い色調で描かれました。

後者（1912年以降）は、より装飾的で、コラージュ技法を取り入れるなど、多様な素材を用いた表現へと発展しました。

キュビスムは絵画だけでなく、彫刻や建築、デザインにも影響を与え、モダンアートの礎を築いた革新的な運動です。

Pierre Albert-Birot (1876-1967)

ピエール・アルベール＝ビロは、フランスの詩人、劇作家、小説家、画家、活字デザイナーです。

1916年に詩誌「SIC」を発行し、ダダからシュルレアリスムへの移行を促す先駆的な役割を果たしました。

Femme nue dans une salle de bain (1916)

「浴室の裸婦」というタイトルの作品です。

Fernand Léger (1881-1939)

フェルナン・レジェは、フランスの画家であり、当初キュビスムの影響を受けましたが、次第にそこから離れ、機械的な要素を取り入れた、より力強く、明確なフォルムと色彩による独自のスタイルを確立しました。

絵画だけでなく、版画、陶器、舞台装置、映画など、幅広い分野で作品を制作しました。

La Noce (1911-12)

「La Noce (結婚式)」はレジェの初期のキュビスム様式の作品であり、幾何学的な形態と鮮やかな色彩が特徴です。

結婚式の場面を、伝統的な描写ではなく、レジェ独自の視点から抽象的に表現しています。

Composition aux deux perroquets (1935-39)

「Composition aux deux perroquets（二羽のオウムの構成）」は、二羽のオウムを、幾何学的で力強いフォルムと、鮮やかな色彩で描いています。

キュビスムの影響を受けた画家として知られていますが、後半生は太い輪郭線を使った独自の画風を形成していきます。

ル・コルビュジエとの出会いが影響していると言われている作品です。

Georges Braque (1882-1963)

ジョルジュ・ブラックは、20世紀初頭のフランスを代表する画家です。

• キュビスムの創始者:
  • ピカソとともに、従来の絵画の概念を根本から覆すキュビスムを創始しました。
  • 対象を幾何学的な形態に分解し、複数の視点から同時に描くことで、新しい空間表現を追求しました。
• 独自のスタイル:
  • ピカソと共同でキュビスムの基礎を築いた後も、独自のスタイルを追求し続けました。
  • 晩年には、より詩的で装飾的な要素を取り入れた作品を制作しました。
• 静物画の名手:
  • 特に静物画において、その才能を発揮しました。
  • 身近なモチーフを、洗練された色彩と構成で描き出し、深い精神性を表現しました。
• 多岐にわたる活動:
  • 絵画だけでなく、彫刻、版画、舞台美術など、多岐にわたる分野で活躍しました。

L’Estaque (1906)

南フランス、マルセイユ近郊の街、レスタックという港町を描いた風景画です。

フォーヴィスムの影響を強く受けていて、鮮やかで大胆な色彩と、力強い筆致が特徴的ですが、対象を単純化し、幾何学的な形態で表現する傾向が見られます。

ブラックは、この作品を通じて、伝統的な風景画の概念を打ち破り、新しい絵画表現を模索しました。

この作品は、ブラックが後にキュビスム（立体派）へと進む上で、重要なステップとなった作品です。

Grand Nu (1907-08)

ブラックが書いた、最初のキュビスムの作品と言われている記念碑的な作品です。

伝統的な裸婦像とは異なり、対象を幾何学的な形態に分解し、複数の視点から同時に描くことで、新しい空間表現を試みています。

L’Homme à la guitare (1914)

エリック・サティの友人でもあるブラックは、音楽からインスピレーションを受けた作品を多く手掛けています。

ギターを演奏する男性が、幾何学的な形に分解され、再構成されています。

Auguste Herbin (1882-1960)

オーギュスト・エルバンは、フランスの画家であり、幾何学的抽象絵画の先駆者の一人として知られています。

• 初期からキュビスムへ
  • 初期には印象派やフォーヴィスムの影響を受けましたが、その後キュビスムへと移行しました。
• 独自の抽象絵画
  • 1917年頃から、対象を単純な幾何学的形態に分解し、純粋な色彩と形で構成された独自の抽象絵画を追求しました。
  • 彼の作品は、厳格な幾何学的構造と鮮やかな色彩が特徴です。
• 「プラスチック・アルファベット」
  • 晩年には、色彩と形態を体系的に結びつける「プラスチック・アルファベット」と呼ばれる理論を提唱し、その理論に基づいて作品を制作しました。

Relief polychrome (1921)

作品は彫刻絵画であり、幾何学模様を上下部で反転させています。

エルバンの抽象絵画の初期の代表作の一つとされています。

Orphisme オルフィスム

オルフィスム（Orphisme）とは？

オルフィスムは、20世紀初頭のフランスで生まれた前衛芸術運動で、キュビスムから派生しながらも、より鮮やかな色彩と動的な表現を追求したスタイルです。

ロベール・ドローネーとその妻ソニア・ドローネーを中心に展開され、詩人ギヨーム・アポリネールによって「オルフィスム」と名付けられました。

この運動の特徴は、キュビスムの幾何学的な形態を受け継ぎつつも、強い色彩のコントラストや光の効果を重視し、音楽的なリズムを感じさせる構成にあります。

伝統的な具象性から離れ、純粋な抽象表現へと向かう過程で、後の抽象絵画や現代デザインにも影響を与えました。

オルフィスムは短命な運動でしたが、色彩のダイナミズムと抽象性の探求において重要な役割を果たしました。

František Kupka (1871-1957)

フランティシェク・クプカは、チェコ出身の画家で、抽象絵画の先駆者の一人として知られています。

• 抽象絵画のパイオニア
  • カンディンスキーやマレーヴィチらとともに、抽象絵画の初期の発展に貢献しました。
  • 1911年から1912年頃には、完全に抽象化された作品を制作していました。
• 初期から抽象絵画へ
  • 初期には、象徴主義的な具象絵画を制作していました。
  • その後、パリに移り、キュビスムの影響を受けながら、次第に抽象化を進めていきました。
• 色彩と形の探求
  • クプカは、色彩と形の関係性を深く探求し、独自の抽象絵画のスタイルを確立しました。
  • 彼の作品は、生命力にあふれた色彩と、多様な形の組み合わせによって、宇宙の生成や生命の動きを表現しようと試みています。
• 晩年の評価
  • 生前は、その革新的な作風が十分に理解されませんでしたが、死後、その全体像が明らかにされ、近年ますます高い評価を受けています。

Plans par couleurs (1910-11)

科学の進歩に興味を持っていたクプカならではの作品です。

クロノ写真やX線にインスピレーションを受けていました。

明るい色の帯が画面にリズムを与え、光の揺らぎや動的な印象を生み出しています。

この作品は、色彩を主体とした絵画表現の可能性を追求した点で、カンディンスキーやモンドリアンと並び、20世紀の抽象絵画の先駆者としてのクプカの位置を確立する重要な役割を果たしました。

Plans verticaux I (1912)

フランス国家が取得した最初の抽象的な作品です。

画面全体に垂直の帯状の色面が配置され、色彩のリズムと動きを生み出しています。

色と形が調和し、まるで音楽の旋律が視覚化されたような効果を持っています。

Compliment (1912)

男性と女性の二人が挨拶する様子を描いています。

鮮やかな色彩が幾何学的な構成の中で調和し、視覚的なリズムを生み出しています。

タイトルの「Compliment（賛辞）」は、視覚的な美しさや調和を称える意味を持ち、抽象絵画が感覚的な体験を生み出すことを示唆しています。

Ordonnance sur verticales en jaune (1913)

ピアノの鍵盤を思わせる作品で、クプカが音楽に関心があることが伺えます。

タイトルの「verticales（垂直）」が示すように、縦に並ぶ形と線のリズムが印象的です。

具象から離れ、リズミカルな構成と色彩のバランスを探求するクプカの意図が表れています。

Traits noirs enroulés (1911-20)

渦巻く黒い線（Traits noirs enroulés）というタイトルの通り、黒い線が画面上で動的に絡み合い、リズミカルな構成を生み出しています。

黒い線と周囲の色彩が対照的に配置され、視覚的なダイナミズムを強調しています。

Lignes animées (1920-23)

天文学からインスピレーションを受けた作品です。

抽象的な線と色彩で、宇宙の動きやエネルギーを表現しています。

Traits, plans et profondeur I (1920-22)

ソルボンヌ大学で生物学を学んでいたクプカ。

「Traits, plans et profondeur I（線、平面、そして奥行き I）」は、心臓の血管からインスピレーションを得て描かれた作品になっています。

線と平面、そして奥行きを組み合わせることで、生命の神秘や躍動感を表現しています。

Traits, plans, espace III (1921-27)

「Traits, plans, espace III（線、平面、空間 III）」は、線と円、そして色の使い方で空間を描いています。

1912年頃からクプカが長年取り組んでいるテーマになります。

Le Roman du rose n°1 (1923)

「Le Roman du rose n°1（薔薇物語 n°1）」は、クプカが長年探求してきた抽象表現の集大成とも言える作品です。

薔薇をモチーフにしていますが、具象的なイメージはほとんどなく、色彩と形態の純粋な構成によって、薔薇の持つ美しさや生命力を表現しています。

Robert Delaunay (1885-1941)

ロベール・ドローネーはフランスの画家で、20世紀初頭の前衛芸術運動において重要な役割を果たしました。

彼は色彩の理論と光の表現に特に関心を持ち、「オルフィズム」と呼ばれる独自の抽象芸術スタイルを妻のソニア・ドローネーと共に発展させました。

オルフィズムは、キュビスムから発展しつつも、より鮮やかな色彩と円形の幾何学的形態を特徴としています。

La Ville de Paris (1910-12)

パリの都市風景を、キュビスムとオルフィスムの要素を融合させた独特のスタイルで描いています。

エッフェル塔、セーヌ川、ノートルダム大聖堂など、パリの象徴的な建造物が、鮮やかな色彩と幾何学的な形態で表現されています。

都市のダイナミズムやエネルギーを、色彩と光の相互作用によって表現しようとした、ドローネーの代表作の一つです。

Une fenêtre (1912)

フランス語で「窓」を意味する作品です。

窓から見える都市の風景を、鮮やかな色彩と幾何学的な形態で表現しています。

光と色彩の相互作用によって生まれる、ダイナミックで抽象的な空間表現が特徴です。

Formes circulaires, Soleil n° 2 (1912-13)

「円形の形、太陽 No. 2 」は、太陽をモチーフに、鮮やかな色彩と幾何学的な形態で構成されています。

円形の形態が画面全体に配置され、色彩のグラデーションによって、光の拡散や動きが表現されています。

Manège de cochons (1922)

この絵は、カラフルな円盤が渦巻く中に黒い脚が巻き込まれ、活気ある遊園地の雰囲気を再現しています。

色彩豊かな円盤は音楽と回転木馬のような動きを生み出し、観客を引き込みます。

近代都市の広告やスポーツ、大衆ショーは画家に新たな刺激を与えました。

前景にはダダ詩人トリスタン・ツァラが描かれ、ロベールとソニア・ドローネー夫妻と詩の関わりを示してます。

Le poète Philippe Soupault (1922)

「詩人フィリップ・スーポー」は、当時の前衛的な詩人フィリップ・スーポーの肖像画であり、ドローネーの独特な色彩感覚と抽象的な表現が際立つ作品です。

スーポーの人物像を、幾何学的な形と鮮やかな色彩で表現しています。

La Tour Eiffel (1926)

ローアングルから描いたエッフェル塔になります。

彼が繰り返し描いたエッフェル塔を主題にした一連の作品の中でも、特に重要な作品の一つです。

Sonia Delaunay (1885-1979)

ソニア・ドローネーは、ロシア帝国（現在のウクライナ）出身のフランスの画家、テキスタイルデザイナー、舞台美術家です。夫のロベール・ドローネーとともに、オルフィスム（色彩キュビスム）と呼ばれる芸術運動を創始しました。

• オルフィスムの創始:
  • 夫のロベール・ドローネーとともに、色彩の相互作用と幾何学的な形を用いた抽象絵画のスタイルであるオルフィスムを確立しました。
  • 色彩の持つ力強い表現力を追求し、絵画だけでなく、テキスタイル、ファッション、舞台美術など、幅広い分野でその才能を発揮しました。
• 多岐にわたる活動:
  • 特に、テキスタイルデザインにおいては、大胆な色彩と幾何学的なパターンを用いたデザインで、当時のファッション界に大きな影響を与えました。
• 晩年の評価:
  • 存命中にルーブル美術館で回顧展が開かれるなど、女性芸術家としては異例の高い評価を受けました。

Jeune Finlandaise (1907)

フィンランドでの休暇中に制作され、フィンランドの民族衣装を身にまとった若い女性を描いています。

Le Bal Bullier (1913)

サン・ミッシェル通りにあるダンスホール「バル・ブリエ」での様子を描いた作品です。

鮮やかな色彩と幾何学的な形によって、踊りや音楽の動き、人々の熱気を表現しています。

色彩のコントラストと、大胆な構図が特徴であり、彼女の作品の特徴である、色彩の持つ力強い表現力が際立っています。

オルフィスムらしい作品となっています。

まとめ

抽象画の発展に「キュビスム」が与えた影響はもの凄く大きなものです。

ピカソとブラックがキュビスムを世に広めなければ、今日の抽象画は全く違ったものになっていたかも知れません。

（しかし、二人共結局は「キュビスム」を放棄してしまうのですが）

次回は同時期に起こった他国での芸術運動を中心にご紹介させて頂きたいと思います。

今回も最後までお読み頂きありがとうございました。

国立近代美術館のコレクションについては以下の記事で詳しくご紹介させて頂いております。合わせてご参照ください。

• ポンピドゥー・センター コレクション｜ピカソとシャガール：フランス近代美術の二大巨匠
• 色彩の爆発と造形の革新：フォーヴィスム、キュビスム、オルフィスム – ポンピドゥー・センター・コレクション
• ポンピドゥー・センター：表現主義、青騎士、未来派 – カンディンスキーと革新の絵画
• ポンピドゥー・センター：シュプレマティスム、デ・ステイル、形而上絵画 – 抽象美術の多様性
• ポンピドゥー・センターで見る前衛芸術の衝撃 ダダイスムとシュルレアリスム
• ポンピドゥー・センター：アンフォルメル、タシスム、CoBrA、ヌーヴォー・レアリスム – 戦後美術の多様な展開
• 内面と大衆文化、そして概念の探求：抽象表現主義、ポップアート、コンセプチュアル・アート – ポンピドゥー・センター・コレクション